ARTES VISUALES EN EL PARAGUAY - ÓLEOS, ESCULTURAS, INSTALACIONES, FOTOGRAFÍA, AUDIOVISUALES: AMALIA RUIZ DÍAZ

Mostrando entradas con la etiqueta AMALIA RUIZ DÍAZ. Mostrar todas las entradas

jueves, 6 de octubre de 2011

AMALIA RUIZ DÍAZ - MODESTO DELGADO RODAS, SERIE GRANDES PINTORES PARAGUAYOS - Con el apoyo del FONDEC, Asunción – Paraguay 2011

MODESTO DELGADO RODAS

SERIE GRANDES PINTORES PARAGUAYOS

AMALIA RUIZ DÍAZ

Con el apoyo del FONDEC

Asunción – Paraguay

Marzo, 2011 (148 páginas)

ÍNDICE

Presentación I

Presentación II

Presentación III

Presentación IV

Introducción

Contexto socio-cultural del artista

Modesto Delgado Rocías - Una síntesis de su vida

Escritos y Publicaciones

a- Jorge Báez

b- Hipólito Sánchez Quell

c- Josefina Plá

d- Presentación Catálogo de Exposición de Modesto Delgado Rodas

e- Nélida Amábile

f- Luly Codas

Compilación Fotográfica

Resumen Biográfico

Bibliografía

Catálogos y otros

PRESENTACIÓN III

En una conversación con la autora del libro, Amalia Ruiz Díaz, me decía que una de las mayores dificultades de escribir un libro de esta naturaleza, era poder encontrar algún material que pudiera tener relación con el tema y que ayudara a enriquecer la investigación.

Aunque en nuestro país todos presumimos de historiadores, paradójicamente no existe la tradición de documentar ni la vida oficial ni la vida cotidiana, ni los hechos políticos, ni bélicos, ni culturales. Es por eso que resulta tan difícil ponernos de acuerdo sobre tantos puntos que hacen a nuestra historia, nuestra historia tomada aquí en su sentido más amplio. Y si no ponernos de acuerdo, por lo menos poder disentir pero con razones que sean valederas tanto de un lado como de otro.

De este modo, vamos haciendo una historia que, a manera de un calco defectuoso de la realidad, la construirnos en base a aquellas cosas que alguien parece ser que escuchó al respecto. No acudimos a las fuentes, sino a terceros que nos dan su versión ya digerida de lo que alguna vez le contaron.

Amalia Ruiz Díaz, aquella alumna del ISA (Instituto Superior de Arte) silenciosa, introvertida, que parecía hacer todo lo necesario para pasar desapercibida, comprendió en un momento dado esta enorme carencia. Su silencio y recogimiento ocultaban, sin embargo, una energía -ojalá fuera contagiosa- que la dirigió en el sentido que mejores frutos podía dar. Un día me preguntó mi opinión sobre la idea de catalogar los murales que había en Asunción de cara a la calle. Le respondí que me parecía de una gran importancia, si bien los murales existentes no eran muchos y le cité dos o tres de los que en ese momento me acordaba. Tiempo después, un pequeño libro, cuidadosamente diagramado y muy bien impreso, recogía todos los murales que había en la ciudad. Quedé sorprendido al descubrir que un buen número de ellos no los había visto nunca. O, al menos, no había caído en la cuenta que allí estaban.

Siguieron otros libros sobre temas puntuales de nuestras artes visuales; después de todo, eso es lo que ella estudió, además de aprender la disciplina y el rigor en el trabajo que la directora del instituto, Olga Blinder, transmitía a sus alumnos. Y en todos ellos los resultados fueron valiosos porque han enriquecido lo que sabíamos a tientas de muchos aspectos de nuestro pasado pictórico.

Ahora la autora ha dedicado sus esfuerzos para indagar en la vida y el trabajo de MODESTO DELGADO RODAS (1880-1963), como segundo volumen de la serie "GRANDES PINTORES PARAGUAYOS". El primero estuvo dedicado a "JAIME BESTARD, ARTE Y DIGNIDAD". Además de zambullirse en archivos y bibliotecas donde el trabajo no siempre es fácil por un motivo o por otro, tuvo la suerte de encontrar a gente que conoció y habló con el artista. Historias ciertas o no, anécdotas, recuerdos arrumbados en la memoria de alguien, estas son las simples herramientas, pero tan difíciles de conseguir, con las que trabaja un investigador. A la simplicidad de tales herramientas, sin embargo, hay que agregarle la disciplina y el rigor que impone una labor de esta naturaleza. De esto va a depender, en gran medida, que el trabajo termine enriqueciendo no a un grupo más o menos numeroso de personas, sino a todo el proceso cultural que vive un país.

Sé lo difícil que es editar un libro; sé los obstáculos con los cuales uno tropieza en el camino; pero sé también que si no hiciéramos todo esto, nuestro pueblo hoy sería un pueblo sin memoria. Y sin memoria no podemos comprender el presente ni mucho menos proyectarnos hacia el futuro.

JESÚS RUIZ NESTOSA*

Salamanca, España, febrero 8 de 2011

*JESÚS RUIZ NESTOSA (Paraguay -1941) : Fotógrafo. Periodista, Escritor Crítico de cine. Académico de Número de la Academia Paraguaya de la Lengua Española y correspondiente de la Real Academia de Madrid. Estudió fotografía en Nueva York. Se inicia en esta disciplina en 1958 y expone desde 1963 Bienales. Porto Alegre 1999, XXV Sao Paulo 2002. Casa de las Américas Madrid, 2001 Tercer Premio de Fotografió Concurso Touring Club Paraguayo 1963. Tiene publicado varios libros. Actualmente reside en Salamanca-España.

INTRODUCCIÓN

Este nuevo material que se ocupa del pintor MODESTO DELGADO RODAS, es el segundo de la SERIE DE GRANDES PINTORES PARAGUAYOS INICIADA con la publicación del libro JAIME BESTARD, ARTE Y DIGNIDAD. Mantiene el mismo objetivo de brindar una reseña informativa acerca de estos artistas nacionales que sobresalieron a principios del siglo pasado, luego de haber pasado por academias y talleres europeos, donde pudieron acrecentar experiencias y fortalecer sus conocimientos sobre la técnica pictórica.

En su primera parte incorpora una cronología biográfica y una serie de escritos, consistente en memorias y relatos de personas que tuvieron la oportunidad conocer la trayectoria del artista de manera más directa y cercana. En la segunda parte se ofrece una interesante compilación fotográfica de una diversidad de sus pinturas, seguida de algunos bocetos que agregan un matiz muy particular al origen y la realización de sus obras.

Sus familiares, sobrinos en especial, aportaron testimonios y relatos de suma importancia sobre el artista, que además sirvieron de nexo para acceder a otros archivos. A estos datos y referencias se sumaron detalles y comentarios que destacan la gran amistad que unió a Don Modesto con el escultor Erminio Blotta (Escultor italiano que vivió hasta su fallecimiento en Rosario. Argentina. (1893-1976) Fue muy amigo de Delgado Rodas).

Igualmente, fue de gran importancia acceder a la Biblioteca del Ateneo Paraguayo, a la Biblioteca Nacional; a la Biblioteca de la Universidad Nacional, de la Universidad Católica, del Centro Cultural Juan de Salazar; a la Biblioteca del Instituto Superior de Arte, a la del Instituto Superior de Bellas Artes; a los archivos privados; a los locales que ofrecen libros antiguos, así como a los diarios, revistas, catálogos y otros medios de difusión que se ocuparon del artista, desde las primeras décadas del siglo pasado hasta nuestros días.

Mi infinito agradecimiento al FONDEC, entidad que convierte en realidad mis proyectos; al Instituto Superior de Arte ISA de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Asunción, institución que fortalece mi pasión investigativa; a los grandes coleccionistas por la generosidad de compartir su patrimonio; a las profesoras Nélida Amábile y Verónica Verón por compartir su selecto archivo; a los historiadores, profesores, artistas, periodistas, alumnos y a todos quienes contribuyeron a ampliar las páginas de esta edición.

Mi gratitud a los presentadores, Emma Perasso, Jesús Ruiz Nestosa y Carlos Sosa Rabito, por honrar con sus palabras esta edición. Espero que este trabajo pueda contribuir a la difusión de la importante herencia que nos dejara este destacado pintor, Don Modesto Delgado Rodas, quien optó por volver a su patria para vivir y morir en su Villeta natal.

LA AUTORA

MODESTO DELGADO RODAS - UNA SÍNTESIS DE SU VIDA EN EL CONTEXTO SOCIO-CULTURAL

En la pos Guerra de la Triple Alianza, ya a finales del siglo XIX surge el Instituto Paraguayo, una academia de pintura fundada por los pintores italianos HÉCTOR DA PONTE, GUIDO BOGGIANI y otros, con lo cual se promueve el surgimiento de artistas locales, impulsándose además el otorgamiento de becas a Europa para algunos alumnos destacados, a partir del año 1903, brindadas por el Gobierno de Italia, con la intervención de Boggiani. Si bien MODESTO DELGADO RODAS pertenece a esa generación de artistas surgidos en esos tiempos, se acoge a este beneficio recién en el año 1913.

MODESTO DELGADO RODAS nace en la ciudad de Villeta (ca. 1880). Son sus padres DANIEL DELGADO y EUGENIA RODAS. Sus hermanos Enrique, Daniel, José María, Salvador. (Este último fue escultor). Enrique estuvo radicado en Argentina y Daniel en Brasil. (Esto justifica los pasos posteriores como estudiante y artista por estos países.) Realiza sus estudios secundarios en el Colegio Nacional de la Capital. Según archivos del Ateneo Paraguayo, estudia Dibujo y Pintura en el Gimnasio Paraguayo con los maestros HÉCTOR DA PONTE (1879-1956) y JULIO MORNET (.....), durante la dirección del artista JUAN ANSELMO SAMUDIO (1879 -1935).

Más tarde prosigue sus estudios de dibujo y pintura en la ciudad de Buenos Aires, fue uno de sus maestros el afamado pintor argentino EDUARDO SÍVORI (1847 - 1918) (Pintor argentino considerado el introductor y máximo exponente del realismo pictórico). Al culminar este ciclo en 1907, recibe una mención de honor.

Regresa al país con el propósito de realizar gestiones para obtener una beca de manera a proseguir sus estudios en Europa, dada la dificultad para realizar un viaje como éste, sin un apoyo económico. Esta ansiada beca se concreta recién en el año 1913, gracias a la intervención del Presidente de la República de entonces, Doctor ELIGIO AYALA, quien fuera su profesor en el Colegio Nacional. Este maestro conocía las habilidades del artista en sus tiempos de estudiante.

Viaja a Italia y se instala en Roma, donde ingresa a academias de Dibujo y Pintura. Los problemas sociales generados en los inicios de la Primera Guerra Mundial dificultan la comunicación con Paraguay y deja de recibir los beneficios de la beca.

Limitado de dinero, para subsistir se dedica a hacer copias de pinturas clásicas por encargo de negociantes en Roma y Nápoles. En estos tiempos conoce a un religioso, quien lo contrata para realizar tareas de pintura en un monasterio, lugar donde encontró trabajo y abrigo, aprovechando su tiempo para estudiar, por las noches, arte decorativo y pintura mural.

Estando en ese país, conoce a MARIETTA VICARIO, ciudadana norteamericana con quien contrae matrimonio y luego se radican por varios años en la ciudad de Detroit, Estados Unidos de América. De este matrimonio nace su única hija, Elena. Durante su permanencia en esa ciudad dicta clases de Dibujo, Diseño del Vestido y Gramática Castellana.

Luego, la nostalgia del terruño hace que regrese con la familia a su Villeta natal, donde trabaja con gran entusiasmo en la producción artística, aplicando los conocimientos teóricos y prácticos adquiridos durante su carrera en el exterior.

Siendo profesor de Dibujo y Pintura en el Ateneo Paraguayo, tuvo como alumna a OFELIA ECHAGUE VERA. Años después, esta artista manifestaba en un diario local, que la influencia de su maestro Delgado Rodas fue vital para su crecimiento profesional, heredando especialmente la mirada hacia el género del desnudo.

En coincidencia con este fructífero momento, participa nuevamente en exposiciones en Río de Janeiro, Buenos Aires y Estados Unidos, recibiendo elogios de los críticos culturales, según testimonian sus familiares.

Su esposa e hija vuelven a los Estados Unidos porque no logran adaptarse al modo de vida paraguayo. Esta disolución familiar fue un duro revés para el artista, a quien afectó profundamente este abandono, generándose un cambio adverso en su vida para siempre.

MODESTO DELGADO RODAS experimentó todos los géneros de pintura. En su primera etapa pintó paisajes romanos y florentinos a los que dio continuidad con los paisajes bucólicos del Paraguay, especialmente de Villeta, y el río que siempre está presente en sus obras. La representación de la figura humana es otro género que apasionó al artista. Los retratos nos hablan claramente de la fuerza interna y la importancia del momento sicológico del modelo. Fue el primero en tomar el desnudo como tema inspirador, según afirman sus críticos, luciendo en ellos impecable su técnica en la carnación.

Los bocetos que se conservan de paisajes y figuras humanas nos dicen claramente que no fue un artista improvisado. Ha realizado innumerables variaciones y estudios; en ellos además nos muestra que la figura humana ha sido su gran curiosidad y ha hecho de ella su género predilecto plasmando en sus bocetos toda la técnica academicista y su temperamento.

En la soledad que no lo ha abandonado desde la partida de Marietta y principalmente de Elena, su hija, cuentan los familiares que sólo le devolvían la sonrisa a su rostro las llamadas telefónicas recibidas de su pequeña hija.

Don MODESTO DELGADO RODAS deja de existir en la ciudad de Villeta el 15 de mayo del año 1963, a la edad de 83 años aproximadamente. Días después los diarios locales se hacen eco de esta partida comenzando a recordar al artista.

BIBLIOGRAFÍA

Alsina, Arturo, Paraguayos de otros tiempos, 1983, Libro paraguayo del mes, abril 1983, Nro. 24„ Ediciones NAPA, Asunción

Báez, Jorge (2007) Artes y artistas paraguayos, Edición El liberal, Asunción

Báez, Jorge (1955) La Torre del Silencio y otros ensayos, Imprenta Nacional, Asunción

Benítez, Luis G. (1986) Breve Historia de Grandes Hombres, Gráfica Comuneros, Asunción

Blinder, Olga (1985) Comentarios 1956 - 1985 (1a. Edición) Editorial IDAP, Asunción

Blinder, Olga; Plá, Josefina y Escobar, Ticio (1983) Arte Actual en el Paraguay 1900 -1980, (1a. Edición.) Ediciones IDAP, Asunción

Blinder, Olga; Plá, Josefina y Escobar, Ticio (1997) Arte Actual en el Paraguay 1900 - 1995 (1a. Edición.) Editorial Don Bosco, Asunción

Cardozo, Efraím, Apuntes de Historia Cultural del Paraguay, 3a. Edición, Litocolor, Asunción

Centurión, Carlos (1961) Historia de la cultura paraguaya, Biblioteca Ortiz Guerrero, Asunción

Centurión, Carlos (1997) Historia de la cultura paraguaya, Tomo III, Editorial El lector, Asunción

Díaz Pérez, Viriato (1982) De Arte, (segunda Edición), Editor Luis Ripoll, Palma de Mallorca, España

Escobar, Ticio (1984) Una interpretación de las Artes Visuales en el Paraguay (1a. Edición.) Colección de las Américas, Asunción

Escobar, Ticio (2004) El Arte fuera de sí (la. Edición) CAV Museo del Barro, Asunción

Fernández, Miguel Ángel, Escobar, Ticio, Codas, Luly, (1999) Siglo XX Una Interpretación de los Artistas Paraguayos, Imprenta Arte Nuevo, Asunción

Forjadores del Paraguay, Diccionario Biográfico, (2000) Distribuidora Quevedo de Ediciones, Buenos Aires

Fundación Joel Filártiga, (2004) Juan Ignacio (Chuchín) Sorazabal Su vida y su obra, Gráfica Lugal, Asunción

González, Natalicio Procesos y formación de la cultura paraguaya (1a. Edición.) Buenos Aires

Instituto Paraguayo Alemán, (2003) Museo Nacional de Bellas Artes, AGZ, Asunción

Plá, Josefina (1973) Treinta y tres nombres en las Artes Plásticas Paraguayas, Editorial Cultura, Asunción

Sánchez Quell, Hipólito (1981) Arquitectura, vestimenta y costumbres asuncenas, librería Comuneros-Casa América, Asunción

Sánchez Quell, Hipólito (1977) Auto antología, Instituto Colorado de Cultura, Casa América, Asunción

Velázquez, Rafael Eladio (1965) Breve Historia de la Cultura en el Paraguay, Asunción Catálogos, Diarios, Suplementos y otros

Catálogo de Exposición, 40 joyas de Delgado Rodas, Instituto Colorado de la Pintura, 24 octubre al 24 de noviembre de 1973, Asunción

Diario Hoy, Dominical, 29 de octubre de 1978, págs. 10 y 11

Diario última Hora, Correo Semanal, 22-23 de agosto de 1998, pág. 32 Diario última Hora, Correo Semanal, Pág. 4

Diario El Diario, jueves 28 de setiembre de 1933

Diario última Hora, Correo Semanal, Jorge Báez, pág. 8 y 9. Diario ABC Color, Suplemento Dominical, 28/02/1971.

Portal Guaraní - www.portalguarani.com

ENLACE INTERNO RECOMENDADO :

sábado, 11 de junio de 2011

AMALIA RUIZ DÍAZ (CATALOGACIÓN Y COMPILACIÓN FOTOGRÁFICA) - MURALES DE ASUNCIÓN (1) / Publicación realizada con el apoyo del FONDEC, 2004

MURALES DE ASUNCIÓN (1)

Catalogación y Compilación Fotográfica por

AMALIA RUIZ DÍAZ

amaliaruizdiaz@gmail.com

Publicación realizada con el apoyo del FONDEC

Asunción-Paraguay. Noviembre 2004

Fotografía: Juan Carlos Meza, José Gómez, Antonio Rolón,

Juan Antonio Rolón, Juan Pablo Rolón y Amalia Ruiz Díaz

**/**

GRACIAS A LA AUTORIZACIÓN DE LA AUTORA

UNA RESEÑA DE LAS OBRAS CATALOGADAS

ESTÁN INCLUIDAS EN EL PORTAL

**/**

Cuando Amalia Ruiz Díaz comenzó en el año 2000 un trabajo práctico sobre los murales de Asunción, nadie en el ISA (Instituto Superior de Arte) pensó que, con el paso del tiempo y la tenacidad de su autora, ese trabajo se iba a convertir en una importante investigación que obtendría el apoyo del FONDEC para su publicación como primer catálogo que registra en forma sistemática nuestra producción muralística de más de cinco décadas.

Hace ya casi cincuenta años, en 1956, Josefina Plá leyó en Diálogo -audición radial que trataba sobre arte- una nota que luego se publicó en el desaparecido diario El País y que llevaba como título "El principio fue el mural..." Partiendo de que "Toda historia de la pintura debiera comenzar con estas palabras", Josefina continuaba con la idea de que la forma inicial de la pintura fue, precisamente, el mural ya que las más antiguas pinturas que se conocen, las pinturas rupestres, llegaron a nosotros como murales. Después, a lo largo de la historia, los murales fueron cumpliendo diferentes objetivos: decorativos, religiosos, sociales, etc.

Antes de analizar el tema del muralismo en Asunción, este trabajo recuerda la importancia croe tuvieron los murales decorativos de Egipto, Grecia y Roma para que conozcamos sus costumbres, así como las maravillosas pinturas renacentistas que en las paredes del Vaticano relatan los pasajes de las Sagradas Escrituras. Llega después al muralismo mexicano como un "movimiento artístico y sociopolítico de temática popular" que tuvo sus ramificaciones en el resto de los países americanos. Y se podría citar a Cándido Portinari, pintor brasileño que, en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, tuvo a su cargo la realización de dos grandes murales que llevan por título "La guerra" y "La paz".

La importancia de este trabajo de Amalia Ruiz Díaz radica principalmente en que viene a documentar parte del proceso de la producción artística de nuestro país y crea, de esta manera, un registro que hacía falta porque rescata y preserva una muestra de nuestra pintura que, de no hacerlo, como tantos otros aspectos de la historia sería borrada de la memoria o cuando menos tergiversada por el paso del tiempo que, si no destruye, por lo menos condena al olvido.

Es de desear que este catálogo sea el inicio de una serie de trabajos de investigación y rescate que contribuyan a registrar nuestro patrimonio artístico para beneficio de quienes desean ahondar en el conocimiento de nuestra identidad cultural.

MEME PERASSO - OLGA BLINDER

**/**

INTRODUCCIÓN

MURALES DE ASUNCIÓN es el resultado de una investigación que brinda un panorama sobre la pintura mural en nuestra ciudad. Este compendio consta de las imágenes de los murales a los que se tuvo acceso, ubicados en diferentes puntos y realizados en diversas épocas.

Además de una breve reseòa sobre el muralismo en su contexto Ilistcírico y una síntesis biográfica, integra este catálogo una compilación fotográfica, ordenada cronológicamente, por autores, con sus respectivas nomenclaturas. De esta forma podemos observar que los artistas, en su mayoría nacionales, han contribuido al patrimonio cultural de nuestra sociedad, dejando su impronta en nuestro paisaje urbano, para que las generaciones posteriores pudieran apreciar el mensaje que buscaron transmitir.

Todo el proceso de recabar datos, captar fotografías y dar un seguimiento a la investigación a través de las informaciones proveídas por los autores, autoras o descendientes, resultó ser una tarea exigente pero altamente gratificante por la demostración del interés común que respaldó constantemente mi labor. Debo expresar igualmente mi reconocimiento al gran equipo humano del Instituto Superior de Arte que alimentó la maduración de esta investigación; a los propietarios que gentilmente me permitieron compartir su patrimonio; al FONDEC que hizo posible esta publicación; a los auspiciantes que confiaron en este emprendimiento y en especial a mi familia, pilar fundamental de mis emociones.

Finalmente, espero que la culminación de este proyecto, encarado con mucha pasión desde el mismo instante en que abracé la idea, pueda contribuir a despertar el interés por todos los trabajos de este género, testimonios de un acervo cultural que requiere su justa valoración, a fin de que ocupen el sitial que les corresponde dentro de las manifestaciones artísticas paraguayas.

LA AUTORA

**/**

EL MURALISMO EN PARAGUAY

Hasta la década del 50, los pintores Pablo Alborno, Modesto Delgado Rodas, Jaime Bestard y Roberto Holden jara, continuaban con la pintura academicista, figurativa o impresionista manifestando su inclinación al nativismo y la reconstrucción histórica.

Con la llegada de Joao Rossi (Pintor figurativo, que había asimilado las corrientes contemporáneas, logrando una fórmula propia en sus naturalezas muertas y flores Estuvo en San Pablo y Montevideo, tierras de Portinan y Torres García, donde se nutrió de todo el bagaje del constructivismo.) en 1950, cambiaría la historia del arte en Paraguay. "Él arrojó una semilla que dio los primeros brotes en la formación del Grupo Arte Nuevo" dice Olga Blinder, (Comentarios, (1985) pág. 101). Dictó clase de teoría en la Asociación Cristiana de jóvenes, dando apertura a nuevas formas de ver el arte. Muy pronto se hicieron evidentes los resultados. Las exposiciones se duplicaron. La pintura paraguaya buscó actualizarse. "La plástica paraguaya debe a Joao Rossi mucho de su proceso" (Josefina Plá, Treinta y tres Nombres en las Artes Plásticas Paraguayas, (1973) pág. 53).

En 1954 se presenta oficialmente el grupo ARTE NUEVO. Conformaron el grupo Lilí del Mónico, Josefina Plá, Olga Blinder y José Laterza Parodi.

Si bien ya existían murales en Asunción realizados por Josefina Plá y Julián de la Herrería en 1928 en una propiedad del Sr. Rigoberto Caballero (hoy USAID, Juan de Salazar 364), según los datos obtenidos en esta investigación, es Olga Blinder quien realiza en el Colegio Nacional de la Capital (1956) y Colegio Nacional de Niñas (1957) los primeros murales públicos en Asunción.

Aunque el muralismo en el Paraguay tiene su origen allá por los años 20, alcanza su apogeo en las décadas del 50, 60 y 70 con Olga Blinder, Roberto Holden Jara, Josefina Plá, José Laterza Parodi, Carlos Colombino. Existen murales realizados por artistas nacionales y extranjeros posteriores a esas épocas: Michael Burt en los 80, Alejandro Lavand, Félix Toranzos, el correntino José Kura en el 90 y Faustino Adorno en el 2000. También existen murales traídos del extranjero y otros donados por delegaciones extranjeras.

En cuanto a su localización, varios de ellos se encuentran en Instituciones Públicas, tales como el Banco Central del Paraguay, Colegios Nacionales, Instituto Superior de Bellas Artes, Ministerio de Defensa, Instituto de Previsión Social, Casa de la Independencia, Emergencias Médicas etc. Otros, en cambio se hallan en locales municipales como el Teatro Municipal, Plaza "Infante Rivaroia", Cementerio de la Recoleta; en instituciones religiosas como la Catedral Metropolitana, Iglesia del Perpetuo Socorro, Iglesia San José; en edificios de propiedad privada como Citibank y Banco do Brasil, Agencia de Viajes Inter-Express, Radio 1° de Marzo, Hotel Sheraton, Galería Santa Catalina, o en colegios privados como Monseñor Lasagna, María Auxiliadora, Club Sol de América, entre otros. Asimismo varias residencias particulares cuentan con murales cuyos dueños accedieron gentilmente a compartirlos con nosotros.

Con el fin de tener un breve conocimiento acerca de los artistas que trabajaron el lenguaje mural en Asunción, se presentan a continuación sus respectivas biografías ordenadas de acuerdo al orden cronológico de las fichas.

Una figura destacada fue Josefina Plá, escritora y ceramista paraguaya de origen español, fundadora del Grupo Arte Nuevo, miembro de la Academia Internacional de Cerámica con sede en Ginebra. Participó como Jurado en varias Bienales del Brasil y la Argentina. En el Paraguay realizó más de 25 exposiciones, así como en muchos otros países. En el año 1952 recibió el Diploma de Honor de Primera Clase en el Salón de Artes Plásticas de Río de Janeiro. También obtuvo el Primer Premio del concurso mural de "La Paraguaya S.A." y la Medalla de Oro del Ministerio de Cultura de San Pablo Publicó diversos trabajos sobre Artes Plásticas y su labor de difusión y crítica ha sido múltiple. Conjuntamente con Joao Rossi, firma el primer manifiesto de arte moderno a mediados de 1952.

Julián de la Herrería, paraguayo, fue alumno de Da Ponte. Viajó a Europa por sus propios medios y estudió en la Academia San Fernando de Madrid, donde realizó alguna de sus mejores aguafuertes y aguatintas. Pasó luego a París y allí permaneció durante seis años. En 1912 se radicó en España, donde estableció contacto con la cerámica y desde entonces se dedicó solamente a ella. En 1924 presentó su primera exposición de cerámica.

Olga Blinder, paraguaya, es pintora, dibujante, docente y grabadora. Realiza exposiciones individuales desde 1950. Expone desde 1953 en muestras internacionales de Arte. En 1954 conjuntamente con Josefina Plá, Lilí del Mónico y José Laterza Parodi organiza y funda el Grupo Arte Nuevo. Mantiene actualmente una activa participación en el mundo del arte y la docencia. Se desempeña como directora del Instituto Superior de Arte dependiente de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Asunción, es miembro del CONEC (Consejo Nacional de Educación y Cultura) y dicta charlas sobre arte y educación.

Roberto Holden Jara, paraguayo, viaja a Europa becado en 1924. Estudia brevemente en Madrid, pasa luego a Francia y en 1925 se suspende la beca. Va a Italia y luego a París. Regresa a nuestro país en mayo de 1926 y en ese mismo año realiza una exposición en el Gimnasio Paraguayo. Al finalizar la guerra del Chaco imprime a su arte una dirección distinta: desde entonces se dedica en forma predominante a retratos de indígenas. Fundó y dirigió La Escuela de Bellas Artes.

José Laterza Parodi, paraguayo, estudió pintura y dibujo con profesores paraguayos y extranjeros. Estudió cerámica con Josefina Plá. Fue becado a España por un año y expuso en Barcelona. Desde 1948 realizó exposiciones conjuntas y participó en muestras colectivas e individuales. Obtuvo Mención Honorífica de Primera Clase en la Sección Terracota Esmaltada, en Río de Janeiro, en 1953. En Asunción, en1966 fue distinguido con el Primer Premio en el Salón Kennedy del Centro Cultural Paraguayo Americano. En la Bienal de San Pablo de 1957, obtuvo juntamente con Josefina Plá el Premio Arno. En la IX Bienal se le concede el Honor de la Sala Especial.

Carlos Colombino, paraguayo, es arquitecto, pintor y grabador. Sus estudios de arquitectura han tenido desde el comienzo un reflejo efectivo en su trabajo. Expone en Asunción desde 1956 y en muestras Internacionales de Arte desde 1959. A partir de 1963 se dedica a una técnica de propia creación a la que denomina xilopintura (porque participan por igual el grabado en relieve y la pintura al óleo) con la que ha obtenido resultados merecedores de la atención creciente de la crítica extra frontera.

Alejandro Lavand, paraguayo. Realizó estudios de arquitectura y decoración, en la Universidad de San Pablo (Brasil). Es profesor del Centro Regional de Educación y jefe del Departamento Audiovisual de la misma Institución. Tiene escrita una novela: Calvario de un corazón.

Michael Burt, paraguayo, arquitecto y pintor. Mientras estudiaba arquitectura en Río de Janeiro, también inició cursos de arte y creatividad en el Museo de Arte Moderno de esa capital. A su vuelta a Asunción en 1960, ejerce la profesión de arquitecto. Fue profesor adjunto en varias materias en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional. También fue ayudante de la Cátedra de Proyectos de la misma Facultad. Participa en Exposiciones Colectivas desde 1962 y expone individualmente desde 1965. Concurre a las Bienales de Córdoba, San Pablo y Lima. Expone en la Galería de la O.E.A. en 1966, en Canning House de Londres 1999 y en el Centro Gallego de Bruselas en 2002.

Félix Toranzos, paraguayo, artista plástico, arquitecto, diseñador gráfico y escenógrafo. Concluyó su formación en artes plásticas en la Escuela de Bellas Artes. A partir de 1979, empieza a exponer sus obras en muestras locales e internacionales con significativa participación en exhibiciones en Argentina, Estados Unidos y Brasil. Toma parte en diversas bienales como la Bienal Latinoamericana de Arte sobre de Papel en Buenos Aires (1986), la XIX Bienal Internacional de Arte de San Pablo (1987), la Bienal de Retrato, en Tuzia (Yugoslavia). En 1998, le concedieron el Premio Arquitecto Pedro Agüero de Artes Visuales por su trayectoria artística. Su obra integra el acervo del Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte de las Américas en Washington.

Fernando Calzoni, artista y arquitecto argentino, se inició en la actividad plástica con Juan Carlos Soto, en 1989. Integró con éste y otros pintores el grupo muralístico ARTE AHORA, responsable de una cantidad apreciable de emprendimientos realizados en la capital e interior de Corrientes, como asimismo en el Brasil

José Kura, argentino, cursa estudios de dibujo y pintura en el Instituto Superior Josefina Contte de Corrientes y en la Escuela de Arte de Resistencia, Chaco, habiendo asistido a diversos cursos de perfeccionamiento. Ha participado en 24 exposiciones colectivas y muestras individuales en el Chaco y Brasil. Cofundador del grupo muralístico ARTE AHORA, participó en la elaboración colectiva de más de 70 emprendimientos en Corrientes, Entre Ríos y las ciudades brasileñas de Cascabel, Santo Ángelo y Uruguayana. Integra la Unión Latinoamericana de Creadores de Arte Monumental, con sede en México. Ha obtenido importantes distinciones en su país y Brasil.

No fue posible obtener datos de los artistas Adán Kunos y Faustino Adorno.

ÍNDICE

ANTECEDENTES

1.1 MURALISMO EN MÉXICO

1.2 LA RAMIFICACIÓN DEL MURALISMO EN AMÉRICA

1.3 EL MURALISMO EN PARAGUAY

CATÁLOGO - INCLUYE OBRAS DE

(ENLACES INTERNOS A LAS GALERÍAS DE OBRAS DE LOS ARTISTAS)

2.1 - JOSEFINA PLÁ

2.2 - JULIÁN DE LA HERRERÍA

2.3 - OLGA BLINDER

2.4 -ROBERTO HOLDEN JARA

2.5 - JOSÉ LATERZA PARODI

2.6 - CARLOS COLOMBINO

2.7 - JUAN GARCÍA VEIA / RODOLFO CABRERA / HUGO AQUINO

2.8 - ADAN KUNOS

2.9 - GUIMA E NIVA

2.10 - MICHAEL BURT

2.11 - ADELA LLEDÓ Y G. SCAPPINI

2.12 - ALEJANDRO LAVAND

2.13 - FERNANDO CALZÓN Y ENRIQUE YOR

2.14 - PROYECTO ARTE AHORA

2.15 - FÉLIX TORANZO

2.16 - FAUSTINO ADORNO

2.17 - RODRIGO RESK

2.18 - JOSÉ KURA Y ALUMNOS DE BELLAS ARTES Y

2.19 - TRABAJOS ANÓNIMOS VARIOS

GLOSARIO PARAGUAY.

BIBLIOGRAFÍA.

**/**

GLOSARIO DE TÉCNICAS

CERÁMICA: ...Denominación general para un tipo de material fabricado por un proceso de filtración de silicatos y óxidos. El material básico se desmenuza, se homogeneiza y se vierte, con abundante agua como coloide (para obtener una masa moldeable), en pudrideros con el fin de que corrompa (madure). La masa se tornea, a mano o por procedimientos mecánicos, en moldes de yeso absorbente; las piezas secas son precocidas a 900°, bañadas en esmalte y a continuación vueltas a cocer a 1400° - 1600° en hornos.

**/**

ENCÁUSTICA: Técnica antigua de la pintura en cera. Los colores calientes se extienden y pulen sobre el fondo, previamente calentado (madera, yeso, piedra), con una espátula, igualmente precalentada; resistente a la humedad, no pierden el colorido y producen un efecto ilusionista... DICCIONARIO RIODUERO, ARTE I

**/**

ESGRAFIADO: Técnica de revoque raspado o inciso para decoraciones murales, después de aplicar dos o más capas de revoque de diferentes colores (mortero de cal o cemento), se realiza la decoración por incisión con el garfio o bien raspando las capas aún blandas...

**/**

FRESCO: Pintura mural con colores disueltos en agua de cal y aplicada sobre el revoque húmedo... Los colores adquieren una gran consistencia al secarse la cal. La pintura al fresco requiere una ejecución rápida... DICCIONARIO RIODUERO ARTE I

**/**

MOSAICO: Decoración ornamental o figurada de superficies. Técnica: teselas de piedra policromada, trozos tallados de masa vitrea de colores, barritas de terracota y trocitos de nácar, todos ellos de diferentes tamaños y forma, se incrustan, según un modelo previo en dibujo en color.

Técnica para decorar suelos paredes y techos mediante composiciones formadas por pequeñas piezas cuadrad itas llamadas teselas. Pueden ser de vidrio, mármol, piedra, cerámica, etc.

**/**

ÓLEO: Esta técnica es poco grata para pintar un mural, sin embargo se mejora cuando los colores son magros o se mezclan con cera. Las pinturas al óleo sobre tela y pegadas con caseína o con barniz de linaza y blanco de plomo sobre el muro, nos permiten obtener el encanto óptico de las genuinas pinturas murales.

**/**

RELIEVE: ...Representaciones plásticas sobre una superficie, según el grado de resalto de la representación respecto al plano a que pertenece. a) bajorrelieve o plano; b) mediorrelieve; c) altorrelieve, que ya se aproxima a la escultura de bulto redondo. Una especial es el relieve hundido. Como material se utiliza madera, arcilla, marfil, piedra y metal...

**/**

TEMPLE: Pintura mural detabla y en miniatura con colores al temple. Produce colores luminosos sin transiciones suaves; no permite sobrepintado; se vuelve mate al secarse.

Los pigmentos molidos en agua se mezclan con materia albuminosa, gelatinosa o coloidal. Solo con yema se llama temple de huevo. También se usan la goma arábiga o caseína. Éstos son menos resistentes al agua que el temple de huevo. Los colores al temple no se alteran tanto al calor.

**/**

EXISTEN OTRAS TÉCNICAS: Látex industrial, técnica mixta, etc. El artista emplea materiales de acuerdo a su contexto, tiempo y lenguaje.

**/**

BIBLIOGRAFÍA

· BAYÓN, D. (1974) “AMÉRICA LATINA EN SU CULTURA”, 1984, Siglo XXI - Ediciones, S.A., Cerro Laguna, México.

· BLINDER, O. (1985) “COMENTARIOS 1956-1985”, Ediciones IDAP.

· CARDOZO, E. - “APUNTES DE HISTORIA CULTURAL DEL PARAGUAY”, Editora Litocolor, 31° Ed. Paraguay.

· FÉRNÁNDEZ, M. D. (1998) – “CATÁLOGO RAZONADO DE PINTORES Y ESCULTORES CONTEMPORÁNEOS DE CORRIENTES”, Talleres gráficos de Láser-Fax, Corrientes.

· HAROL OSBORNE, I. Y OTRO, (1992) – “DICCIONARIO DE ARTE”, Editorial Alianza, Madrid.

· MONREAL TEJADA, L. Y OTROS, (1992) – “DICCIONARIO DE TÉRMINOS DE ARTE”, Editorial Juventud, Barcelona.

· MURGA, PURIFICACIÓN (1978) – “DICCIONARIO DE ARTE”, Ediciones Rioduero, Madrid.

· PLÁ, JOSEFINA, (1973) – “TREINTA Y TRES NOMBRES EN LA ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS”, Editorial Cultura, Asunción.

· PLÁ, J. Y OTROS, (1997) – “ARTE ACTUAL EN EL PARAGUAY-1900-1995”, Editorial Don Bosco, Asunción.

· PIGNOLI, GIORGIO Y OTROS, (2003) – “DICCIONARIO DE ESTÉTICA”, Quadrata Editor, Buenos Aires.

· RIZZOU, NOGER, (1973) – “MAESTROS DE LA PINTURA, MIGUEL ÁNGEL 2”, Ediciones Noguer.

· SMITH, E. (1994) – “ARTE LATINOAMERICANO DEL SIGLO XX”, Primera Edición, Ediciones Destino, Barcelona.

· SOURIAU, ETIENNE (1998) – “DICCIONARIO AKAL DE ESTÉTICA”, Ediciones Akal SA., Grefol S.A. Madrid.

· SIQUEIROS, DAVID A., (1985) – “COMO SE PINTA UN MURAL”, Editorial Arte y Literatura, Habana Vieja, Ciudad de La Habana.

· ZELADA, SANDRA, Monografía: “IMPLICANCIAS CULTURALES DEL MOVIMIENTO MURALÍSTICO CORRENTINO”, Corrientes.

ALGUNAS OBRAS INCLUIDAS:

martes, 9 de noviembre de 2010

CARLOS SOSA RABITO y AMALIA RUIZ DÍAZ - PERÍODO DE PLENA SOLIDÉZ: 1964-1990 / Fuente: HISTORIA DE LA CULTURA PARAGUAYA – 2ª PARTE.

PERÍODO DE PLENA SOLIDÉZ: 1964-1990

PANORAMA DEL ARTE VISUAL EN EL PARAGUAY DEL SIGLO XX

Autores: CARLOS SOSA RABITO

y AMALIA RUIZ DÍAZ

En la exposición de LOS NOVÍSIMOS los desafíos formales procedían de diversas experimentaciones e interpretaciones, del informalismo y el pop: "...buscaban, en el amplio espectro de posibilidades que se ofrecen, un lenguaje propio, probando distintas formas de expresión” (Blinder, 1997, 2º edición, 77).

En ese momento las conquistas formales de la etapa anterior ya se mostraban insuficientes para viabilizar las inquietudes y el atractivo que ejercía la rápida expansión estética de la cultura de masas en los años '60, que consagra la crítica radical de medios y técnicas como acto de rebelión estética, así como la incorporación participativa del público y el contexto.

Por otro lado, y muy importante, el marco teórico-crítico que sopesaba el rumbo del proceso procedía de los críticos OSVALDO GONZÁLEZ REAL, JUAN MANUEL PRIETO y OSCAR TRINIDAD.

La presencia de LOS NOVÍSIMOSfue fugaz pero abrió otro momento en el arte paraguayo, tiempo de inicio de individualidades notables -al que se integrarían casi todos los componentes de este grupo- y consolidación de líneas experimentales de artistas del primer momento de la modernidad.

LA PINTURA

La muestra de xilopinturas (1963) de CARLOS COLOMBINO iniciaba uno de los capítulos más notables de la transformación moderna, lenguaje con el que trabaja hasta la actualidad y caracterizó todo el decurso de su producción plástica. A fines del sesenta, explora lo objetual, casi como un contrapunto, al filo y superpuesto a la serie del Torturado, La Ura, el General a cuerda...; obra que hacía expresa el compromiso socio-histórico de la imagen. Su contribución es fértil en toda su evolución, y encontraría en la Serie Paraguay (1986) el disparador que lo conduce a diversos formatos experimentales del siglo XXI, que se caracteriza por el replanteamiento del lenguaje y el giro hacia la instalación.

Por su lado, OLGA BLINDER, fiel a la figuración representativa, progresa hacia formas que integran su sesgo dibujístico y el color con diversos materiales y soportes hasta la exploración de las manchas en la década de los años '80.

A lo largo de su producción el contenido que le interesó fue la mujer inserta en la difícil historia socio-cultural del Paraguay. La pintura había alcanzado momentos descollantes en la obra de EDITH JIMÉNEZ: el color y la materia, acaso acariciada por el pincel y la espátula, oscilaba entre lo referencia) y lo autorreferencial; lo figurativo y lo abstracto; más que fines, fueron estrategias que desataron su profunda sensibilidad e instancias con las que entendió y simbolizó su propio mundo y el de los otros. El conjunto de su obra define uno de los sentidos del devenir histórico de la pintura contemporánea nacional.

Cuando en 1966 ENRIQUE CAREAGA empalma con el Op Art -liderado por Vasarely- en 1966, en París, su pintura toma un giro radical, aun considerando que en el año anterior, en Asunción, dio sus primeros pasos en una geometría de tipo óptico en blanco y negro, que sucedería a sus inicios informalistas con Los Novísimos. Además, exploró el campo objetual y el cinetismo. En otro momento, su obra daría lugar a lo que terminó denominándose "geometría fantástica". La pintura óptica de principios del año '70 derivaría en una corta estancia objetual: escultura en acero y madera policromada.

La incorporación de la perspectiva (1976) abre una dimensión espacial, la producción va de los "campos magnéticos" a las "vibraciones espacio-temporales", después vendrían las series de los "soles", entre otras. Su pintura reciente corresponde ya a los primeros años de la década del siglo XXI. En cuarenta años de trabajo, Careaga marca uno de los rumbos de la pintura paraguaya.

RICARDO MIGLIORISI (1948) irrumpe en el ámbito artístico a mediados de los años'60 y como muchos de los jóvenes de ese momento asistió al Taller de Cira Moscarda (1934-1984). Refiriéndose a la situación Escobar (1986,8) señala que "...La imaginería de Migliorisi se formó en ese ambiente y debe mucho al taller de Cira".

Su obra está marcada por el vigor expresivo que supo encontrar en el color, medio con el que investigó las distintas posibilidades cromáticas más allá de los modos de la modernidad, de cuyas prescripciones había tomado distancia. El largo tiempo pictórico asimiló los ambiguos principios de la creatividad y liberó impulsos: la irreverencia y el desborde en el gesto y el color festivo -a veces chillón y de diversa filiación estética- no eran mero juego sino la búsqueda instintiva de una herramienta efectiva que le permitiera criticar diversas dimensiones de la realidad de ese momento.

Con excepción del dibujo autónomo, el color integró toda su producción: lo objetual en sus distintas formas experimentales, la instalación -Las cantantes (1989), por ejemplo-; la cerámica; la efímera obra audiovisual Jayne hasta el Asco, 1968, con BERNARDO KRASNIANSKY-; el video -24 horas en la vida de Brigitta Von Scharkoppen, 1984, en conjunto con JUAN CARLOS MANEGLIA-; el vestuario y la escenografía...

La pintura de Migliorisi marca un tiempo particular en el concepto de lo pictórico y constituye todo un reto al futuro de ésta en el arte nacional.

Formada en la Academia de Bellas Artes de Buenos Aires, LAURA MÁRQUEZ (1929) muestra sus primeros trabajos en Asunción a fines de los años '50. En una segunda, en el año '62, la obra procede de los experimentos formales vinculados a la abstracción: la de cuño lírico y la de definición geométrica, ambas enraizadas en la estética argentina de entonces.

Seis Meses de silencio (1968), pintura sintética negra sobre tela, marca un momento significativo en el desarrollo de la abstracción, aunque, llamativamente, la definición formal osciló entre ser una pintura deudora de la tendencia minimalista o un objeto-pintura. Con todo, la obra cataliza la búsqueda abstracta y señala un porvenir.

Por su lado, Puertas inútiles (1967) -50 bastidores entelados móviles de 3.00 x 0.50 organizados en módulos- ponía en escena y madrugaba los primeros rudimentos de la instalación, tendencia que se desarrollaría con plenitud en los años '90.

Muy próximo a la definición del expresionismo abstracto primero, la obra de MICHAEL BURT (1931) buscó, después, en los modos constructivos y la síntesis abstracta, la imagen con la que se sumaría a la experiencia pictórica nacional. La serie Pequeña arquitectura (1966) inicia toda una exploración del color y la forma: el primero abrevando en la abstracción y la síntesis cromática del Minimal Art y la segunda interesada en la representación de la arquitectura. De hecho, esta es la obra con la que instala su imaginario y marca un momento singular en la plástica, en el que con coloridas arquitecturas "( ...) Burt nos propone la lectura de una historia hecha en detalles, en cálidos interiores, en la intimidad del hábitat paraguayo" (Prieto, Catálogo Michael Burt, 2007, 12).

Una nueva pintura despuntaba en los fines de los años '70 y se definiría en los '80: CARLOS COLOMBINO plantea la investigación de una figuración renovada con Reflexiones sobre Durero; la forma de la xilopintura abandona el esquema primero de la denuncia incisiva y se vuelca hacia la estructura y lo constructivo.

MIGUEL HEYN (1950-1987) explora con el acrílico una figuración inquietante, ubicándose a caballo entre lo preciso y lo ambiguo, interpretación casi crítica de una de las estrategias del surrealismo, o tal vez signo puro de su potente pulsión creativa. Allí donde los seres representados -a veces el hombre, a veces frutas, a veces animales transfigurados, a veces vegetales- , siempre la densidad del color y el valor construyen escenas densas y cargadas de erotismo.

SUSANA ROMERO (1938) con trazo firme y gestual imprime sobre la tela el ritmo constructivo de espacios; visiones enmarcadas en ámbitos que encierran tanto al hombre como a objetos en cautiverios o prisioneros del ritmo que marcan la sucesión de trazos y vacíos: escritura en clave cromática.

La tensión de la tela sobre bastidores abrió un camino a la pintura (1978) de OSVALDO SALERNO (1952). Luego, a fines de los años'80, plantea una pintura que se nutre de los signos espontáneos de los graffittis y funciona en el marco de la estética político-contestataria.

Por su lado, en los años '80, la obra de FÉLIX TORANZOS (1962) iría decantando procesos, y en su pintura se unen el uso del espacio investigado en clave de arquitectura, nunca literal pero sugerida en un punto o en un trazo inconcluso de línea, y la vibración del color. Una investigación de iconografías arquitectónicas y páginas de la escultura clásica desatarán un momento vigoroso de la imagen expresiva, anunciando su andar pictórico objetual -montaje e instalación- en los años '90 y los albores del siglo XXI.

Desprendida de su primera pintura de tinte académico,

MARGARITA MORSELLI (1952) encuentra a mediados de los años '80 un itinerario formal: del color aplicado con disciplina casi ornamental pasa, a inicios de los años '90, a investigarlo como materia y soporte de una figuración densa y ambigua que remite a ensoñaciones más que a lo real.

BERNARDO KRASNIANSKY (1951) integra el dibujo, la fotografía (1972), la fotocopia (1974) y el color en una imagen compleja, próxima a los preceptos analítico-conceptuales. En Asunción asistió al taller de Cira Moscarda y actualmente reside en Sao Paulo.

Otros pintores se inician en talleres, como los de OLGA BLINDER en el IDAP, La Escuela de Bellas Artes -que funciona desde su apertura en el año 1957 hasta la actualidad-, el Centro de Estudios Brasileños, Centros Culturales y otros provenientes del campo autodidacta. Promediando la segunda mitad de los años '80 el Centro de Artes Visuales del Museo del Barro reúne a jóvenes, en su mayoría, que experimentarán modos contemporáneos de la pintura. De ahí provienen KARINA YALUK (1958), OFELIA OLMEDO (1955), VICENTE DURÉ (1957), GILDA MARTÍNEZ YARYES (1957) y Claudia Boettner después de explorar distintas posibilidades de la pintura, pudiendo arraigar en tendencias que mejor concilien los intereses expresivos y los lenguajes históricos de la pintura. Pedro Agüero, procedente del mismo lugar, dejó una potente figuración pictórica inicial.

A medida que la pintura -y en su conjunto el sistema visual-evoluciona en el período de plena solidez fue adecuándose a las tendencias predominantes en la región, para abrirse paulatinamente hacia los comportamientos universales; cuestión que fue posible por la comunicación, en sus diversas formas, la orientación de una crítica madura -TICIO ESCOBAR, JESÚS RUIZ NESTOSA, OSVALDO GONZÁLEZ REAL, JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ, ADRIANA ALMADA, entre otros- y la conformación de un inicial mercado de arte en la segunda mitad de los años'70, instalada con la economía del emprendimiento Binacional Itaipú.

EL GRABADO

Cuando se abre el Taller de Grabado "Julián de la Herrería", orientado por LIVIO ABRAMO, el xilograbado - más tarde se explorarían el litograbado y el grabado en metal- entra en un período de experimentación sistemática. Es oportuno recordar que el grabado tuvo sus inicios en el Paraguay jesuítico, y, bajo otras condiciones y función, hubo prácticas en el período de los López: uno integrado a los periódicos en Asunción, otro durante la Guerra Grande (1865-1870): "El Centinela", "Cabichuí" -avispa- y, después, "Cacique Lambaré" y "La Estrella". Desde los inicios, el taller reunió a la gran mayoría de los artistas que emprendieron con anterioridad la renovación de la plástica paraguaya. Y una vez aprendidos los rudimentos básicos de la disciplina, muchos de ellos lo tomaron como lenguaje alternativo a lo pictórico.

Una vez superados los desajustes de iniciación, la imagen de EDITH JIMÉNEZ evoluciona técnica y temáticamente hacia dimensiones gráficas que exploraban diversos grados de representación y abstracción, tanto en blanco y negro como en color. Ambas modalidades serían afectadas por el derrotero moderno del lenguaje universal del arte, adquiriendo la peculiaridad de su imaginario e interpretación. A su retorno de San Pablo -estuvo becada por el gobierno brasileño entre los años 1958/1960-, la imagen proviene de los desafíos que supone experimentar estrategias alternativas a la ortodoxia disciplinaria: las formas abstractas y la serie de los "troncos", en blanco y negro, desde los inicios de los años'60 hasta los albores de los años '70.

El color, a partir de impresiones múltiples, aparece en el año 1970, y fue evolucionando en series, por ejemplo, "Viento", "Puzzle", "Botella Mágica" y "Alquimistas" (Rodríguez, 2001). Esta última le significó el Premio Internacional de la Bienal de San Pablo (1975). El color y diversos grados de la síntesis formal fueron búsquedas constantes en toda su producción y deslindan uno de los momentos de notable calidad estética, moderna y contemporánea, de la gráfica nacional.

Además, desde su magisterio en el Centro Cultural Brasileño orientó a varias generaciones de grabadores, actividad que ejerció hasta sus últimos días.

En el año 1963, en circunstancias especiales, aparecen los Torturados, xilografía que definía el contenido humano-dramático y el rigor formal propio de OLGA BLINDER. En esta época la gráfica gira en torno a problemas socio-políticos: Lavandera, Marchante y otras situaciones de la mujer son representadas en estructuras de contenido constructivo ganadas a la resistencia de la matriz, y la relación figura-fondo permite ubicar el tema en un ámbito que remite a la realidad rural y urbana críticas.

En los años '70 se consolida una imagen que surge del juego ambiguo entre la gubia y la estructura natural de la matriz; en ese ámbito la figura se sobrepone al fondo y el cuerpo representado, que domina la imagen, surge de lo que sugiere la veta y de las alteraciones matéricas de la madera.

Un momento diferente constituye la serie de papeles: Homenaje a Artaud, Las puertas de JOSEFINA PLÁ, que exploran las posibilidades de la zincografía y la xilozincografía.

Sin continuidad trabajó la litografía, algo más el linograbado. La xilografía se extendió hasta fines de los años '80 y se hizo al mismo tiempo que la pintura, disciplinas en constante interacción conceptual.

Su obra buscó salidas personales y se mantuvo a prudencial raya del devenir de los ismos, al tiempo que marca un rumbo definido en la gráfica moderna.

LEONOR CECOTTO, fiel a su particular figuración naif y de algún arraigue kitsch, encuentra en la serie de xilografías Los novios (1971) un momento significativo de captación de acontecimientos cotidianos; temática que se alimentó de su particular manera de ver el mundo que la rodeaba. Cecotto, como casi todos los artistas, pasó por momentos próximos a la abstracción pero permaneció decididamente adscripta a la síntesis expresionista.

En esta línea se ubica, en su momento, la obra de JACINTO RIVERO. Sin embargo, su obra abreva más en su particular manera y sin subterfugios de ver la vida. Quizá con el contraste rotundo de blanco y negro señale los contrastes dramáticos, si no desgraciados, de los sectores desfavorecidos de nuestra sociedad campesina y urbana popular. Su obra forma parte de la evolución xilográfica moderna.

Muy próxima a esta situación, MIGUELA VERA busca en el orden formal expresar contenidos sociales y estampa imágenes con fuerte carga costumbrista.

Incursionando en la xilografía, en los años '60, CARLOS COLOMBINO explora el valor plástico-expresivo de las formas vegetales, en el año 1972 produce grabados superpuestos, al tiempo crea la Colección Circulante, con OLGA BLINDER. En España (1995), en el Taller de Manesi trabaja el grabado en metal.

LOTTE SCHULZ expone desde fines de los años '50, y luego de una figuración inicial su obra deriva hacia la síntesis abstracta. Con la serie Avestruces, Peces, Acuático, en los años '60, logra una especial gradación de transparencia y luces. El manejo técnico le permite trabajar la ilustración gráfica.

El dominio y la rigurosidad técnicos del xilograbado fue el sostén de la gráfica de FABIOLA ADAM (1946). Tanto en blanco y negro como con el color la imagen tradujo, en clave autobiográfica, su experiencia de la realidad natural y cultural de las que tiene una visión personal. Iniciada en esta disciplina estética en el año 1965, e integrando el Taller de Grabado del Centro de Estudios Brasileños, entre los años 1982-1992 junto con LIVIO ABRAMO y EDITH JIMÉNEZ, trabaja en arte hasta nuestros días.

Reticente con la ortodoxia gráfica, OSVALDO SALERNO comienza, a fines de los años '60, imprimiendo tuercas y fragmentos de madera, estrategia que funciona como alternativa a la estampación tradicional; de ahí en más

"(...) Toda la obra posterior de Salerno, aunque se proyecte tridimensional y espacialmente a menudo, incluye el pleito entre el signo y la cosa a partir de los artificios de la impresión que enfatizan siempre una distancia" (Escobar, 1999, 19-20). La impresión de objetos y su propio cuerpo, entre los años 1969-1983 define un largo periodo de investigación del sentido de la imagen sobre papel, para buscar, luego, en la pintura -1983- otra vía de expresión. A mediados de los años '90 la impresión se practica sobre tela de algodón. En la segunda mitad de esta década, y extendida hasta el fin de siglo su obra prueba el mundo de las citas, la de su propia obra y la de otros.

La propuesta de Salerno marca una época y una salida a los requerimientos de la complejidad estética contemporánea. Residiendo en el Brasil, NELSON MARTINESSI (1962) pasó por el magisterio inicial de LIVIO ABRAMO. En este país retoma el xilograbado y el aguafuerte, e imprime (2006) sobre papeles estampados comerciales. La impresión múltiple -casi siempre manual- fue denominada por el mismo artista Poligrafías.

EL DIBUJO

Si bien el dibujo estuvo siempre incorporado a la imagen pictórica en el proceso del arte paraguayo en la primera mitad del siglo XX, y aún subordinada al color en la imagen de los años '50 y "60, es en la década del '70 cuando conquista su autonomía plena; acontecimiento que certifica la exposición de JENARO PINDÚ en el año 1970, en la Galería Miró.

El advenimiento de la línea como alternativa al experimentalismo pictórico, objetual y de las primeras acciones -happenigs, performances...- que habían ocupado a la década anterior, planteaba un esquema representativo, casi común a cada uno de sus cultores, designada como figuración fantástica. A esta orientación gráfica se vincularía una que desarrolla esquemas geométricos y otra cercana a los principios del Op-Art, que ponían en otra circunstancia la tradicional dialéctica figuración-no figuración.

El dibujo potente y dinámico de Jenaro Pindú erige formas que aluden a construcciones y maquinarias, en un primer momento. Después la línea evolucionó hacia el mundo de la arquitectura y otras formas de la línea en sus grabados.

La línea se transfiguró en monstruosas figuras en la obra de RICARDO YUSTMAN (1942), de breve pasar por el dibujo. Por su lado, LUIS ALBERTO BOH (1952) plantea una reflexión compleja de la imagen representativa en el que la historia, la memoria y el sentido crítico de la realidad se superponen en la misma forma, y la entidad gráfica -la línea- entra en un régimen de relaciones e intercambio con otros medios: collage de medios que se superponen y tornan ambiguo al signo. Una búsqueda destacada correspondió a SELMO MARTÍNEZ (1949) cuyas figuras fantásticas constituyeron un capitulo significativo de la tendencia.

SUSANA ROMERO y JOEL FILÁRTIGA (1932) contribuyeron con la evolución del medio desde su propuesta personal.

MABEL VALDOVINOS (1945) investiga los efectos ópticos de la imagen dibujada con línea firme, fluida y precisa.

Se ubica muy cerca de los principios del Op Art. BERNARDO KRASNIANSKY, en la línea de la re figuración, propone un dibujo integrado al color y otros medios.

En tanto MIGUEL HEYN explota la economía ordenada y expresiva de la línea.

Aunque RICARDO MIGLIORISI en la segunda mitad de la década anterior haya trabajado la línea autónoma, ahora la integra con la materia y el color y la remarca más allá de su función gráfica.

Posterior a este momento, LUCIO AQUINO, JULIO GONZÁLEZ (1958), NELSON MARTINESSI, CARLOS ALMEIDA (1955), NICODEMUS ESPINOSA (1954), PEDRO FLORENTÍN DEMESTRI (1958), GABRIEL BRIZUELA (1957), entre otros, desarrollan su propio lenguaje.

LA ESCULTURA, LA FOTOGRAFÍA Y LOS MEDIOS AUDIOVISUALES

HERMANN GUGGIARI desarrolla gran parte de su obra en este período, confirmándose como la figura descollante y expectable en la creación escultórica. En el año 1969, la escultura en acero inoxidable PARTO mereció la atención de los sectores especializados en la Bienal Kaiser de Córdoba en el año 1965; con TRASCENDENCIA obtiene Medalla de Oro en la Bienal de San Pablo en el año 1971 y con la obra CRISTO, en la Iglesia María Auxiliadora en 1989, cierra el largo período de la dictadura. Su obra sigue desarrollándose hasta nuestros días.

HUGO PISTILLI también constituyó una propuesta en el marco de la escultura moderna en el país.

Desde la segunda mitad de los años '80, GUSTAVO BECKELMANN (1963) se posiciona con esculturas en bronce a la cera perdida, medio con el que la forma exacerba la expresividad de masa, luz y textura en el espacio. Investigando otros materiales -madera, vidrio, piedra-, su obra se extiende hasta nuestros días.

La fotografía, por su lado, que se desarrolló más en el ámbito del diseño gráfico, el periodismo y como medio de registro de la vida cotidiana social, con la exposición de JESÚS RUIZ NESTOSA (1941) en el año 1968, comienza su sistemático desarrollo y posicionamiento en el ámbito del arte. Pero es a fines de los años '80 cuando ésta integra el arte contemporáneo en el Paraguay y al filo del siglo XXI formaría fila entre las tendencias dominantes de la estética digital.

FERNANDO ALLEN (1959) expone desde 1985 y pronto su obra se integra a la producción fotográfica artística con trabajos documentales, entre otros.

En otro extremo, MARIO FRANCO (1954) atiende diversos aspectos de la realidad natural y social, en tanto desarrolla la enseñanza fotográfica en el Instituto de la Imagen desde el año 2006.

Mediando los años '80, JUAN CARLOS MANEGLIA (1966) presenta sus primeros cortometrajes: Presos, Espejos, Bocetos, son producciones que se originaban en una especial concepción de lo audiovisual. En la década de los años'90, asociado con TANA SCHEMBORI (1970), el audiovisual se consolida.

Fuente:

HISTORIA DE LA CULTURA PARAGUAYA – 2ª PARTE

FRANCISCO PÉREZ-MARICEVICH , IGNACIO ROLDÁN MARTÍNEZ ,

RODRIGO COLMÁN LLANO , CARLOS SOSA RABITO y AMALIA RUIZ DIAZ

COLECCIÓN : LA GRAN HISTORIA DEL PARAGUAY, 17

Director Editorial: Pablo León Burián

Coordinador Editorial: Bernardo Neri Farina

Director de la Colección: Herib Caballero Campos

Diseño de portada: Celeste Prieto

Diseño Gráfico: César Peralta G.

Corrección: Nidia Campos

Portada: Gabinete de Pintura de Héctor Daponte.