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miércoles, 23 de junio de 2010

ENRIQUE COLLAR - Obra: CHICA CON PECAS, Óleo sobre lienzo, 200 x 150 cms./ PRIMER PREMIO del 5º CONCURSO DE PINTURA FIGURATIVA 2010


Obra: CHICA CON PECAS
Óleo sobre lienzo, 200 x 150 cms.
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del

Acta del 5º Concurso de Pintura Figurativa 2010
Reunido el jurado que había de otorgar el V Premio de Pintura Figurativa ‘10, bajo la presidencia de D. José Manuel Infiesta, presidente de la Fundació de les Arts i els Artistes, integrado por los Señores D. Antonio López García, D. Eduardo Naranjo, D. Leandro Navarro Ungría, D. Tomás Paredes, D. Manuel Parralo, D. Javier Rubio Nomblot, D. Santiago Sánchez Echeberría y D. Antonio Zambrana,
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acordaron conceder el Premio a:
Enrique Collar "Chica con pecas"
(Paraguay)
mas info:

domingo, 20 de junio de 2010

JAVIER YUBI - MUSEO EN LA CASONA DE JULIO CORREA / Fuente Revista Dominical de ABC COLOR del domingo, 20 de julio de 2010.

Arriba: Reposo de los recuerdos.
La casona de Julio Correa, ubicada en Luque,
es un ejemplo que identifica a la arquitectura paraguaya,
con su amplio corredor jere.
Abajo: A telón abierto.
Salón museo donde se exponen fotografías,
pinturas, escritos, muebles
y enseres personales de Julio Correa.
ESCENARIO DE LA VIDA - CASONA DE JULIO CORREA
Artículo de JAVIER YUBI
Fuente: Revista dominical del diario ABC COLOR,
Fotos: ABC COLOR / CLAUDIO OCAMPOS


Tal cual fue su vocación de vida, el poeta y autor teatral Julio Correo legó sus pertenencias como escenario de los recuerdos. A pocas cuadras del centro de Luque, la antigua casona que habitó hasta su muerte en 1953, se convirtió en un museo, donde se exhiben pinturas, diplomas, elementos de actuaciones y hasta el perrito embalsamado del célebre personaje.
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Culto de fe. Virgen María que perteneció
a doña Amalia Myzkowsky,
la madre del poeta y autor teatral.


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Con el nombre de Centro Cultural Departamental Casona Julio Correa, la Gobernación de Central administra el edificio que habitó el poeta y autor teatral. En la vieja edificación de tres salas, pisos de ladrillos, corredor jere y sótanos, se dan clases de guitarra, arpa, órgano y se practica artes marciales (taekwondo). Y en el salón principal está montado un pequeño museo histórico que guarda relación con la vida y obra de Correa.
En las paredes se pueden apreciar valiosos cuadros al óleo pintados por Wolf Bandurek. Son los rostros del artista y de su esposa, Gregoria Martínez. Existe otro par de retratos muy bien logrados, cuyas firmas son casi ilegibles. Una serie de diplomas y pergaminos certifican los reconocimientos otorgados al dramaturgo nacional que se destacó en la escritura de importantes obras y lucidas actuaciones teatrales.
Julio Correa fue uno de los principales realizadores del teatro en guaraní que abordó temas de la Guerra del Chaco, con la inclusión de personajes campesinos en papeles significativos. Serían veinte sus piezas teatrales relativas al conflicto bélico que sostuvieron Paraguay y Bolivia entre 1932 y 1935. Las más conocidas son: Guerra aja, Sandía yvyguy, Pleito rire y Terehojevy fréntepe.
En un rincón del salón museo está un antiguo telón de fondo carcomido por alimañas que permite recordar los tiempos de auge del teatro popular. Hay también un mortero de madera torneada que se utilizaba en casa de los Correa para la preparación de los alimentos diarios y servía, en ocasiones, como parte de la escenografía. El acervo expuesto incluye bastones, rifles, lámparas, radiorreceptores y un sillón, tipo reposera. Guardada en su nicho, una imagen tallada de la Virgen María que perteneció a doña Amalia Myzkowsky, la madre de Julio Correa, revela como anécdota que fue robada durante la Revolución de 1947 y recuperada años después en el centro de Luque, por doña Gregoria Martínez de Correa.
Una vitrinita iluminada permite observar medallas y la condecoración de la Orden Nacional al Mérito que Julio Correa recibió del presidente Federico Chávez, en los años 50. Otra de mayor tamaño contiene un rifle, sellos, pipas, panfletos, escritos a máquina y recibos de su profesión de rematador público. Además, programas de funciones, así como páginas originales de la obra Toribio.
Desde la aparición de Sandía yvyguy, su primera pieza, el dramaturgo produjo con asiduidad y fue por mucho tiempo figura dominante e indiscutida del teatro paraguayo. Al frente de su propia compañía, en la que hacía de versátil actor y eficaz director, recorrió durante años infinidad de ciudades, pueblos y compañías del país. Sus obras escritas en guaraní despertaban la curiosidad y el interés del público campesino, que se reconocía en las puestas en escena. En sus guiones, Correa abordaba los problemas de la gente del campo, como mensajes de denuncia por las injusticias generadas por improductivos latifundios y explotaciones de tiempo inmemorial. Cada escrito suyo tenía la tónica de representar en el escenario a los campesinos sin tierra y el maltrato a los peones por parte de patrones, capataces y autoridades.
Amado y respetado por el público, Julio Correa gozó hasta su muerte —ocurrida en Luque el 14 de julio de 1953— del cariño popular. Y disfrutó de la fiel compañía de un perro que no quiso separarse nunca de su lado. Tanta fue la fidelidad del animal que acompañó a su amo hasta el final y mereció un comentario periodístico publicado el 16 de julio de 1953 que consignaba cuanto sigue: “Hay hechos que por su hondo y hermoso contenido merecen que trasciendan a la consideración pública, por eso hoy creemos oportuno e interesante glosar precisamente un hecho que tiene relación con el desaparecido y librado poeta y dramaturgo compatriota Julio Correa, fallecido recientemente, y que tuvo como protagonista a un animal, Pincho, el perro del poeta. En efecto, producido el sensible deceso de don Julio Correa en la ciudad de Luque, el animal mostró una inquietud y una desazón terribles que pudo ser apreciada por propios y extraños. Posteriormente, y cuando subía el féretro a la carroza fúnebre para ser trasladado al Teatro Municipal de esta capital, donde fueron velados los restos del querido extinto, no se lo vio al perro, pero eso sí, llegado el vehículo frente al teatro, el primero en descender fue Pincho, se había colado a la carroza sin que nadie lo viera. En el hall del Teatro Municipal, allí mismo donde los despojos de su amo estaban siendo velados, se encontraba Pincho, el fiel amigo del hombre, con quien hasta hacía pocas horas había compartido esperanzas, éxitos y tribulaciones. Esta extraña, sublime, profunda y sincera demostración de fidelidad conmovió íntima y fuertemente a las personas que integraban el cortejo...”.
El cuerpo embalsamado de Pincho llama la atención de los visitantes que acceden al museo. Más aún, al enterarse de la hazaña que protagonizó, durante el velorio de su amo.
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Colgados en la pared,
llaman la atención los retratos muy coloridos,
del afamado dramaturgo paraguayo y
su esposa Gregoria Martínez,
hechos por el pintor WOLF BANDUREK

Falta de cuidado
Con visibles signos de descuido y abandono, la Casona Julio Correa delata la inmediata necesidad de atención por parte de la Gobernación del Departamento Central, entidad propietaria del complejo cultural. Es lamentable apreciar las malas condiciones en que se mantienen los objetos que pertenecieron a un ilustre personaje que con su creatividad y talento enalteció las manifestaciones artístico-culturales del Paraguay. Sin rubros, poco o nada puede hacer Geraldine Doldán, directora del Centro Cultural Departamental que asumió en enero de 2010. Comenta ella que existe un presupuesto solicitado para la restauración del emblemático edificio, pero que hasta ahora no se ha podido concretar. “Estamos en un momento político intenso, así que vamos a ver qué pasa más adelante”, se limita a decir la conocida formadora de bailarines.
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Retratos hecho por el pintor
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE LETRAS del
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Principales obras
Julio Correa escribió sus obras principalmente en guaraní: Ñane mba’erã’y˜ (Lo que no puede ser nuestro), Guerra aja (Durante la guerra), Karaí Ulogio (Don Ulogio), Tereho jevy fréntepe (Regresa al frente), Pleito rire (Después del pleito), Péicha guarãnte (Así nada más), Sandía yvyguy (Sandía enterrada), Karu pokã (Comer poco), Honorio Causa (A causa de Honorio), Po’a ndajajokói (A la suerte no se la detiene), Sombrero ka’a (Amante de la amada que traiciona). Figuran también en su listado de escritos: Yvy jára, Toribio, Juaihúgui rei, Po’a rusúva y La culpa del bueno.
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Identikit Julio Correa
Julio Correa Myzkowsky nació en Asunción el 30 de agosto de 1890. Se casó con Gregoria Martínez, actriz con quien fundó una compañía teatral para recorrer los pueblos del Paraguay llevando sus obras caracterizadas por la frescura y gracia. Instigado por el poeta guaireño Manuel Ortiz Guerrero, empezó a escribir en la sección titulada Dialoguitos callejeros del periódico Guaraní, de Facundo Recalde. Su talento y creatividad salió a relucir en tiempos de la Guerra del Chaco. Escribió en guaraní piezas en las que se destacó como autor, actor y director, alcanzando grandes éxitos. Publicó, entre 1934 y 1938, sus poemas en la revista Guarania, de Natalicio González. Luego, en 1943, editó el libro Cuerpo y Alma.
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Acceso libre
El Museo Casona Julio Correa se ubica en las calles Antequera y Julio Correa de la ciudad de Luque. Recibe la visita del público de lunes a viernes de 8:00 a 12:00, por las mañanas, y por las tardes, de 14:00 a 18:00. Los sábados, de 9:00 a 12:00. Se advierte a los lectores que, a veces, especialmente por las tardes, los encargados no vienen a abrir el local. El acceso es libre y gratuito.
18 de Junio de 2010 - Fuente: www.abc.com.py

sábado, 19 de junio de 2010

FÉLIX TORANZOS - “TODO GIRA EN TORNO A LA CREATIVIDAD” (Entrevistado por Myriam R. Chase) / Fuente: REVISTA CHIC. Paraguay, Junio de 2010, Número 79

“TODO GIRA EN TORNO A LA CREATIVIDAD”
Entrevista al artista plástico
FÉLIX TORANZOS
(Enlace a datos biográficos y obras
En la GALERÍA DE LETRAS del
www.portalguarani.com )
Fuente: REVISTA CHIC
Paraguay, Junio de 2010, Número 79
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"Lo más cruel de ser artista es tener que comercializar tu propia obra", afirma quien tiene una gran aceptación en el mercado artístico local. Su peculiar interés por aquello que lo rodea es una de sus características principales. La vida le acerca a objetos, libros o pedazos de historias que le sirven de inspiración para sus obras, o sus manos se encargan de reinventarlos cuando el tiempo así lo dicta. Conocé más a fondo a uno de los protagonistas del arte nacional.
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¿Cómo ves a la cultura en Paraguay?
-Nuestra cultura sigue los pasos de una evolución muy lenta y muy poco respetada. Tenemos altos representantes de diferentes rubros culturales que no logran alcanzar las metas, debido al poco apoyo social, político y económico. Muy pocos valores encuentran un reconocimiento total. Hay, que recordar que venimos tragando toda una secuela de valores que insistían en menospreciar la acción cultural en nuestro país.
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¿Creés que en las escuelas y colegios prestan suficiente atención al arte?
-Andan incluyendo actividades o trabajos prácticos en dónde los estudiantes tienen que investigar y analizar los valores culturales, así como el valor artístico de los creadores. Los profesores promueven entrevistas y visitas a los museos. Pero no todas las veces los cuestionarios dados por las instituciones son buenos. A veces, son mejores las acciones espontáneas de los estudiantes, frente a unas preguntas que a veces rondan en lo innecesario.
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¿Sos coleccionista de algo?
-De todo aquello que me interesa o me habla. Guardo objetos que luego se convierten en obras. Compro obras de otros artistas. En la vida encuentro cosas, libros o pedazos de historias que siempre vuelven a ser otros objetos que se convierten en vivencias. Hay veces que guardo tantas cosas que no tengo lugar ni espacio para ellas. En 1932, Brecht decía: "De todos los objetos, los que más amo son los usados".
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¿Qué hay que ver al observar un cuadro?
-Más que ver, creo que tenemos que descubrir qué nos dice. Una obra de arte tiene un mensaje para cada persona, solo de nuestra imaginación. Una obra de arte le habla a uno, le dice siempre cosas diferentes. Siempre cambia.
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¿Qué obra de arte le regalarías a un amigo?
-Mi mejor obra y mis mejores intenciones para que descubra lo que hay en ellas, esperando que sepa ponerlo en su corazón.
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¿Tenés periodos de poca inspiración?
-Vivo en constante inspiración. Todos los días me paso pensando en la obra que vendrá después de otra. Me gustan los desafíos en relación a mi creación. Cuando tengo miedo, es porque algo bueno saldrá.
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¿Qué tipo de persona compra un cuadro de Félix Toranzos?
-La que me conoce, porque sabe cómo soy en realidad. Hay veces que mi obra me refleja. La persona que compra una adquiere una parte de mí.
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¿Cuál es tu desafío para el 2010?
-La constante renovación hace de mí una persona creativa. Este año es uno más, con más riqueza.
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¿Qué tiene que tener un cuadro para que sea comprado?
-Debe conquistar. Las obras de arte hablan y siempre dicen algo diferente. Por sobre todo, debe conseguir que la mente recree un mundo nuevo.
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¿Qué museo elegirías si tuvieras la posibilidad de ir a uno solo?
-El Museo del Barro/Centro de Artes Visuales, en Isla de Francia, Asunción.
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"Es muy cruel para un creador
comercializar su propia obra"
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¿Le llega a un artista el momento en que deja de ser creador para convertirse en empresario de sus propias obras?
-Esa es la parte más difícil de un artista. Es muy cruel para un creador comercializar su propia obra. Con eso te digo todo.
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¿Te consideras un artista integral?
-Me considero un artista de conocimientos amplios, porque todo gira en torno a la creatividad.
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Tu papá era un gran artista plástico (LUIS TORANZOS), contanos qué hay de él en tus pinturas.
-Hay materiales en circulación que hacen conocido a mi padre. En el libro de Ticio Escobar “Una Interpretación de las Artes Visuales en el Paraguay”, mi padre tiene un lugar privilegiado. Él fue un gran pintor costumbrista, le gustaban el folclore y los momentos que a él le tocó vivir. Era un buen colorista y, sobre todas las cosas, sabía componer y dibujar la figura humana. Una gran virtud para alguien que nunca estudió, que fue autodidacta, al igual que yo. La diferencia es que aprendí de la experiencia de mis amigos y ellos me ayudaron mucho.
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"LA CONSTANTE RENOVACIÓN HACE DE MÍ
UNA PERSONA CREATIVA"
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TRES COSAS QUE NO SE SABEN DE FÉLIX
Quisimos saber algo que no se sepa de este gran artista plástico. Despojándose de esa imagen pública por la cual se lo conoce, nos dice que cuesta mucho hablar de uno mismo, pero accede a contar algunas cosas que muchas personas no conocen de él:
1. "Soy muy intenso en las cosas que hago y me propongo".
2. "Se me puede lastimar muy fácilmente, sin que la persona que lo haga se entere. Soy muy sensible al maltrato y no me gusta que me utilicen para fines propios. Vivimos en un mundo en que te quitan todo lo posible".
3. "Hay veces que no sé protegerme. Tengo miedo de que me lastimen, porque yo soy un vengador silencioso y la gente no siempre se entera cuando le cobro".

EXPOSICIÓN DE FÉLIX TORANZOS: La GALERÍA ARTE ACTUAL inauguró recientemente una exposición de dibujos y pinturas de Félix Toranzos. Quienes estén interesados en visitarla, pueden hacerlo en Lillo 1273 casi Senador Long. Teléfono: 609-227.

UN ARTISTA OPINA SOBRE OTRO
Hablamos con MICHAEL BURT para que comente acerca de la muestra, inaugurada el jueves 10 de junio. "Me pareció excelente. A lo largo de su vida, Félix realizó trabajos muy grandes y también pequeños, pero a su manera. Siempre innovador, la muestra me pareció grandiosa", expresa Burt, quien destaca las excelentes ideas de Félix, a quien conoce hace tiempo: "Es un hombre bien formado que hace un trabajo variado, inclusive hizo decoraciones. Es multifacético y bueno en todo lo que emprende". Sobre la galería, Michael manifiesta que es un lindo espacio que vale la pena ser visitado. Quienes vayan a ver la última muestra de Toranzos, pueden aprovechar para observar recientes trabajos de Michael y otros artistas.

Myriam Raphael Chase
myriammphael@gmail.com
Fotos: Natalia Godoy
Producción: Gabriela Dávalos.
Fuente: REVISTA CHIC,
PARAGUAY, JUNIO DE 2010, Nº 79

martes, 8 de junio de 2010

MARCO REYNALDI - OBRAS y EXPOSICIONES / Enlace a la GALERÍA DE OBRAS de MARCO REYNALDI en PORTALGUARANI.COM


Artista: MARCO REYNALDI
Técnica: Óleo sobre tela.
Aquí podrá visitar la

MARCO REYNALDI
** Nació en Asunción, Paraguay, el día 29 de Abril de 1.987.
** Desde los 8 años de edad, nació en él la necesidad de dibujar sobre cualquier superficie que fuera, los dibujos japoneses denominados manga; fue perfeccionándose con el tiempo, sin estudio especializado alguno.
** En el año 2.006, ingresó al Instituto Superior de Bellas Artes, en la Carrera de Artes Plásticas.
** En el año 2.007 realizó su primera Exposición Individual, que la denominó "ESPEJO DEL ALMA", que abordó lo esencial de todo ser humano, que son las miradas.
** Ha participado también en varias Exposiciones Colectivas tales como:
· Exposición de Arte (Pintura, Dibujo y Grabado), Mall Excélsior (2.006)
· Exposición de Arte (Pintura y Dibujo), CCE “Juan de Salazar” (2.007)
· Exposición de Arte (Pintura y Escultura), C.C.P.A. (2.007)
· Exposición de Arte (Pintura y Escultura), Manzana de la Rivera (2008)
· "PINTORES SOLIDARIOS" (Pintura) Shopping del Sol (Junio 2.008)
· Exposición "KURUNDU DE ARTISTAS PARAGUAYOS" (Agosto 2.008)
· Exposición "Ateneo Paraguayo", Setiembre 2.008
· Organizador y Expositor, de la primera Exposición colectiva en Paraguay con 65 Artistas, realizada en el mítico Hotel Guaraní (Diciembre 2.008)
· Exposición Colectiva, “Facultad Politécnica de Asunción”, (Mayo 2.009)
(Fuente: Asociación de Artistas Solidarios, agosto 2009)

ESPEJO DEL ALMA (De la serie)
Técnica: Óleo – Año 2007
Fuente: OPERA DI ARTE – GALERÍA VIRTUAL

CELSO BRIZUELA, ALIAS CHESTER SWANN / Enlace a datos biográficos y galería de obras en PORTALGUARANI.COM

TÉCNICA: ARTE DIGITAL
ARTISTA:
CELSO BRIZUELA,
ALIAS CHESTER SWANN

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AUTO RETRACTO
Nací en el verde Guairá, corazón del Paraguay. (1942)
Y, apenas pude gatear, ya nos vinimos de allá. (1945)
La austral Encarnación nos tuvo por inquilinos.
De allí, rajando salimos, en plena revolución. (1947)
La república Argentina nos recibió en la ocasión
Brindándome educación, sarampión y escarlatina.
Al calor de la Guerra Fría, mis viejos se separaron. (1953)
(Quizá la pasión enfriaron), quedándome yo en la vía.
Volví a mi país, con ni vieja, reinsertándome en la escuela,
En una extraña secuela de culturas desparejas.(1954)
El Colegio Nacional, se hizo cargo de mis huesos.
El caldo se puso espeso, y tuve que trabajar.(1955)
En fin, así fui creciendo, entre trancos y barrancos.
Yo sólo me fui formando, y, entre golpes iba creciendo.
Volví junto a mi viejo un día; en la fría Buenos Aires.
Allí, sin mucho donaire, intenté hacer de las mías. (1959)
Aprendí algo del oficio del dibujo y la expresión.
Mi música en religión, casi rayana en el vicio.
Se me dio por escribir, cuestionando tiranías. (1970)
Me buscó la policía para mi voz reprimir.
Me convertí en ladrautor, en trotamundos sin dueño.
Muchos turbaron mis sueños; otros lo hicieron peor.
Me hice maestro artesano y humorista de los diarios.
No me vendí por denarios, ni cerré puerta al hermano.
He sido topo y gusano, en la manzana de Adán.
He mordido al capitán, en el garfio de su mano.
Hice cosas imposibles (el casarme, por ejemplo). (1983)
He sido burdel y Templo, de los dioses más sensibles.
A veces con la pintura; a veces con el humor,
A veces con el dolor, iba haciendo mi armadura.
Siempre aprendí cosas nuevas; de cuanto fuera expresión.
Lo cual, me dio la razón para recluirme en mi cueva.
Prosiguiendo con la prensa, seguí siendo el humorista;
El cantor del pesimista; del que ríe y del que piensa.
Algún sitial me he ganado, en la esquina del Parnaso...
Mas también sufrí rechazos de mediocres trasnochados.
El que le teme a los cambios, me ve como peligroso.
El "conserva", o el religioso, patalean con mis cantos.
Los jóvenes vanguardistas; los transgresores divinos;
Comparten mi pan, mi vino, y mis delirios surrealistas.
En fin, a ellos me debo. Con mi música y mensajes,
He de ganarme el pasaje, hacia el futuro (eso espero).
En síntesis apretada, he dicho: "Soy lo que soy",
(El presente siempre es hoy) y,
¡Al diablo con la pavada!

NÉLIDA AMABILE - Obra: Retrato de la poetisa Alfonsina Storni.

Obra: Retrato de la poetisa Alfonsina Storni
AUTORA:
NÉLIDA AMABILE
Óleo sobre tela
Colección del Ateneo Paraguayo

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AMABILE, NELIDA : Nació en Caazapá.
** Es catedrática de Historia del Arte y Sociología de la Educación.
** Estudió Historia del Arte en la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid – España, Dibujo y pintura en el Ateneo Paraguayo y en la Escuela de Bellas Artes de Asunción bajo la dirección de Don Roberto Holdenjara, del Instituto Parragón de Barcelona y la Escuela de Cerámica de la Moncloa de Madrid – España.
** Enseña:
· Historia del Arte I, II y III en la Universidad Católica desde 1.973,
· Historia del Arte y de la Estética Elemental en el Ateneo Paraguayo,
· Sociología de la Educación en la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional desde 1.972.
** Desde 1.975, ha participado en diversas muestras de pintura bajo los auspicios de la Liga Pro-Derechos de la Mujer, Ateneo Paraguayo y Amigas del Arte.
** Dicto cursos sobre la Historia del Arte General, Arte Latinoamericano y Arte Nacional en los años 1.992 y 1.993.
** Ha publicado artículos sobre la Restauración de obras de arte, sobre Arte Misionero y otros relacionados con las artes plásticas, en diversos periódicos de la capital.
** Es miembro de la Comisión de Arte Sacro desde su fundación; del Centro de Artistas Plásticos del Paraguay y los Amigos del Arte.
(Fuente: “DICCIONARIO DE LAS ARTES VISUALES DEL PARAGUAY”, DE LISANDRO CARDOZO, editado con el apoyo de "FONDEC"(FONDO NACIONAL DE LA CULTURA Y LAS ARTES), Asunción-Paraguay 2005).

sábado, 5 de junio de 2010

JOSEFINA PLÁ - TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS / PRELIMINARES: UNA OJEADA GENERAL


TREINTA Y TRES NOMBRES
EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS
por JOSEFINA PLÁ
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del
Editorial Cultura,
Asunción-Paraguay 1973
(59 páginas)
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PRELIMINARES: UNA OJEADA GENERAL
** Durante la colonia, las artes plásticas paraguayas no dieron signas fehacientes de existencia, a no ser al nivel menor de las artesanías. La historia menciona a un tal pintor Hernán Sánchez y a otro llamado Salazar, pero de ellos no ha quedado sino eso: los nombres. Para encontrar un arte representativo de este tramo de nuestra historia, hemos de trasladarnos a las Misiones Jesuíticas, donde durante el lapso 1609-1767 se desarrolló un arte religioso de perfiles peculiares: el barroco híspanoguaraní, que aún espera su estudio a fondo como hecho estético, aunque se han ocupado ya de él investigadores de la talla de Furlong, y José León Pagano le ha dedicado un espléndido capítulo en su HISTORIA DEL ARTE ARGENTINO.
** También encontramos arte religioso en la colonia propiamente dicha, pero ya a partir de mediados del XVIII (iglesias de Yaguarón, Capiatá, Piribebuy, Valenzuela y otras hoy en completa ruina).
** Ese arte religioso misionero comprendió obras de pintura, escultura, arquitectura y grabado. En arquitectura, sólo quedan en tierra paraguaya la iglesia inconclusa de Jesús y las ruinas de Trinidad y de Santos Cosme y Damián. En pintura y escultura, restan aún obras que dan una idea de lo espléndido que fue ese arte: tallas y cuadros religiosos; sobre todo, imágenes de madera; y también altares, púlpitos y confesonarios, igualmente tallados, que pueden estudiarse en las iglesias misioneras que hemos nombrado y en las de Santa Rosa, Santa María, Santiago y San Ignacio (museo). El grabado alcanzó nivel extraordinario en los ilustradores misioneros. (1700 - 1727)
** Hacia fines del siglo XVIII, es decir acercándonos ya a la Independencia, encontramos pintores no misioneros, aficionados como Uceda y Armesto; pero se trata siempre de temas religiosos, y naturalmente, de copias.
** Durante el gobierno de Francia no hubo oportunidad de que se desarrollasen las artes.
** Al iniciarse el gobierno de Don Carlos Antonio, da principio también el interés organizado por las artes plásticas. En esa época llega al país el primer pintor extranjero, a realizar una exposición (FÉLIX ROSSETTI) y van al exterior a estudiar los primeros becarios de arte: SATURIO RÍOS y AURELIO GARCÍA. Es evidente que Don Carlos Antonio se proponía formar artistas para que estos luego a su vez tomasen a su cargo la preparación de las juventudes en estos aspectos de la cultura. La primera academia de diseño fue la fundada y dirigida por el arquitecto ALEJANDRO RAVIZZA en 1858, a indicación de Don Carlos.
** Pero la guerra contra la Triple Alianza echó por tierra todos los planes constructivos mencionados. Durante la guerra asistimos a un hecho altamente significativo: la aparición del grabado de guerra, en las páginas de los periódicos de trinchera, destinados a la difusión de las noticias del momento: EL CENTINELA (se editaba en Asunción. Los otros periódicos vieron ya la luz en el campamento mismo.), CABICHUI, y CACIQUE LAMBARE (LA ESTRELLA no trajo grabados). Estos grabadores, con excepción de Saturio Ríos y quizá de Julián Aquino (Jefe de la Imprenta Nacional) fueron autodidactas e improvisados; pero nos dieron en sus grabados un ejemplo de arte espontáneo, ingenuo, lleno de humor e inventiva.
** Después de la guerra, durante mucho tiempo, los artistas vegetaron. Saturio Ríos no pudo vivir de su arte, y tampoco los pocos artistas que aparecieron en esos treinta años. Hacia fines del siglo surge de nuevo el interés merced al entusiasmo de algunos pintores extranjeros que se radicaron en el medio por un tiempo, como GUIDO BOGGIANI, JULIO MORNET, ERNESTO DUVIVIER; o definitivamente, como HÉCTOR DA PONTE. En 1898 se funda la primera academia de diseño y pintura, en el Instituto Paraguayo (director Héctor Da Ponte) y en 1899 tiene lugar el Primer Salón de Pintura, Diseño y Escultura (el segundo fue en 1902).
** Gracias a estos esfuerzos, al comenzar el siglo XX existe ya un ambiente propicio al arte, y se envían becarios a Europa, los primeros después de más de cuarenta años. Esos becarios fueron PABLO ALBORNO, JUAN A. SAMUDIO, CARLOS COLOMBO, JULÍÁN SÁNCHEZ y FRANCISCO ALMEIDA, que estudiaron en Italia y regresaron en 1909. Al volver (Julián Sánchez no regresó. Permaneció en Roma, y poco después se suicidó) realizaron la primera exposición profesional, y Alborno y Samudio fundaron una Academia de carácter programático. Entre 1908 y 1914 fueron a Europa otros, becarios o no, como Modesto Rodas. Entre 1920 y 1930 usufructuaron becas o fueron por su propia cuenta ROBERTO HOLDENJARA, JAIME BESTARD y VICENTE POLLAROLO. En 1908 había ido por su cuenta ANDRÉS CAMPOS CERVERA y en 1921 salió del país ANDRÉS GUEVARA: estos dos últimos no volvieron a la patria o lo hicieron sólo por cortas temporadas, especialmente el segundo. Los otros regresaron todos, y no volvieron ya a salir del país en misión de estudios. Durante el resto de su carrera permanecieron en el Paraguay, y esta situación de enclaustramiento, en circunstancias que hacían difícil o imposible el intercambio con el exterior, influyó fuertemente en su desenvolvimiento personal y también en la evolución local del arte, pues éste se mantuvo a la altura de las primeras experiencias; o sea, con escasas variantes, al nivel del academismo posimpresionista. (Una excepción la constituyen los dos pintores que no regresaron al país, y cuya obra rebasó esa marca).
** En 1936 llegó al Paraguay un pintor polaco, WOLF BANDUREK, quien, aunque en su formación no excedía notoriamente el nivel local, pues pertenecía también al posimpresionismo académico, introdujo sin embargo un elemento innovador importante, al introducir lo que se ha llamado "un acento vital" en esta pintura, que hasta entonces se había limitado a desarrollar temas amables o pintorescos. Bandurek no renovó la forma, pero renovó el contenido. Bandurek se trasladó a Buenos Aires en 1945. De momento, nadie recogió su desafío; pero el guante estaba echado: la pintura paraguaya no podía ya seguir por sus viejos carriles. Otro pintor, el brasileño JOAO ROSSI, traería, unos años más tarde (1950) los elementos para una renovación de las formas. En sus clases, los jóvenes con inquietudes artísticas se pusieron en contacto con los nuevos moldes estéticos hasta entonces sólo conocidos de oídas, y muy imperfectamente; y los que habían estado sosteniendo la necesidad de una renovación encontraron en esas juventudes el terreno dispuesto para ella. Pronto se sumaron a los jóvenes otros artistas mayores que habían sentido esa necesidad sin resolverse hasta entonces a darle una forma orgánica, Y a partir de 1953, con la formación del grupo ARTE NUEVO, la renovación estuvo en marcha.
** El grupo ARTE NUEVO estuvo originalmente formado por JOSEFINA PLÁ, LILÍ DEL MÓNICO, JOSÉ L. PARODI Y OLGA BLINDER; pero pronto se le sumaron otros pintores noveles o no (EDITH JIMÉNEZ, LEONOR G. CECOTTO, FRANCISCO TORNÉ CAVALDÁ, etc.) y los críticos que iban surgiendo, como RAMIRO DOMÍNGUEZ Y MIGUEL ÁNGEL FERNÁNDEZ. Este grupo organizó en junio de 1954 la Primera Semana de Arte Moderno en el Paraguay: realizó el mismo año la primera exposición conjunta en el exterior después de veinte años de enclaustramiento, y consiguió para sus miembros las primeras distinciones en el exterior desde 1910 (Salón de Río de Janeiro 1952 y IV Bienal de San Pablo). A partir de 1954 se multiplican las exposiciones dentro y fuera del país; en 1956 Livio Abramo funda el primer Taller de Grabado intitulado JULIAN DE LA HERRERIA, en honor del primer grabador paraguayo aparecido después de siglo y medio; y el arte nacional va ganando despacio, pero seguro, posiciones en la consideración de propios y extraños.
** Hacia 1963 aparece una nueva generación, cuya aparición y promoción se ve facilitada por la circunstancia con tanto esfuerzo y sacrificio creada por las promociones anteriores, reunidas en el grupo ARTE NUEVO. En esta generación reciente, son varios los nombres que se anuncian con posibilidades de triunfo; pero éste, evidentemente, sólo puede ser obra de la perseverancia, de la consecuencia y del rigor ético que han sido en todos los tiempos el secreto de una obra capaz de sobrevivir; la discriminación cierta de valores requiere el cernido del tiempo. Por eso esta breve lista no incorpora sino muy pocos de estos artistas más jóvenes, entre los cuales se encuentran quizá algunos de los que han de ser los pintores representativos del Paraguay dentro de veinte años: RICARDO YUSTMAN, RICARDO MIGLIORISI, FERNANDO GRILLÓN, GENARO ESPÍNOLA, ENRIQUE CAREAGA. Incorpora en cambio, como se verá, los nombres de varios artistas que, aunque no nacidos en el país, se vinculan a él en forma inextricable a través de su labor, ejerciendo profunda influencia magistral mediante la docencia, la ejemplaridad de su obra o sus rectrices éticas, e inclusive aportando elementos transformadores de toda una situación en las artes plásticas.
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ÍNDICE
PRELIMINARES:
LOS TREINTA Y TRES NOMBRES:
1. ABRAMO, LIVIO ;
2. ALBORNO, PABLO ;
3. BANDUREK, WOLF ;
4. BESTARD, JAIME ;
5. BLINDER, OLGA ;
6. CAREAGA, ENRIQUE ;
7. COLOMBINO, CARLOS SANTIAGO ;
8. COLOMBO, CARLOS ;
9. DA PONTE, HÉCTOR ;
10. DE LA HERRERÍA, JULIÁN (ANDRÉS CAMPOS CERVERA) ;
11. DELGADO RODAS, MODESTO ;
12. DEL MÓNICO, LILÍ ;
13. DI LASCIO, PEDRO ;
14. GARCÍA, AURELIO ;
15. ESPÍNOLA, GENARO (PINDU) ;
16. GONZÁLEZ CECOTTO, LEONOR ;
17. GRABADORES DE LA GUERRA DEL 70 ;
18. GUEVARA, ANDRÉS ;
19. GUGGIARI, HERMÁNN ;
20. HOLDENJARA, ROBERTO ;
21. JIMÉNEZ, EDITH ;
22. MÁRQUEZ MOSCARDA, LAURA ;
23. MARSAL, SERAFÍN ;
24. LATERZA PARODI, JOSÉ ;
25. PLÁ, JOSEFINA ;
26. POLLAROLO, VICENTE ;
27. RÍOS, SATURIO ;
28. RIVEROS, JACINTO ;
29. ROSSI, JOAO ;
30. SAMUDIO, JUAN A. ;
31. SCHULZ, CARLOTA (LOTTE) ;
32. VERA, MÍGUELA ;
33. YAPARÍ, Grabador indígena .

BIBLIOGRAFIA
COLECCIONES de:
-. EL SEMANARIO (Biblioteca Nacional)
-. Id. CABICHUI (Idem)
-. Id. EL CENTINELA (Idem)
-. Id. PERIODICOS Y DIARIOS paraguayos de 1870 a la fecha (Idem)
-. POSSATTI, María Antonia O. de - Aurelio García. Primer pintor del Paraguay. Asunción 1969.
-. PLA, Josefina. El Grabado en el Paraguay. ALCOR, Asunción, 1963
-. PLA, Josefina. El Barroco Hispano Guaraní, Madrid, 1964
-. PLA, Josefina. Historia de las Artes Plásticas en el Paraguay, Buenos Aires, 1967
-. PLA, Josefina. Yaguarón una joya barraca en el Paraguay Ed. El Centenario, Asunción, 1970
-. PLA, Josefina. Las artes en el Paraguay. Capítulo correspondiente a este país en la Enciclopedia del Arte Americano, de Vicente Gesualdo, Buenos Aires, 1968
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de las Artes Visuales en Paraguay.
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ADRIANA ALMADA - EL ESPACIO Y EL SILENCIO, LA OBRA DE MICHAEL BURT / Exposición: Centro Cultural de la República “El Cabildo”, Junio 2010.

EL ESPACIO Y EL SILENCIO
LA OBRA DE MICHAEL BURT
Comentario
ADRIANA ALMADA
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ITINERARIO DE UN ARTISTA
MICHAEL BURT
Exposición en el
Centro Cultural de la República “El Cabildo”
Junio 2010,
Asunción - Paraguay

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EL ESPACIO Y EL SILENCIO
LA OBRA DE MICHAEL BURT

Un recorrido atento por la obra de MICHAEL BURT nos pone, necesariamente, ante la certitud del silencio. Hay silencio expectante en cada una de sus calles solitarias, ajenas a toda presencia humana o animal. Solo y con dulce timidez, el mundo vegetal participa calladamente de este universo donde lo estático se perpetúa en la potencia vibrátil del color.
Los espacios metafísicos, quietos, casi desprovistos de atmósfera terrenal, insinúan captaciones akásticas de un Paraguay perdido en el tiempo y la memoria. Su obra, recreación incesante de una arquitectura condenada por la insensibilidad y la ignorancia, se presenta a muchos con la tentadora catalogación del documento. Y, sin embargo, nada más lejos del espíritu del artista y de su elaboración plástica.
Las formas coloniales que Burt registra con nitidez, así como los detalles finiseculares recuperados como los fragmentos edilicios que sobreviven a pesar de la picota, no hacen sino estructurar el país interior del arquitecto conmovido por la destrucción sistemática y las restauraciones non sanctas. Así, toda construcción humana desde la más humilde a la más pretenciosa se transforma en un objeto de meditación.
Y al final, solos frente a sus planos definitivamente concebidos cromáticamente realizados, la expectativa de algo trascendente nos asalta. Un recorrido atento por la obra de MICHAEL BURT nos invita a un viaje más allá de nosotros mismos.
ADRIANA ALMADA.
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MICHAEL BURT
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ITINERARIO DE UN ARTISTA,
Recorrido virtual de la exposición
En 4 secuencias de obras.
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jueves, 3 de junio de 2010

OFELIA FISMAN - “OFELIA DE LAS AGUAS” - Comentario: OSVALDO REAL TORRES / GALERIE DE LA ALLIANCE FRANÇAISE (3 al 12 de junio, 2010)

PORTALGUARANI.COM
INVITA A LA EXPOSICIÓN
“OFELIA DE LAS AGUAS”
Exposición de la artista
OFELIA FISMAN
(Enlace a datos biográficos y obras
En la GALERÍA DE ARTES del
www.portalguarani.com )
Lugar:
LA GALERIE DE LA ALLIANCE FRANÇAISE
3 al 12 de junio 2010.
Mcal. Estigarribia Nº 1030 y Estados Unidos.
Asunción-Paraguay.
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OFELIA FISMAN
“OFELIA DE LAS AGUAS ¨
(TÉCNICA MIXTA)

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Eligiendo su propio nombre “Ofelia”, aquella que William Shakespeare, inmortalizara en “Hamlet“, como mujer soñadora, romántica, enajenada, extraña a sí misma, rinde así en esta muestra su tributo a esa Ofelia, en la cual ella también se refleja como toda mujer enamorada.

Y este homenaje lo realiza tejiendo en las tramas del arte con los hilos provenientes de las artes visuales y la literatura al citar “en cada capítulo” (como ella lo llama) de su obra: a William Shakespeare, Guillaume Apollinaire, Arthur Rimbaud, Eugenio María de Hostos, que recrean como ella a Ofelia en sus imaginarios que son frutos de las experiencias vividas como esa Ofelia que parece ir navegando en esas aguas a veces mansas y otras turbulentas y profundas, en las que va flotando como dormida entre sus velos la flor de Liz y los nenúfares, retratada en esa cuadro alucinante de Milláis, “La Ofelia de las Aguas” de esas aguas que la arrastran como la vida misma que va pasando y pasando para jamás retornar.

Ofelia Fisman en esta elección descorre el velo traspasando la realidad para adentrarnos en ese mundo onírico, el de los sueños, con todo ese simbolismo tan bien estudiado por Freud, dándole forma así a esta muestra con técnica mixta; con materiales que ella tan bien maneja, exaltando las texturas de los tejidos encajes y objetos entre mezclados con la pintura sobria en color que nos transporta a ese mundo de Ofelia y también de ella misma, imbricando elementos de su propia vida y cultura hilvanados bajo un mismo concepto.

Esta muestra es una expresión de “la obra contemporánea” “una obra abierta” que nos invita al juego ilimitado de la imaginación. Una vez más Ofelia Fisman como en toda su obra transita a través de las artes visuales, por la antropología, la sociología, la cultura donde estas aristas confluyen en su tema de siempre que es “de género”: la mujer, lo femenino, con todo ese misterio cautivante y complejo que conlleva este concepto, hoy aquí presentado.

Prof. Dr. OSVALDO REAL TORRES
Curador independiente
Asunción, mayo de 2010.
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Obra: PERCHITAS PARA COLGAR NOVIAS,
Técnica mixta, 2010.
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(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del

WILLIAM RIQUELME: EN BLANCO Y NEGRO - Cometarios de LULY CODAS y MIGUEL ÁNGEL FERNÁNDEZ / Manzana de la Rivera, 2003

Catálogo de exposición
WILLIAM RIQUELME: EN BLANCO Y NEGRO,
Centro Cultural de la Ciudad Manzana de la Rivera,
Asunción-Paraguay 2003.

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WILLIAM RIQUELME: EN BLANCO Y NEGRO
Cuando la forma pura pone a nuestra disposición un contenido viviente, se rehace en la figuración el universo de lo humano. Del oscuro lugar donde se había escondido la imagen, el artista/dibujante la rescata para nosotros, transformando su pensamiento en líneas; deseo manifiesto de volver a ver, revisar y comunicar una visión del entorno, Porque el dibujante ve líneas en la naturaleza, todo en su visión se traduce a dibujos, y serán ellos los que construirán su discurso acerca del hombre.
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WILLIAM RIQUELME es uno de aquellos creadores que han puesto en el dibujo -forma sensual del lenguaje visual- la totalidad de sus energías; en su obra autográfica se ha retenido la búsqueda perseverante y apasionada de la expresión libre, el pensamiento vivo o la imaginación despierta.
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Obra: JUEGOS EN EL MONTE,
dibujo a tinta sobre papel, 1983
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LA CONEXIÓN PERDIDA: SIGNIFICADO-SIGNIFICANTE
El dibujo nace de un proceso rápido -anotación directa de la imagen- como consecuencia de una acción espontánea, sin ataduras a tradiciones o convencionalismos, opuesto al espectáculo como resultado; deseoso de regresar a tamaños humanos ante la ostentosa explosión de nuevos materiales, es para un artista la penetración en el sagrario interior.
En este recinto tan privado -monólogo interior- se entrega el dibujante, libre de deseos ajenos, a escoger, decidir o eliminar su intervención espiritual sobre las cosas.
En el blanco ingrávido del papel -espacio sin referencias, clave del sentimiento solitario- juegan las líneas negras con las que William escribe su incesable narración visual: imágenes lineales, imágenes inventadas y artificiosas relatan la propia percepción del hombre, Estos dibujos gravados con el signo humano, rozan la caricatura, se acercan a veces a las curvas sensuales del modernismo, giran otras hacia los ángulos de vista del cubismo, siguen las huellas de la deformación expresionista a se regodean con alguna abstracción ornamental; dibujos con fuerza de género y con amplia capacidad comunicativa, mezclan en sencillos ademanes la ironía y el humor con otras vivencias interiores como la soledad y la incomunicación.
En esta expedición al universo de la línea, WILLIAM RIQUELME nos enseña, con gran aplomo gráfico, su actividad más íntima y secreta en el poderoso impacto de la simplicidad plástica de sus figuras: cabriolas rítmicas sobre el papel. Mirada crítica que apuesta a favor de la salvación de lo imagen; imagen que se afana en retener su poder comunicante y no viciarse por el cansancio de un lenguaje diluido y carente de significado, para encontrar hechos nuevos derivados de formas originales de repensar el mundo.
LULY CODAS - Junio, 2003
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WILLIAM RIQUELME: AÑOS DE INICIACIÓN
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A partir de la Semana de Arte Moderno, de 1954, en el Paraguay se aceleró el proceso de la modernidad artística, que hasta entonces sólo había apuntado con más o menos fuerza en la obra de JULIÁN DE LA HERRERÍA, JAIME BESTARD y WOLF BANDUREK.
Apenas unos diez años después de aquel hecho protagonizado por el GRUPO ARTE NUEVO una exposición en vitrinas comerciales de la calle Palma, que quiso desafiar las muestras convencionales, aparecía una pléyade de artistas jóvenes, entre los cuales se hallaba WILLIAM RIQUELME, En realidad, éste había hecho ya su primera muestra en 1963, junto con ÁNGEL YEGROS, en una de las reuniones literarias de Asedio en la casa de la poetisa MARÍA LUISA ARTECONA. Por entonces era un valor promisorio, que orientaba sus búsquedas dentro de coordenadas expresionistas, pero sin adscribirse estrictamente a un determinado marco de escuela.
Con la primera exposición del grupo de LOS NOVÍSIMOS: ÁNGEL YEGROS, WILLIAM RIQUELME, JOSÉ ANTONIO PRATT MAYANS, ENRIQUE CAREAGA, en 1962, va tomando cuerpo una propuesta estética que quería tomar distancia respecto a las anteriores experiencias de la modernidad local. En efecto, coincidentes con los nuevos aires que soplaban en el Río de la Plata, ellos introducían en el arte paraguayo algo que se había dado poco entre nosotros; el desenfado, el humor, la espontaneidad del acto artístico, que contrastaban con las posiciones quizá demasiado severas de los artistas que los precedieron en la aventura de la modernidad.
Con el tiempo, WILLIAM RIQUELME acumularía experiencias e iría mostrando los resultados de su labor en exposiciones individuales o colectivas desde la Bienal de Córdoba, en 1964, hasta la muestra en Washington, con los auspicios de la Unión Panamericana, en 1967.
Su lenguaje comienza a definirse mediante las técnicas del dibujo ya desde su primera época, recorriendo líneas estéticas distintas pero afines. El humor, la ironía y el sarcasmo impregnan frecuentemente sus creaciones en esos años de contestación y de crítica a las formas y las instituciones establecidas. Muchos de esos trabajos no fueron conocidos del público. Los recoge en esta exposición, junto con numerosos dibujos posteriores, que muestran una dedicación intensa y variada en sus registros expresivos, con logros indudables en el orden de los valores estéticos. Así, la fuerza de la expresión hace vértice con la plenitud de la forma y el temple irónico de un espíritu inquietó e indagador. Una obra, en fin, que se incorpora al acervo de los hechos relevantes del arte paraguayo contemporáneo.
MIGUEL ÁNGEL FERNÁNDEZ - Junio, 2003


Obra: EL QUINIELERO,

dibujo a tinta sobre papel, 1989
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Enlace a datos biográficos y
galería de obras de

miércoles, 2 de junio de 2010

MIGUELA VERA - OBRAS DEL ARTISTA y texto de JOSEFINA PLÁ / Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS.

Obra: ENTIERRO DE UN NIÑITO DE DIOS
Serie “LOS NIÑITOS DE DIOS”
Xilografía, 1979
Artista MIGUELA VERA
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del
www.portalguarani.com )

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Xilografía de MIGUELA VERA

Fuente imagen:

ARTE ACTUAL EN EL PARAGUAY 1990-1995
(JOSEFINA PLÁ, OLGA BLINDER, TICIO ESCOBAR)

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VERA, MIGUELA (1918 - 2005) : Paraguaya residente en la Argentina desde muy temprano. Egresada de la Escuela Municipal de Arte "Manuel Belgrano". Se especializó en grabado en la Escuela Provincial de Artes Visuales "Profesor Juan Mantovani". A pesar de hallarse lejos del país desde hace mucho tiempo Miguela Vera permanece unida por su temática al terruño. Según el crítico EDUARDO RAÚL STORNI, Miguela Vera es dueña de una técnica que va depurando en constante quehacer a la vez que su inspiración es impulsada por un sentimiento que va corporizando, en equilibradas composiciones, su acendrado apego a seres y cosas de su tierra. Pero en su obra lo representativo queda siempre supeditado a una exaltación pura de los valores estéticos severamente ordenados.
EXPOSICIONES:
INDIVIDUALES:
Exposición individual Museo Municipal de Artes Visuales de Santa Fe, 1961 / Exposición individual, Asunción, 1962 / Exposición individual, Asunción, 1966
COLECTIVAS: VI Salón del Litoral Paraná (Provincia Entre Ríos) 1962 / XXXVI Salón Anual de Artistas Plásticas Santafesinos, 1963 / XL Salón de Rosario, 1963 / XXXVII Salón de Artistas Plásticos Santafesinos, 1965 / V Salón Anual de Esperanza, 1965 / VII Salón Anual de San justo, 1965 / XXV Salón Anual de la ciudad de Ceres, 1965
RECOMPENSAS:
-. Mención de Honor y Plaqueta, 1962
-. Premio Unión Industrial, Plaqueta (Salón de Artistas Plásticos Santafesinos) 1962
-. Primer Premio Adquisición, Municipalidad de Rosario, 1963
-. Primer Premio Adquisición, Salón de Artistas Plásticos, 1963
-. Segundo Premio en el V Salón Anual de Esperanza, 1965
-. Primer Premio Adquisición de la Municipalidad de Ceres, 1965
-. Segundo Premio Grabado en Santa Fe, 1965
Míguela Vera ocupa actualmente la cátedra de Grabado en la Escuela Municipal de Dibujo y Artes Visuales "Manuel Belgrano".


DOÑA MIGUELA EN EL RECUERDO
Centro cultural de la República El Cabildo
Asunción – Paraguay, 2006

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UBICACION:
MIGUELA VERA, como casi todos nuestros grabadores, obedeciendo a un llamado que podemos calificar de telúrico, siguió desde comienzo la línea del expresionismo, contenido dentro de premisas rítmicas que le dan un cierto acento decorativo. En sus últimos grabados, adopta una línea ingenuísta de hermosos efectos, siempre sobre motivos del medio y con los tradicionales recursos, efectivos siempre, del taco de madera o el linoleo, en blanco y negro. Ha ensayado en alguna ocasión el grabado en metal.
Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS por JOSEFINA PLÁ. Editorial Cultura, Asunción-Paraguay 1973 (59 páginas).
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Óleos, Acrílico, Técnica Mixta, Collage, Grabados
Xilopinturas, Instalaciones, Escultura, Audiovisuales,
Cerámica, Artesanías, Exposiciones
Libros y Artículos sobre la historia del Arte.

LOTTE SCHULZ - OBRAS DEL ARTISTA y texto de JOSEFINA PLÁ / Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS.

Obra: CERRO JASUKA-VENDÁ
El ombligo del mundo de los Paî Tavyterá.
Artista LOTTE SCHULZ
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del
www.portalguarani.com )
Fuente de la imagen:
LOTTE SCHULZ – MUESTRA RETROSPECTIVA
Instituto Cultural Paraguayo-Alemán Goethe Zentrum
Noviembre 2006
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Obra: ADÁN Y EVA
Inspirado en poemas de
Artista LOTTE SCHULZ
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del
Fuente de la imagen:
Instituto Cultural Paraguayo-Alemán Goethe Zentrum
Noviembre 2006
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Obra: Retrato de LOTTE.
Artista
LIVIO ABRAMO
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del
www.portalguarani.com )
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SCHULZ, CARLOTA (1925) : Grabadora. Iniciada en el Taller de Grabado JULIÁN DE LA HERRERÍA (1956) como OLGA BLINDER y EDITH JIMÉNEZ. Participa desde el principio en muestras locales y luego en las representaciones del grabado local en muestras extranjeras. Participa en las actividades pro expresión libre en la infancia a través de la plástica: dirigió la Escolinha de Arte fundada por el ILARI que duró poco. Practica una modalidad que intitula grabado sobre cuero (propiamente, sobre piel). En los últimos años ha incursionado en la pintura propiamente dicha.
EXPOSICIONES:
INDIVIDUALES:
Palacio Strozzi, Florencia, (Italia) 1973
COLECTIVAS: Muestra de Arte Religioso, Asunción, 1957 / Bienal de San Pablo / Muestra Latinoamericana de Grabado, Buenos Aires, 1962 / Muestra Internacional del Grabado, Tokio, 1962 / Bienal del Grabado, Santiago de Chile, 1964 / Bienal del Grabado, Buenos Aires, 1970
RECOMPENSAS:
-. Premio del Fondo Nacional de las Artes en la: Exposición del Grabado Latinoamericano, 1962, Buenos Aires
UBICACION:
LOTTE SCHULZ figura entre los buenos artistas con que actualmente cuenta el grabado paraguayo, que, como se ha podido ver en estas páginas, son relativamente numerosos y de nivel muy apreciable. Su grabado se caracteriza por el esmero que pone en los valores tonales y por sus cualidades rítmicas; que le dan cariz decorativo.
Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS por JOSEFINA PLÁ. Editorial Cultura, Asunción-Paraguay 1973 (59 páginas).
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JUAN ANSELMO SAMUDIO - OBRAS DEL ARTISTA y texto de JOSEFINA PLÁ / Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS.

Obra: PINOS, 1930
Óleo sobre madera de 32 x 40 cms.
Artista JUAN ANSELMO SAMUDIO
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE ARTES del
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Fuente de la imagen: UNA INTERPRETACIÓN
DE LOS ARTISTAS PARAGUAYOS – SIGLO XX, 1999
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Obra: SAN SEBASTIÁN
Pastel sobre papel de 40 x 50 cms.
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SAMUDIO, JUAN A. : Nacido en Asunción en 1879, fallecido en la misma capital en 1935. No hay noticias de este artista antes de 1903, fecha en la cual participa, juntamente con
PABLO ALBORNO y CARLOS COLOMBO, en los exámenes convocados por el Instituto Paraguayo para optar a becas en Europa: aunque ciertos datos lo presentan como alumno de HÉCTOR DA PONTE. Va a Italia, en ese año, y estudia en la Real Academia de Dibujo y Pintura, de Roma, Expuso sus trabajos, como Alborno en la Exposición Internacional realizada en 1906 en la capital italiana: el crítico de arte FRANCISCO RADÍ aludió favorablemente a un cuadro suyo. De regreso al país sus actividades durante varios años corren paralelas a las de PABLO ALBORNO a quien le unió una gran amistad; con él fundó la ACADEMIA DE BELLAS ARTES (1909) con su galería de arte permanente, aneja. Más tarde, disuelta la academia, Samudio pasó a dirigir las clases de diseño y pintura en el Gimnasio Paraguayo. Mandó a la Exposición Internacional del Centenario Argentino realizada en Buenos Aires en 1910 dos cuadros: NOCHE DE LUNA y PUENTE CANONICA realizados ambos en Venecia y que fueron distinguidos con medalla de plata Participó también en exposiciones en el extranjero: Exposición del Centenario del Brasil, en Río de Janeiro, ocasión para la cual trabajó durante dos meses en Caacupé, pintando paisajes de esa pintoresca zona. Fueron numerosas sus exposiciones individuales: en general prefirió éstas a las colectivas, aunque participó en algunas. Era un solitario. En 1962 se realizó en la Casa Argentina una retrospectiva de sus obras, organizada por el Sr. Jorge Báez (h). Figuró entre los fundadores del Gimnasio Paraguayo. Fue profesor cie dibujo y de pintura en varios centros docentes capitalinos.
OBRAS EN MUSEOS:
MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES DE ASUNCIÓN:

N° 51. EL ÁRBOL DE ARTIGAS, óleo sobre tela, 0.94 x 0.82
N° 52_. PAISAJE DE VENECIA, óleo sobre tela, 0.78 x 0.70
N° 53. EL ORATORIO DE NOCHE, óleo sobre tela, 0.78 x 0.70
N° 54. UNA NOCHE EN BURANO, óleo sobre tela, 0.80 x 0.70
UBICACION:
JUAN A. SAMUDIO, el primero entre sus compañeros en desaparecer, puede ser considerado, juntamente con Alborno, decano de nuestras artes plásticas en la época que enlaza inmediatamente con la postguerra del 70. Así como Alborno dedicó atención preferente a la figura, por lo menos durante muchos años, Samudio se dedicó exclusivamente al paisaje y alcanzó con él gran predicamento local. En su trayectoria, como en la de Alborno, es posible apreciar la influencia del enclaustramiento y sus proyecciones negativas sobre el complejo conceptivo y estético de esta promoción.
Fuente: TREINTA Y TRES NOMBRES EN LAS ARTES PLÁSTICAS PARAGUAYAS por JOSEFINA PLÁ. Editorial Cultura, Asunción-Paraguay 1973 (59 páginas).
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