OSVALDO GONZÁLEZ REAL - PARAGUAY EN LA 22ª BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO / Fuente: ESCRITOS SOBRE LITERATURA Y ARTE DEL PARAGUAY

PARAGUAY EN LA 22ª
BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO
Autor: OSVALDO GONZÁLEZ REAL
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Obra: TAVA RE KO, 1990, Instalación,

Fuente: GENTE DE ARTE, producción de los 90

Artista: MARITÉ ZALDIVAR

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PARAGUAY EN LA 22ª
BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO
El envío paraguayo muestra una homogeneidad notable, en cuanto a las propuestas, manteniendo -sin embargo- sus diferencias individuales.
La obra de MARITÉ ZALDIVAR se caracteriza por su preocupación de presentar el drama de un pueblo oprimido, que -a través de su historia- ha tratado de lograr la utopía de sus antepasados indígenas, por medio del mito del “YVY-MARAÉ-Y": LA TIERRA DONDE NO EXISTE EL MAL, O PARAÍSO DE LOS GUARANÍES. Los objetos seleccionados para simbolizar el largo peregrinaje "el vía crucis del pueblo", son las humildes sandalias, los yugos de madera, las escobas, etc., todos ellos seleccionados por su densidad semántica, su acendrado valor sígnico. Estos objetos fueron seleccionados en el interior del país, durante una larga búsqueda de los orígenes de la cultura popular que se refleja en el uso de estos "artefactos" cotidianos. Esta trilogía: "EL CAMINO"; "EL DESPERTAR"; y "LA LIBERACIÓN", configuran un espacio y un tiempo que participan, a la vez, del presente, el pasado y el futuro. Es la intersección creadora entre el Mito y lo Real, entre el Sueño y la Historia.
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Fuente: GENTE DE ARTE, producción de los 90
Artista: MÓNICA GONZÁLEZ
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En cuanto a MÓNICA GONZÁLEZ , sus instalaciones consisten en objetos de uso cotidiano que, de manera precisa, se identifican con la fuerza de trabajo femenino: ollas, palanganas, embudos, jarros de lata, etc. Existe, una voluntad de configurarlos en amontonamientos verticales, en pilares acumulativos, que se sostienen -precariamente- en equilibrio, de la misma manera que las mujeres de su tierra, como malabaristas, sostienen sobre sus cabezas: canastos, botellas, cántaros y fardos de ropa. Las torres formadas por estos objetos pre-fabricados, se alzan como monumentos a la tarea doméstica, a la fatiga, al servicio cotidiano de la mujer. Aquí, el material, transfigurado en metáfora -como en las ropas colgadas- tiene claras connotaciones feministas.
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Obra: MÁQUINAS, OBJETOS PLEGABLES y RECORTES, 2004,

Fotografía: FERNANDO ALLEN,
Fuente: LA CONJURA - CARLOS COLOMBINO.

Por JUSTO PASTOR MELLADO

Artista: CARLOS COLOMBINO.
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En la propuesta de CARLOS COLOMBINO, artista que desde los años 60 viene innovando, constantemente, las formas del discurso plástico desde la perspectiva de nuestra realidad, se presenta una escenografía donde lo erótico juega con lo dramático en un contrapunto de formas que pretenden ser un "simulacro" de otra realidad más profunda, más letal. Los "OBJETOS DEL DESEO", los paradigmas del placer están negados y amenazados por el peligro, la muerte. Los símbolos fálicos, la cruz y el barco encallado, materializan el naufragio de las fuerzas de Eros contra las de Tánatos, en un mundo donde la energía creadora y vital está amenazada.
El artista utiliza la madera-su material predilecto-para ensamblar y estructurar la maquinaria de sus temores y sus sueños.
Fuente: ESCRITOS SOBRE LITERATURA Y ARTE DEL PARAGUAY Y OTROS ENSAYOS. Autor: OSVALDO GONZÁLEZ REAL. Editorial Servilibro, Asunción-Paraguay, 2004 (290 páginas).

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OSVALDO GONZÁLEZ REAL - LA EXPOSICIÓN "TEKO" DE ARTISTAS PARAGUAYOS EN PARÍS / Fuente: ESCRITOS SOBRE LITERATURA Y ARTE DEL PARAGUAY

LA EXPOSICIÓN "TEKO"
DE ARTISTAS PARAGUAYOS EN PARÍS
Autor: OSVALDO GONZÁLEZ REAL
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Obra de la artista

MÓNICA GONZÁLEZ

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LA EXPOSICIÓN "TEKO" DE ARTISTAS PARAGUAYOS EN PARÍS
MÓNICA GONZÁLEZ. Utiliza, como en exposiciones anteriores -Bienal de San Pablo-, los utensilios propios de las labores femeninas en el Tercer Mundo. Se tropieza uno con pirámides de ollas, jarras, latonas, todas expresando la división del trabajo: la esclavitud cotidiana de la hembra humana obligada por su pareja de turno a las tareas de carga, limpieza y preparación de alimentos. La sociedad patriarcal la ha condenado al "ghetto" de los parias que se mueven entre barras de jabón y ropa sucia. Como pequeñas pirámides egipcias, la hojalata se eleva como monumento que atestigua la servidumbre a la que le condena el sexo. Hay alusiones a la sociedad industrial avanzada, a través de estos elementos pre-fabricados, que originalmente fueron de barro. Los enormes bloques "blandos" de jabón de coco, contrastan, en significativo contrapunto, con los objetos metálicos de este ritual diario que se repite dentro de una rutina infinita. Esta oposición binaria: duro/blando, nos recuerda las clasificaciones de Levy-Strauss.
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Obra del artista
FELICIANO CENTURIÓN
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LA EXPOSICIÓN "TEKO" DE ARTISTAS PARAGUAYOS EN PARÍS

FELICIANO CENTURIÓN. Contrariamente a lo propuesto por Mónica, realiza como artista, una labor destinada, originalmente -en la mayoría de las culturas- a la mujer: el bordado, el encaje de "ñandutí", el macramé. Es lo aparentemente decorativo que, como en esos jarrones y manteles chinos, de pronto se apropian del sentido esencial de la obra, como resultado de la maestría artesanal. Ha elegido soportes prefabricados por la sociedad de consumo: mantas, sobrecamas, fundas adornadas con "crochet", contando historias de la propia vida: autobiografía de un artista.
Con paciencia infinita ha tejido Feliciano sus telas llenas de primoroso encanto -casi "naif'. Los referentes son la nostalgia y el recuerdo de un "TIEMPO PERDIDO" ahora reencontrado a través del arte humilde del hilo y la aguja. Hay en estas sencillas obras des-tellos del folklore paraguayo.
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Obra de la artista

FÁTIMA MARTINI

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LA EXPOSICIÓN "TEKO" DE ARTISTAS PARAGUAYOS EN PARÍS
FÁTIMA MARTINI: Por su parte, ha elegido como referente un elemento fundamental de la cultura nativa: la hamaca paraguaya. Este lecho colgante, típico de un habitat tropical, está -en este caso- formado con fotos de mujeres nativas y no con fibras de caraguatá o algodón. Fátima ha buscado en viejos álbumes y postales las imágenes que conforman estos signos que invaden el espacio. La mayoría de las fotos han sido elegidas al azar y han sido manipuladas y recortadas para convertirlas en fragmentos de un "collage" compuesto por fotos de indias, repetidas en secuencias que nos recuerdan las tendencias minimalistas. Aquí, sin embargo, se ha realizado una seria pesquisa a nivel antropológico y estético -la artista es historiadora de arte y antropóloga a la vez. Por todas estas razones, el Mito está presente, en todo momento, con su alusión a los poemas cosmogónicos de los guaraníes: la hamaca primigenia en que reposaba el creador del mundo, mientras los murciélagos del desastre planeaban sobre él y el Tigre Azul esperaba el momento propicio para arrojarse sobre los mortales.
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Obra de la artista
MARITÉ ZALDIVAR
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LA EXPOSICIÓN "TEKO" DE ARTISTAS PARAGUAYOS EN PARÍS

MARITÉ ZALDIVAR. Explora los materiales que conforman la cultura de nuestro pueblo como por ejemplo: el barro, el tabaco, el catre, las escobas. También, como en el cuadro de Van Gogh -el de los zapatos-, ha investigado el itinerario, el "camino" (tapé) que la cultura traza para la supervivencia de la especie. En esta muestra, presenta una serie de elementos en oposición, en contraste. En primer lugar sus semillas de cardo esparcidas, como constelaciones de diminutas estrellas vegetales sobre una manta negra, enfrentando a dos lanzas nativas, clavadas en medio de ellas. Vemos aquí la aparente oposición original entre Naturaleza y Cultura, con su filo de espina -el cardo- y con su filo de metal -la lanza-, reflejan la pulsión de vida del mundo vegetal y humano.
Las hondas, por otra parte, con el irónico proyectil hecho en forma de cabeza indígena, también forman parte de la ambigüedad estética. Hay diferentes lecturas para este doble discurso semiótico: el hombre mejora la Naturaleza, la cultura no es sino una "segunda naturaleza" como lo afirmaba Pascal. La única diferencia consiste "en que el hombre sabe que ha de morir".
Otras variantes de esta vuelta al "Ur-grund" -relevamiento e interpretación de las huellas del hombre- están dadas por las cajas caleidoscópicas, que contienen muestras de capullos de algodón y otros elementos típicos del universo cultural del pueblo. El lenguaje de los signos utilizado por Marité recupera, de alguna manera, el momento único que marca la división fundamental entre Naturaleza y Cultura: las dos caras de la misma moneda cósmica. La semilla viaja -prendida al caminante-, para extender su prole; la lanza viaja, impulsada por la mano del hombre, para extender el dominio de éste.
Fuente: ESCRITOS SOBRE LITERATURA Y ARTE DEL PARAGUAY Y OTROS ENSAYOS. Autor: OSVALDO GONZÁLEZ REAL. Editorial Servilibro, Asunción-Paraguay, 2004 (290 páginas).
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MARITÉ ZALDÍVAR - Obra: Kÿse-yvyra” (Instalación) / Fuente: ARTE ACTUAL EN EL PARAGUAY. 1900-1995 (2ª EDICIÓN).

Obra: “Kÿse-yvyra”
Técnica: Instalación,
Año 1994
Artista: MARITÉ ZALDÍVAR,
(Enlace con datos biográficos)
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Fuente de la imagen:
ARTE ACTUAL EN EL PARAGUAY.
1900-1995 (2ª EDICIÓN)
ANTECEDENTES Y DESARROLLO DEL PROCESO
EN LAS ARTES PLÁSTICAS
Textos de
JOSEFINA PLÁ;
OLGA BLINDER;
TICIO ESCOBAR.
Editorial Don Bosco,

Diseño de tapa: Osvaldo Salerno,
Asunción-Paraguay, 1997. 197 pp.
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POMOKOI EN ALEMANIA
UNA EXPOSICIÓN EN ULM CON SIETE ARTISTAS DEL PARAGUAY
Por: DOROTHÉE WILLERT
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** Normalmente, hay un inicio y al final un cierre; entre ambos está el acontecimiento, en este caso una Exposición. Resulta un poco más difícil fechar el inicio de la Exposición POMOKOI, pues el mismo se dio mucho antes de la inauguración propiamente dicha. Es un hecho que fue algún viernes. Todos los viernes se reunía alguna gente de Asunción, y en conjunto hacían excursiones intelectuales a la historia del arte viejo y nuevo estilo; a los pequeños y grandes mundos de las ideas que separan a las culturas entre sí para, luego, volverlas a hacer semejantes.
** De los encuentros intelectuales surgió el deseo de un contacto concreto, y lo que luego se puso en camino del Paraguay a Alemania no consistió "sólo" en piezas de Exposición. Viajó la gente misma y con ella sus cuadros, sus esculturas, materiales y conceptos para lanzarse ambas, en otro terreno, al debate.
** Es decir que la Exposición aún no ha empezado y, en puridad, tampoco ha concluido con su final; de ello da testimonio, entre otras cosas, esta actividad ulterior en el Instituto Cultural Paraguayo-Alemán. Con su viaje a Alemania empezó para estos artistas que venían desde lejos, la continuación del círculo de los viernes, pero esta vez con originales y no con diapositivas, descripciones e impresos. Con originales que, expuestos en el realmente grandioso paisaje alemán de los museos, ofrecía para estos invitados una escenificación extraordi-nariamente precisa. Un interés equivalente tuvieron los diálogos y encuentros con artistas en estudios, así como también las observaciones fuera del estricto escenario artístico.
** Lo nuevo -para cada uno de los viajeros nuevos, naturalmente, en forma diversa- no puso inseguros a los invitados, sino más bien lo contrario. En el montaje de su propia exposición también sé percibió el placer con el que se volcaron al desacostumbrado ambiente. Y, si antes más bien sólo la curiosidad común era para ellos el elemento unificador, en la presentación, en el juego del encuentro de siete posiciones individuales, ellos se convirtieron en grupo. Allí hubo un esmerado juego grupal que destacó la correspondencia recíproca y con el entorno, que relacionó lo hallado con lo traído -sin falsas armonías. De ello resultaron imágenes estereoscópicas, autónomas, vitales, poéticas, concentradas, ligeras meditativas, sensibles.
** Exposiciones como esta no terminan con el desmontaje. La "exportación de arte" incitó la curiosidad y, no por último, acercó a algún alemán a la cultura de un país que, quizás, hubiera tenido que ser buscado en el mapamundi.
Catálogo de exposición Ulm. Alemania, 1993.
Fuente: Datos Biográficos del libro ARTE ACTUAL EN EL PARAGUAY. 1900-1995 (2ª EDICIÓN)
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MARITÉ ZALDÍVAR, por favor usar, por favor tocar (FEPURÚ) - Texto: ADRIANA ALMADA / Fuente: COLECCIÓN PRIVADA, escritos sobre artes visuales

MARITÉ ZALDÍVAR

por favor usar, por favor tocar

(Detalle, Fota: Gabriela Zuccolillo)

Comentario de ADRIANA ALMADA

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TRAS UNA LARGA trayectoria de reflexión sobre la cuestión identitaria en el Paraguay, Marité Zaldívar aborda una nueva instancia en su proceso creativo, ofreciendo una obra desinhibida y hasta hilarante, que postula el vale todo al tiempo que patentiza con rigor conceptos ya institucionalizados como multiculturalismo.
** Objetos industriales de consumo masivo, productos artesanales de origen indígena y popular y elementos creados por la misma autora confluyen en un todo único, hecho de componentes diversos en materia y procedencia.
** Aquí convergen hábitos, culturas, temporalidades, conjeturas y certezas. Un inventario de inutilidades lúdicas ha sido pulcramente clasificado (con nombre y propiedades), distribuido y autonomizado en tules sintéticos de variados colores, los populares mosquiteros paraguayos. Son células distintas de un solo y complejo corpus ludi destinado a desafiar, con su irreverencia a veces candorosa, la acartonada conducta de los contempladores de arte y el relacionamiento "profesional" de críticos, galeristas y gestores culturales con la obra.
** Todo cuanto hay en esta instalación ha sido hecho por ella misma, reivindicando el perfil artesanal del artista de otro tiempo, hoy reemplazado por creadores virtuales o diseñadores de proyectos. Y esto, por una razón para ella tan simple como importante: el aura de las cosas. Marité ha vaciado cada uno de los objetos de su función original y les ha asignado un nuevo rol en este carrousel contemporáneo, re-significándolos conceptual y energéticamente. Así, re-semantizado, un elemento usualmente valorado por su carácter antropológico, estético o utilitario se transforma en un juego divertido que interpela ciertas nociones consensuadas sobre la identidad nacional y/o latinoamericana y moviliza emociones encontradas en el "usuario".
** En esta obra, pensada, sentida y realizada como una ofrenda al Otro, Marité no pide reflexión sino disfrute de los sentidos. "La entrada es a través de los canales perceptivos: ver, oír, sentir, comer, gustar. La visualidad es la parte más pasiva. Aquí, en cambio, hay que descalzarse y caminar. Tocar, oler. En realidad es una obra interactiva", dice.
** Todo ha sido comprado a precio de oferta en los mercados populares, reciclado y transformado. Ha diseccionado objetos e historias, y los ha re-inventado y concatenado. Hay vestidos para el cuerpo, para el tacto, para el corazón. Son ropas para caminar la vida, como el traje de porongos de múltiple factura, cuyo sonido y cuyo peso generan porte mayestático y radiación protectora. Hay peluches terapéuticos para el plexo cardíaco. Objetos policémicos en lycra y fibra de chaguar, semillas de samu´u y foquitos made in China, textiles maka y chamacoco, nylon, ñandutí, tecnología barata. "Se trata de incorporar todo, como en la vida", dice Marité, que no ha dudado en incluir comida, chicles, chocolates y un "té mágico para diluir el miedo y la culpa, dos pilares de nuestra cultura".
** Los objetos esperan al sujeto para cerrar su círculo expresivo (¿o abrirlo?). Los bloques tallados de palo santo se convierten en “el camino de los siete pasos" sólo cuando alguien los pisa. Así, Marité abre las puertas a la participación, no ya en función de la denuncia, la expresión de una problemática social o el compromiso po-lítico -tan presentes en su obra anterior-, sino con la secreta ambición de llegar a la intimidad del Otro y hasta producir curación emocional. Un objetivo -para muchos- algo desconcertante y de dudosa suerte. Sin embargo, esto no parece importarle a esta "vieja luchadora" siempre en busca de nuevas alternativas, diestra en el doble juego perceptivo y propositivo del afuera y el adentro, que ha sabido conjugar ingredientes locales con criterios internacionales y es capaz de comunicarse en su propia lengua en una Babel de paroxismo.
** Marité hoy desoye signos funestos y apuesta a la experiencia directa, acotada y personal del desarrollo espiritual. Esto le hace decir, en franca alusión a etapas anteriores: "Un mapa de Paraguay de restos de bolsas zurcidas de algodón, puestas en el piso, o nueve banderas zurcidas de arpillera, ya hablan mucho sobre nuestra situación de ahora y de antes. Durante años trabajé el tema del Paraguay con sus vísceras y sus dolores. Hoy es mi interés trabajar desde el amor. Si antes me detenía mucho a escarbar e indagar causas, razones y posibles alternativas políticas y de poder dentro de mi obra, en este momento me interesa concentrarme en el sentido de sanación, de optimismo y de alegría".
** Por favor usar, por favor tocar. La invitación, casi una súplica -escrita en la antesala de la muestra-, se condice con la tradicional acepción de FEPURÚ, título de la obra, que en guaraní quiere decir “PARA TRAER LA MANO". Por favor usar. Por favor tocar.
Premio Jacinto Rivero. Arte Contemporáneo, Ediciones Faro para las Artes, Asunción, 2002, PP. 91-95.

Fuente: COLECCIÓN PRIVADA, escritos sobre artes visuales (en Paraguay). Por ADRIANA ALMADA. © ADRIANA ALMADA. Editado con el apoyo del FONDEC, Asunción-Paraguay 2005. (325 páginas).

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MARITÉ ZALDÍVAR
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