JULIÁN DE LA HERRERIA - ANDRÉS CAMPOS CERVERA : VIDA, Y OBRAS / Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS por JOSEFINA PLÁ

OBRAS DEL ARTISTA
JULIÁN DE LA HERRERIA
(ANDRÉS CAMPOS CERVERA)
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del
www.portalguarani.com )

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DE LA HERRERIA, JULIÁN (ANDRÉS CAMPOS CERVERA) (1888-1937) : Nació en Asunción: murió en Valencia (España). Fue alumno en forma precaria de DA PONTE: marchó a Europa un tiempo más tarde que ALBORNO, SAMUDIO y COLOMBO; pero no becado, sino por sus propios medios; ya que, según declaración de un diario de la época "el gobierno no pensaba ocuparse por el momento de becas". Estudió por un tiempo, en la Academia de San Fernando de Madrid, la pintura, con NUÑOZ DEGRAIN, SOROLLA y MORENO CARBONERO; y el grabado con el afamado maestro CARLOS VERGER. En 1910 ganó un concurso de becas; cedió su premio en favor de un compañero. En 1912 y 1913 viajó por Italia donde realiza algunas de sus mejores aguafuertes y aguatintas. Pasó luego a París, en donde permaneció seis años. En París frecuentó las academias libres y los museos, y siguió cultivando el grabado. En 1919 regresó a su país y realizó en el Salón del Belvedere la primera exposición individual de nuestro tiempo en la cual figuraron óleos, acuarelas, grabados y algunos yesos. En 1912 parte de nuevo para Europa con la intención de radicarse en Francia; pero la circunstancia lo lleva a España; allí establece contacto con la cerámica y en adelante se dedica solamente a ella, con la excepción de breves períodos en los cuales, más bien como descanso que para otra cosa, pinta al óleo o a la acuarela y realiza algunos grabados.
En 1924 presenta su primera exposición de cerámica en Madrid con rotundo triunfo de crítica; regresa al Paraguay donde permanece dos años y vuelve a España donde realiza en 1931 una exposición en el Ateneo de Madrid conjuntamente con su esposa y alumna JOSEFINA PLÁ. Nuevamente le acompaña el éxito. De vuelta a su país en 1932, permanece hasta 1934. Durante estos dos años organiza: junto con PABLO ALBORNO, SAMUDIO, DELGADO RODAS y HOLDENJARA, la primera exposición colectiva de pintores paraguayos en Buenos Aires y junto con JAIME BESTARD, el Salón de Primavera del Ateneo Paraguayo, que con algunos interregnos continuó hasta hace pocos años; lleva también junto con Bestard una exposición a Buenos Aires. Este año vuelve a España con una beca del Instituto Hispánico y reanuda sus trabajos de cerámica en el que fue centro de sus primeras actividades, Manises. Estando allí y ya en vísperas del retorno al país le sorprende la guerra civil española (1936) que hace imposible el regreso; enferma y fallece en Manises el 11 de Tulio de 1937.

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PIEZAS DEL MUSEO JULIÁN DE LA HERRERÍA

EN EL CENTRO CULTURAL JUAN DE SALAZAR

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EXPOSICIONES:
INDIVIDUALES: Madrid 1924 / Alicante 1924 / Asunción 1919 / Asunción 1925
COLECTIVAS: París, Los Independientes, 1913-1917 / Barcelona (Internacional del Grabado) 1912 / Valencia (1923) Feria Muestrario Internacional / Valencia (1923) Salón de Humoristas / Asunción 1928 (conjunta con Josefina Plá) / Asunción 1929 (conjunta con Josefina Plá) / Madrid 1931 (conjunta con Josefina Plá) / Asunción 1933 (Salón de Primavera) / Buenos Aires 1933 (Muestra conjunta de arte paraguayo) / Buenos Aires 1934 (conjunta con Jaime Bestard)
PÓSTUMAS: INDIVIDUALES: Asunción 1939 / Asunción 1943 / Asunción 1957 (retrospectiva)
PÓSTUMAS: COLECTIVAS: San Pablo 1953 / Río de Janeiro 1953 / Buenos Aires 1954 / Asunción 1949 (Centro Cultural Paraguayo Americano) / Asunción 1964 (retrospectiva de arte moderno paraguayo)
OBRAS EN MUSEOS:
MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES DE ASUNCIÓN:
-. N° 1. CABEZA DE INDIO, plato bajo cubierta reflejo metálico
-. N° 2. CABEZA DE INDIO, plato bajo cubierta reflejo metálico
-. N° 11. LA COSTERETA, grabado sobre metal, 0.46 x 0.57
-. N° 12. EL PORTALET, grabado sobre metal, 0.46 x 0.57
-. N° 65. CAACUPE, paisaje, óleo sobre tabla
MUSEO NACIONAL DE CERÁMICA (ESPAÑA):
-. Vitrina especial con 11 piezas en la sala destinada a los grandes ceramistas contemporáneos.
MUSEO DE CERÁMICA Y BELLAS ARTES JULIAN DE LA HERRERIA (CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA JUAN DE SALAZAR):
-. Cien piezas de cerámica distinta épocas
-. Tres acuarelas
-. Diez óleos
-. Diez grabados
-. Seis diseños
-. Recuerdos personales - Iconografía
MUSEO DE LA I. B. M. C. (NEW YORK):
-. 1 plato reflejo metálico
-. 1 estatuilla
-. 1 grabado en metal
Numerosas colecciones particulares (Argentina, Estados Unidos, España). Entre ellas, un tintero motivo guaraní, reflejo metálico, en la colección del entonces Rey, Alfonso XIII. RECOMPENSAS:
Exposición Internacional del Grabado, Barcelona 1912, Medalla de Plata Premio del Ministerio de Educación de España 1936 (grabado).
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UBICACION:
ANDRÉS CAMPOS CERVERA cultivó la cerámica bajo el seudónimo de JULIÁN DE LA HERRERÍA. Fue un pintor que osciló entre el impresionismo y posimpresionismo, con una fresca impronta personal. Su pincelada amplia, su empaste grueso, jugoso, revela una inicial admiración por MORTICELLI. De una rica sensibilidad, se le deben los más finos paisajes de la tierra, y acuarelas llenas de delicadeza: aunque entre éstas son rarísimas las de motivos terrígenas. En pintura experimentó inicialmente el impacto posimpresionista; pero luego, llevado por su temperamento solar, retrocedió hacia los impresionistas; se volvió luego hacia CÉZANNE, en busca de la solidez de la forma: más tarde, su pintura se aproximará levemente a la de ciertos "fauves". Hay en su pintura atmósfera, luz, riqueza y armonía cromáticas.
Fue el primer grabador paraguayo en madera aparecido después de 50 años y el primer grabador en metal después del siglo y medio.
En sus primeros grabados se refleja su admiración por REMBRANDT y GOYA, sus maestros iniciales. Después de la Exposición Internacional del Grabado en Barcelona (1912) su buril adquiere mayor soltura, y su diseño carácter de esquicio, siguiendo a maestros como ANDREAS ZORN. Su vida fue un ejemplo de dedicación seria y honrada al arte. En su labor cerámica ininterrumpida durante quince años, se distinguen varias etapas, señaladas cada una de ellas por la búsqueda intensa de la expresión terrígena; en los últimos meses de su vida había llegado por fin a lograr un repertorio de formas altamente expresivas del genio local, en diseños llenos de gracia y color (ingenuísmo costumbrista). Sin embargo no poseía la vocación o el temperamento docente, y no dejó alumnos, exceptuando su esposa, mencionada.
Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS por JOSEFINA PLÁ. Editorial Cultura, Asunción-Paraguay 1973 (59 páginas).
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Amplio resumen de autores y obras

de las Artes Visuales en Paraguay.
Óleos, Acrílico, Técnica Mixta, Collage, Grabados
Xilopinturas, Instalaciones, Escultura, Audiovisuales,
Cerámica, Artesanías, Exposiciones
Libros y Artículos sobre la historia del Arte.

Harán recordatorio a doña JOSEFINA PLÁ en la Manzana de la Rivera / Auditorio Ruy Díaz de Guzmán de la Manzana de la Rivera (11 de enero 2010)

Detalle de uno de los platos donados en vida por

JOSEFINA PLÁ

(Enlace a datos biográficos)

al Gobierno español

y que se expone en el Juan de Salazar.

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CON MOTIVO DEL UNDECIMO ANIVERSARIO DE SU MUERTE
Harán recordatorio a doña Josefina Plá en la Manzana de la Rivera

Fuente: Sección ARTE Y ESPECTÁCULOS

del diaro ABC Color, edición impresa Lunes, 11 de enero 2010.

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** En la fecha se llevará a cabo un recordatorio con motivo del undécimo aniversario de la muerte de Josefina Plá que tendrá lugar a las 19:00 en el auditorio Ruy Díaz de Guzmán de la Manzana de la Rivera (Ayolas 129), con acceso libre y gratuito.

** En la ocasión, las poetisas Heddy Benítez, Dirma Pardo, Gladys Carmagnola, María Graciela Mendoza y Víctor Bogado leerán poemas de la citada escritora y ceramista; además, en el hall del mencionado espacio serán exhibidas las cerámicas creadas por la artista.

** Josefina Plá nació en la Isla de Lobos, Canarias, España, en 1903, y murió en Asunción, Paraguay, en 1999. Poetisa, dramaturga, narradora, ensayista, ceramista, crítica de arte, pintora y periodista.

** Tuvo una gran influencia sobre futuras generaciones de intelectuales de Paraguay. A lo largo de su vida recibió numerosos premios y distinciones por su labor literaria y en defensa de los derechos humanos y la igualdad entre hombre y mujeres.

** Pasó su infancia y juventud en diversas ciudades de España acompañando a su padre, funcionario en provincias.

** En 1924 conoció en Villajoyosa, Alicante, España, al artista paraguayo Andrés Campos Cervera, cuyo seudónimo artístico de Julián de la Herrería ha forjado su inmortalidad, con quien se casó dos años después. El Gobierno español le otorga la distinción “Dama de la Orden de Isabel la Católica”, el mismo año en que Paraguay recibe el premio la “Mujer del año”.

** En 1926 llegó al Paraguay y se estableció en el barrio Villa Aurelia y luego en el centro de Asunción. De ese mismo año datan sus primeras incursiones en el ambiente artístico de la que sería su patria de adopción, teniendo en cuenta que presentó sus escritos en la revista “Juventud”, vocero de la generación de escritores del postmodernismo paraguayo.

** Desde ese tiempo y hasta 1938 viajó dos veces más a España junto a su esposo y, entretanto, colaboró en diversos periódicos y revistas del Paraguay con poemas, artículos y otros textos literarios.

** Su marido falleció en 1937. A su regreso al Paraguay, un año después, se convirtió en una gran promotora cultural.
10 de Enero de 2010.

Pintura de Wolf Bandurek que retrata a una

Josefina Plá joven durante su mejor

producción artística y creativa.

Ilustración de nuestro compañero Carlos Sosa,

Caló, en diciembre de 1992 para acompañar

a un artículo escrito para ABC Color por Plá.

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PARAGUAY: ARTESANIA Y ARTE POPULAR. Autor: OSVALDO SALERNO / CENTRO DE DOCUMENTACIONES E INVESTIGACIONES DE ARTE INDÍGENA Y POPULAR.

PARAGUAY: ARTESANIA Y ARTE POPULAR
Autor: OSVALDO SALERNO
CENTRO DE DOCUMENTACIONES E
INVESTIGACIONES

DE ARTE INDÍGENA Y POPULAR.
CENTRO DE ARTES VISUALES

/ MUSEO DEL BARRO.
Fotografías:

Francisco Corral, José Luis De Tone

y Juan Carlos Meza
Asunción-Paraguay,
(1ª edición: 1983 / 2ª: 1986 / 3ª: 1996). 61 pp.
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Edición realizada por el CENTRO DE DOCUMENTACIÓN E INVESTIGACIONES (C.D.I.). Esta institución, conformada por una base de datos, un archivo de imágenes y un centro de estudios acerca del arte campesino e indígena del Paraguay, depende del Centro de Artes Visuales / Museo del Barro de Asunción. La financiación de esta publicación fue hecha por ACCIÓN ECUMÉNICA SUECA (DIAKONIA).
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"Este trabajo de Osvaldo Salerno está orientado a facilitar una información clara y sintética acerca del Arte Popular del Paraguay. Desde sus orígenes y desarrollo en las diferentes épocas, hasta la actualidad, enfoca su problemática en una forma accesible y didáctica. Incluye, además, una clasificación de las artesanías según los materiales y las técnicas utilizadas"

PRESENTACION
** Este trabajo está orientado a facilitar una información básica y resumida acerca de las artesanías populares en el Paraguay basándose en sus características, su proceso de factura y sus áreas geográficas de producción. El enfoque hace hincapié en las artesanías actuales pero se refiere brevemente a sus origines, a su evolución histórica y a su conexión con las tradiciones que, en general, tienen un peso considerable aún en sus actuales realizaciones.
** Admitir el peso de lo tradicional no implica negar la validez de los procesos de cambio que afectan hoy a las producciones artesanales. Estas producciones expresan la dinámica compleja de sociedades rurales cruzadas por modelos de desarrollo económico y por nuevas pautas de conducta socio cultural. Muchos productos artesanales, en efecto, no pueden sustraerse a la influencia de nuevas imágenes, funciones y materiales que la cultura moderna acerca a los lugares más alejados.
** En este texto se trabajan exclusivamente las artesanías producidas por sectores campesinos y suburbanos de la Región Oriental del Paraguay. Obviamente este recorte no significa desconocer el potencial creativo de las etnias indígenas así como el de las varias comunidades de orígen extranjero instaladas en diferentes zonas del país (japoneses, menonitas, alemanes, brasileros, etc.) Sin descalificar, pues, el valor de esas expresiones, este estudio circunscribe su objeto de análisis a la producción específicamente derivada de los procesos de colonización hispánica que, entre el S. XVI y comienzos del XIX, afectaron básicamente el área de influencia de Asunción y las Misiones jesuíticas.
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ARTESANIA Y ARTE POPULAR
** A los efectos de este trabajo, y en sentido amplio, el término "artesanía popular" se refiere al conjunto de manifestaciones producidas como exponentes de su cultura por diferentes pueblos (comunidades, sectores sociales, minorías, etc.). Esto significa que la artesanía popular mantiene lazos profundos con la tradición e implica siempre un cierto elemento de identificación comunitaria (en principio, la comunidad se reconoce a través de su práctica artesanal).
** Ahora bien, no todas las manifestaciones artesanales alcanzan a ser artísticas. Según este criterio, estamos manejando una distinción entre el concepto global de "artesanía popular "y el más restringido de "arte popular". El primero se refiere genéricamente a productos tradicionales realizados manualmente y a partir de un determinado nivel de destreza, ingenio y habilidad. Mientras que el término "arte popular" se aplica sólo a las artesanías que alcanzan determinados niveles de expresividad estética. Definimos acá a la expresividad estética como determinada por la calidad de las formas, el ajuste de las técnicas y materiales y la densidad de los contenidos.
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ORIGENES Y DESARROLLO
** Hasta aproximadamente la década de los años cuarentas, la producción artesanal no despertó en el Paraguay el interés de los estudiosos, los cronistas y las instituciones públicas. La poca importancia concedida a este rubro determinó una carencia a nivel de registros y documentos referidos a los objetos artesanales.
** Esta situación, unida al hecho de que la mayor parte de tales objetos corresponda a productos de uso cotidiano realizados con materiales perecibles, promovió la escasez de piezas suficientes y de documentos que puedan constituírse en bases de un estudio cronológicamente ordenado.
** No obstante, la fuerte continuidad de las formas de la artesanía popular permite un acercamiento a su desarrollo. Es clara la relación formal que existe entre muchas expresiones de la cultura popular actual y las que corresponden a la época colonial y al siglo XIX. Esa relación permite suponer la existencia de líneas comunes de crecimiento.
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A. EPOCA COLONIAL
** A pesar de la confluencia de varias etnias en el territorio paraguayo en el momento de la llegada de los españoles, la colonización recayó en forma sistemática sobre los guaraníes.
** Originalmente los guaraníes practicaban artesanías vinculadas a funciones rituales y utilitarias. Las primeras (las pinturas corporales, el arte plumario y las ligadas a significados mágico-religiosos) fueron erradicadas por el proyecto colonizador por ser consideradas como incompatibles con el mismo, mientras que las segundas, (la cerámica y los tejidos), reformuladas, fueron aprovechadas para las nuevas funciones coloniales. Estas funciones plantearon, a su vez, la incorporación de nuevas técnicas y materiales y el surgimiento de artesanías hasta entonces no existentes, la catequesis evangelizadora promovió el desarrollo de toda una artesanía utilizada para el culto (talla en madera, platería, tejidos y encajes, cueros etc.)
** La mano de obra artesanal del indígena se organizó fundamentalmente de dos formas: la organización civil con ayuda de algunas órdenes religiosas (esencialmente franciscanas) y las específicamente misioneras manejadas por la Compañía de Jesús. La primera, menos rigurosa que la jesuítica, se estableció a través de los talleres de oficio de los pueblos indios (táva). Allí se enseñaba al neófito los oficios orientados a satisfacer las necesidades elementales de la Provincia.
** Ticio Escobar sostiene que como los talleres jesuíticos eran más organizados y sistemáticos en la aplicación del proyecto colonizador, el control era más estricto y, por lo tanto, el margen de creatividad más limitado. En este sentido el autor apunta que es a partir de los talleres de los táva -debido a la flexibidad de un sistema menos estricto en su control y al rápido proceso de mestizamiento que permitía su mayor integración a la población provincial- que se crearon las bases para una expresión propiamente mestiza, surgida fundamentalmente al margen de los programas oficiales tanto civiles como religiosos. Esta marginalidad de la artesanía popular se volvió un rasgo propio de la misma que pasó a caracterizarla desde entonces (1).
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B. EPOCA INDEPENDIENTE (SS. XIX)
** Es probable que el enclaustramiento del país decretado por el Dr. Francia pudo haber provocado el impulso de ciertas manifestaciones artesanales con raíces coloniales a fin de abastecer la demanda local (2). Pero durante su gobierno no se contó tampoco con una política cultural que promoviese expresiones creativas; es más, hay indicios de que ciertas manifestaciones populares habrían sido prohibidos (máscaras usadas en determinadas festividades) y es lógico suponer que la artesanía usada durante la colonia para la suntuaria religiosa haya sido limitada.
** Durante el gobierno de los López, tanto la apertura comercial como la gradual consolidación de un gusto más refinado, aunque promovieran la introducción de elementos importados de Europa y del Río de la Plata (porcelana, loza, tejidos, joyas, muebles) y la difusión de modelos de dichas metrópolis, de hecho no llegaron a desplazar a las artesanías profundamente arraigadas en la cultura local. Es probable, incluso, que el espíritu de lujo y boato -antes sólo ligado al culto religioso- se desplazara también hasta los usos cotidianos de la clase pudiente criolla. Por ejemplo, la utilización del ñandutí y otros encajes, anteriormente usados específicamente como parte del ritual religioso, se habría extendido hasta formar parte del ajuar familiar del criollo. Por otra parte estas condiciones afectarían específicamente a Asunción y sus alrededores y muy difícilmente habrían incidido sobre las artesanías de áreas rurales que siguieron desarrollándose en forma marginal.
** La Guerra de la Triple Alianza (1865-70) significó una conmoción profunda para la cultura paraguaya. Ciertas artesanías sobrevivieron a la destrucción fundamentalmente porque estaban ligadas a funciones utilitarias elementales y, como señala Josefina Plá (3), referidas a la práctica femenina (ya que casi toda la población masculina adulta fue exterminada por la guerra). Así, la cerámica y los tejidos, tradicionalmente a cargo de mujeres, se reponen más rápidamente y crecen con más fuerza que otras artesanías, como la talla y el forjado de metales, practicadas por varones.
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C. EPOCA ACTUAL (S. XX)
** Es probable que desde comienzos y hasta mediados de este siglo la recuperación del progreso productivo (en el que en parte incidieron ciertos movimientos inmigratorios de posguerra) hayan promovido el incremento de aquellas artesanías vinculadas a fines utilitarios. Especialmente la cerámica y los tejidos, de uso personal y doméstico, debieron haber recibido un nuevo impulso no sólo en cantidad sino también en variedad (nuevos motivos y nuevas técnicas, por ejemplo, crochet) a partir del desarrollo de las necesidades dentro de patrones aún tradicionales de consumo.
** Aproximadamente desde mediados de siglo el avance de la utilización de objetos de consumo industrializados y una aceleración del ritmo de urbanización provocan el debilitamiento de pautas socio-culturales campesinas y un gradual y luego acelerado desarrollo de formas de artesanía híbrida que incorpora nuevos modelos, elementos y técnicas. Pero paralelamente se va produciendo un fenómeno de valorización y toma de conciencia de la cultura popular por parte de diferentes sectores de la sociedad y de la administración pública, anteriormente mantenidos al margen de cualquier preocupación por la misma. Esta actitud implica de alguna manera la apreciación de los valores estéticos de la artesanía independientemente de sus funciones utilitarias. Por otra parte, esta situación provoca una nueva demanda y facilita la emergencia de un nuevo mercado. A partir de estos hechos no se buscan tanto los objetos artesanales para ser usados sino en cuanto se los consideran como piezas de colección o elementos decorativos. Este factor que incide en la producción de la artesanía popular presenta riesgos, abre posibilidades y plantea nuevos desafíos a resolver. Por un lado, puede conducir a la proliferación del souvenir turístico o a la producción meramente esteticista despegada de sus funciones originales. Por otro, abre la posibilidad de que se creen respuestas que enfrenten las nuevas situaciones al margen de las alternativas citadas.
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CARACTERES DE LAS ARTESANIAS
A. Según queda señalado las artesanías paraguayas surgen fundamentalmente de un proceso de popularización de los "oficios" aprendidos en los talleres coloniales (provinciales y religiosos). Esta artesanía desarrolla actualmente modelos ya utilizados por los indígenas o iniciados durante la colonia: se mantienen las formas y funciones esenciales con los cambios derivados del desarrollo socio-económico.
Prácticamente toda la artesanía actual deriva de la producida en la colonia.
B. Las artesanías populares son fundamentalmente rurales y se desarrollan dentro de las pautas socio-económicas de cierta población campesina del área oriental del Paraguay como una prolongación de sus zonas originarias: antiguos asentamientos coloniales (periferia asuncena y zonas aledañas a pueblos misioneros).
C. La materia prima utilizada no sufre demasiadas transformaciones; es muy poco elaborada y la tecnología es elemental prescindiendo de todo instrumental sofisticado. Por ejemplo, la característica cerámica popular se elabora sin torno utilizando el sistema del colombín y del modelado (las culturas americanas desconocían originariamente la rueda); al adoptarse la talla fue trabajada con cuchillos elementales, los objetos se realizan en telares sencillos (trama y urdimbre) con hilos hilados a mano y los trabajos en metal se realizan fundamentalmente laminándose por amasamiento de martillado (casi nunca por fundición).
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SITUACION ACTUAL DE LAS ARTESANIAS
** El desarrollo actual de los sistemas socio-económicos y los cambios culturales plantean el problema de la vigencia de las artesanías. Actualmente muchas manifestaciones de las mismas mantienen sus formas más allá de las funciones utilitarias de las que dependían originariamente y continúan con un sentido meramente decorativo o como expresión estética casi autónoma. Por otra parte, la calidad estética de las formas artesanales se ve disminuida en ciertos casos por un nuevo gusto suburbano que aún no ha consolidado elementos propios y, por lo tanto, carece de formas expresivas bien ajustadas (Este fenómeno se produce en parte por la reciente urbanización de zonas aledañas a la capital que conforman con la misma cierta característica continuidad cultural).
** En otros casos, sin embargo, cuando este fenómeno se ha afirmado en cierta tradición, es capaz de producir expresiones con un carácter decididamente propio.
** La situación recién comentada puede ejemplificarse claramente en el caso de la producción ceramística considerada en sus tres áreas de desarrollo actual:
Museo del Barro.
1. TOBATÍ. La práctica alfarera heredada de los pueblos precoloniales se desarrolla en compañías (pequeñas comunidades) alejadas del centro urbano donde conservan pautas socio económicas netamente rurales; acá podemos notar que la producción artesanal mantiene sus modelos tradicionales y sus aportes nuevos con un alto nivel de expresividad.
2. ITÁ es un centro ubicado a 30 Kms. de la capital que últimamente se encuentra sufriendo un acelerado y desparejo de urbanización. En Itá se advierten dos módulos productivos: el primero corresponde a las artesanías ubicadas en las compañías alejadas del centro de la ciudad y algunas, que aún instaladas en el radio pueblerino, conservan pautas tradicionales de producción y un buen nivel estético. El segundo corresponde a la manufactura de artesanas más integradas al proceso de crecimiento y que reciben mayor contacto urbano. En general estas manufacturas acusan una dualidad que se traduce en un deterioro de las artesanías sin lograr que las nuevas formas alcancen un nivel expresivo significativo.
3. AREGUA, ubicado en un radio muy cercano a la capital recibió el contacto de las pautas culturales urbanas en techa anterior y en forma sostenida. Este hecho permitió que dichas pautas fuesen mejor asumidas hasta el punto que haya desaparecido toda cerámica tradicional y se haya generado una nueva cerámica, incluso con una técnica diferente (torno, moldes y pintura sintética), que, aunque manifiesta valores de la cultura ciudadana, en algunos casos ha asimilando los mismos y cuajado en formas significativas y de amplio consumo popular.
(1) V. Escobar, Ticio. "Una interpretación de las artes visuales en el Paraguay". T.I. Colección de las Américas - Cap. IV. Asunción, 1982
(2) Rengger, cronista europeo del siglo XIX, sostiene que dicho enclaustramiento promovió el desarrollo de los tejidos de lana y significó un impulso para la utilización del teñido a base de productos vegetales del país.
(3) PLA, Josefina. Las artesanías en el Paraguay. Comuneros, Asunción, 1969. Véase además de la aut. cit. La cerámica popular paraguaya. Edición del Centro de Documentación e investigaciones del C.A.V. / Museo del Barro. Asunción, 1994.
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CLASIFICACIONES DE LAS ARTESANIAS
** Tomamos como base para esta clasificación el proceso y la materia de elaboración artesanal ya que uno de los principales elementos que definen el carácter de la artesanía es su calidad de objeto producido unitaria y manualmente.
A. TEJIDO: A.1. Lana: a. Ponchos / b. Chales / c. Fajas / d. Mantas / e. Jergas. - A.2. Fibras vegetales: a. Algodón: a.1. Hamaca; a.2. Encaje yu; a.3. Poyvi; a.4. Ñandutí; a.5. Ao poí / b. Tejidos en palma: b.1 Sombrero piri; b.2 Cestos; b.3 Abanicos; b.4 Palmas de Domingos de Ramos.
B. TALLADO: 1. Madera: a. Santería; b. Máscaras / 2. Guampa
C. FORJADO: 1. Oro y Plata / 2. lata
D. MODELADO
E. MOLDEADO
F. REPUJADO
G. TARACEADO
H. PIROGRABADO
I. ILUSTRACIONES: : 1. Curuzú yeguá / 2. Pesebres / 3. Arquitectura y objetos para el culto funerario
J. FESTIVIDADES PATRONALES.

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Y PUBLICACIONES DE
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CENTRO CULTURAL DEL LAGO (CCDL) - AREGUÁ / UNA INICIATIVA PRIVADA DE LA ARTISTA PLASTICA YSANNE GAYET

CENTRO CULTURAL DEL LAGO (CCDL) - AREGUÁ
UNA INICIATIVA PRIVADA DE LA

ARTISTA PLASTICA YSANNE GAYET

Ultiman detalles para habilitar en Areguá el Centro Cultural del Lago

** Para el próximo mes (enero 2010) está prevista la inauguración en la ciudad de Areguá del Centro Cultural del Lago (CCDL) con una exposición de las ceramistas aregüeñas Gladys y Teresa Vera.
** Por primera vez, se presentará al público una nueva línea de collares cuya denominación es “Yverá”.

** Los atractivos diseños fueron elaborados con la colaboración de la artista plástica y directora del CCDL, Ysanne Gayet, con quien, desde hace más de cinco años, las hermanas Vera han mantenido una excelente relación de trabajo además de un fluido intercambio de ideas creativas.
** El CCDL está situado sobre la calle Yegros c/Avenida Mariscal Francisco Solano López de Areguá y una vez abierto al público tendrá un horario de atención de viernes a domingo en horario continuado.** Las personas que deseen conocer más detalles sobre esta iniciativa privada pueden comunicarse a los teléfonos 0291-432293 y 0291-432633 o escribir al correo electrónico ysannegayet@hotmail.com

** “Han pasado más de diez años, desde que concebí la idea de formar un espacio cultural aquí en Areguá, y, finalmente –superando ciertos inconvenientes–, a principios del año, el 2010, el Centro Cultural del Lago abrirá sus puertas al público. La experiencia positiva que tuve, a raíz de trabajar con las maravillosas mujeres artesanas de Itá y Tobatí, en los años anteriores y posteriores a la creación del Museo del Barro –donde, en la ciudad de San Lorenzo fui cofundadora con Carlos Colombino y Osvaldo Salerno al final de la década de los ’70–, me llevó a querer repetir está experiencia; pero está vez, en mi pueblo adoptivo, Areguá, donde, estoy residiendo desde el año 1995”, dice Ysanne Gayet.

Fuente: Sección Arte y Espectáculos del diario ABC COLOR. Versión impresa del 8 de Diciembre de 2009 - Fotografías: Gentileza ABC COLOR

JUANA MARTA RODAS y JULIA ISÍDREZ - ESCULTURAS EN CERÁMICA / Premio Principal “Príncipe Claus” 1999

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ARTESANAS:

JUANA MARTA RODAS y JULIA ISÍDREZ

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Premio Principal “Príncipe Claus”
para la Cultura y el Desarrollo que otorga la
Fundación holandesa del mismo nombre,
patrocinada por el Príncipe Claus
del Reino de los Países Bajos, en 1999.

JUANA MARTA RODAS, ceramista de Itá, es una de las más importantes artistas populares del Paraguay actual.
** Juana Marta Rodas nació en Itá, en la compañía Caaguazú, el 8 de febrero de 1925. En ese sitio aprendió la técnica ceramista de su abuela, María Balbina Cuevas, y su madre, doña Juana de Jesús Oviedo, también ceramistas. Desde los nueve años trabaja en la cerámica popular.
** A los 40 años formó pareja con Juan Vidal Isídrez, agricultor iteño, fallecido en 1969. Con él, Juana Marta tuvo a su única hija, Julia Vidalina Isídrez, nacida en Itá el 16 de febrero de 1967.
** Juana Marta transmitió a su hija el conocimiento y las técnicas de la alfarería, y hoy día ella se dedica a la cerámica como su principal ocupación.
** Es reconocida por la crítica por mantener en sus piezas una fuerte tradición indígena y campesina, recreando formas contemporáneas y audaces, trabajando y conservando una herencia que se transmite de madre a hija, que proviene del mundo indígena prehispánico, participa del mestizaje en el periodo colonial y llega hasta la actualidad. Su trabajo está en colecciones privadas dentro del país y en el exterior, en centros culturales y en museos.
** En relación a su obra, la artista y escritora JOSEFINA PLÁ la llamó MICRO-ESCULTURAS. “Para corroborarlo ahí está Marta Rodas, de Itá, con sus figuras ambiguas en las cuales se manifiesta una peculiar inclinación a la fantasía interesante sobremanera por lo que en ellas late de subjetivo, con desdén de lo decorativo simétrico. IMAGINATIVAS se las ha subtitulado, aludiendo sin duda a su ausencia de modelo actual y nominable. Y son en efecto algo más que reproducciones de un modelo animado y comprobable. Estos modelos han brotado “porque sí”, en una erupción confesional, de lo más profundo de las íntimas napas psicológicas; quisiéramos decir, de la memoria subconsciente; esa memoria de donde brotan los símbolos” (PLÁ, JOSEFINA, LA CERÁMICA POPULAR PARAGUAYA, Universidad Católica “Nuestra Señora de la Asunción”, Asunción, 2006, p.82-83).
** El crítico de arte TICIO ESCOBAR, señala respecto de la obra de Juana Marta Rodas y su hija Julia Isídrez: “Gran parte del arte actual latinoamericano se desarrolla en torno al arte popular o se nutre de su tradición. El Paraguay, país mestizo por excelencia, se encuentra poblado de formas que derivan de la cultura indígena, crecen a lo largo de la Colonia y el periodo independiente y se enriquecen con los conflictos y los desafíos que acerca la modernidad.
La cerámica campesina es una de esas formas privilegiadas de expresión popular. Los originarios indígenas guaraníes ya practicaban la alfarería para usos rituales y domésticos. Durante la Colonia, las misiones jesuíticas y los pueblos provinciales desarrollaron talleres de cerámica en los cuales se forjó una artesanía mestiza, alimentada de la cultura guaraní y enriquecida con los aportes de la colonización y templada con sus desafíos y sus riesgos.
El pueblo de Itá fue uno de los principales lugares de producción ceramística indígena y colonial. Por lo tanto, el mismo fue sede de una antigua tradición que va pasando siempre de madre a hija, porque son las mujeres las productoras de cerámica. Son ellas quienes moldean la pieza con barro, cuecen y decoran las vasijas.
Juana Marta Rodas y su hija Julia Isídrez, continúan esta inveterada costumbre que heredaron de sus antepasadas: abuelas, madres e hijas que iban transmitiendo el secreto del barro y la belleza de sus formas redondeadas a mano y quemadas cerca de la propia casa. Pero todo proceso cultural supone tanto tradición como cambio: se apoya en la memoria colectiva e incorpora las señas de la creatividad personal y la imaginación del artista. Y sucede que Juana Marta y Julia son grandes artistas: conservan las técnicas de las abuelas guaraníes pero saben expresar a través de ellas su propia sensibilidad y las condiciones de su tiempo. Un tiempo cruzado por nuevas imágenes, técnicas y medios de comunicación: Un tiempo animado por sueños distintos. Los artistas deben responder a los grandes desafíos que acerca su presente. Y estas ceramistas lo hacen sin soltar el hilo de la tradición ni abandonar los secretos del oficio: sus cántaros, sus vasos, sus potes y platos adquieren formas e incorporan figuras actuales, hinchan sus contornos hasta el límite, se deforman, olvidan en parte las funciones utilitarias y se transforman en asombrosas esculturas. En objetos caprichosos que, empujados por la pura imaginación y el incontenible impulso creador de estas grandes artistas campesinas, se convierten en verdaderas obras de arte: uno de los testimonios más vigorosos y originales del arte del Paraguay actual y un tributo a su noble historia”.
(Fuente: doña Julia Isídrez)

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