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lunes, 11 de julio de 2011

SILA ESTIGARRIBIA PINTURAS, 2008 - Crítico de Arte: JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ - Fotografía de LUIS VERA / Centro Cultural de la Embajada de Brasil en Asunción, 2008



SILA ESTIGARRIBIA PINTURAS

Galería Livio Abramo

Centro Cultural de la Embajada de Brasil en Asunción

Asunción – Paraguay, 2008

Crítico de Arte: JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ

Fotografía de LUIS VERA

Impresión ARTE NUEVO




JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ ENTREVISTA A SILA ESTIGARRIBIA

El crítico de arte y arquitecto, JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ y SILA ESTIGARRIBIA mantuvieron una entrevista en el taller del pintor, tocando diferentes temas relacionados a la obra y pensamientos del artista.

J.R.A. ¿Cómo ubicarías esta muestra en relación a la inmediatamente anterior, en particular, y a las orientaciones de tu trabajo, en general?

S.E. El desarrollo de una obra pictórica es un camino de búsqueda, en el cual hay aciertos y desaciertos. En la anterior exposición, en el 2006, presenté trabajos que fueron el resultado de un desafío que me había propuesto: el de investigar aspectos del paisaje en Paraguay. Esto desde nuevos enfoques técnicos, como los colores más luminosos y tintas mas diluidas. Y fue un desafío, por varias razones. Antes no había hecho paisaje (salvo esporádicamente) También porque en gran medida se trataba de un tema tabú, un genero maltratado, tanto técnica como conceptualmente, aquí, sobre todo, pero también en otros países.
Esto implicó exigencias, ya que mi trabajo anterior siempre fue bastante creativo, desde formas que yo mismo establecía, y en el caso del paisaje tuve que "apaciguar" ese lado creativo, por las características de esa temática. Pero al mismo tiempo, gracias a eso se me abrieron nuevas posibilidades técnicas.
Con los trabajos que presento en esta exposición, intenté encontrar nuevamente un poco más de libertad expresiva, tratando de incorporar el aprendizaje técnico y conceptual que me reportó la experiencia paisajística.



COMPOSICIÓN CON SCINDAPSUS AUREUS (SOLTERONA)
Óleo sobre tela, 132 x 162 cm., 2008

J.R.A. Al inicio de los 90's, desde el lenguaje pictórico -ya que también te habías dedicado a otros medios-, planteabas obras de filiación abstracta; Incluso -durante tu estadía en el Brasil- y para usar tu propia expresión, obras basadas "en lo gestual e intuitivo de la práctica pictórica". Desde allí; ¿ a que razones se debería tu giro hacia planteos más figurativos (o aun abiertamente realistas)?

S.E. Hace 25 años que expongo y es cierto que durante los primero 5 o 6, mis obras fueron totalmente abstractas. En ese entonces creía que por medio de la abstracción podría indagar ciertos aspectos intemporales y trascendentes de la pintura (en la línea de las postulaciones ya clásicas de Klee, Kandinsky, y otros)
Pero ocurrieron dos cosas que cambiaron aquello. La primera -data de 1998- cuando Carlos Scliar, un pintor muy respetado en Brasil -hoy desaparecido- al conocer mi trabajo, me sugirió que lo plantease desde la figuración. Incorporé su sugerencia, porque se trataba de una persona con mucho criterio y me parecieron validas sus observaciones sobre mi trabajo.
La segunda fue que en ese tiempo comprendí que el arte abstracto -en gran medida- es una expresión narcisista, en donde el artista sólo mira a su yo creativo que se refleja en su obra: Al margen ni de mirar ni de intentar comprender otras realidades importantes que le rodean.
Fue esta concepción la que me alejó de la abstracción, ya que deseaba avanzar en otras indagaciones sobre el tiempo y el espacio que me rodeaban. Esto es: consideré que si fuera capaz de observar otros elementos que me rodeaban (animados e inanimados) esto permitiría aproximarme más eficazmente a la problemática de esos elementos, de comunicarme con ellos. Así la pintura dejaría de ser un juego narcisista, un espejo de mi yo interior o de mi impulso creativo. El narcisismo tiene sus límites y está muy relacionado con el individualismo, que no te da la posibilidad de entender otros niveles de conciencia.
Debo aclarar que no deseché totalmente la abstracción: en mi obra actual convive lo figurativo y lo abstracto. Tampoco me opongo a la abstracción en general y en un sentido absoluto; Estoy hablando de mi propio proceso.
En este planteo, durante mi nuevo realismo, paralelamente al desarrollo de esta obra figurativa, también aparecieron elementos nuevos, simbólicos, que las denominaba "metáforas visuales". Fue con este estilo simbólico que obtuve -en 1998- el Gran Premio del Jurado en la Bienal Internacional del Cairo. Considero este premio como un hito en mi carrera; Mas aun considerando que en ese momento estaba trabajando en la embajada de Paraguay en Paris y no tenía muchos estímulos artísticos.



COMPOSICIÓN CON CALATHEA ZEBRINA
Óleo sobre tela, 89 x 116 cm., 2008

J.R.A. ¿Cómo te parece que la técnica -sino como fin en sí mismo, como un elemento central en tu trabajo- se relaciona o condiciona la significación de tu propuesta?

S.E. Antes que nada quisiera comentarte que no existe -desde hace décadas- una tradición pictórica en Paraguay (como la que existe, por ejemplo, en el Río de la Plata) No se han cultivado los conocimientos del medio pictórico (esto es, su técnica). Y en las ultimas 4 décadas, entre los artistas que estaban en Paraguay, circulaba la afirmación de que era fundamental tener un estilo propio en las obras. Para mí esto es falso si es que no se tiene el conocimiento y el dominio técnico necesario. Tener un estilo sin tener un conocimiento del oficio es contraproducente, ya que la obra tenderá a repetir continuamente la misma fórmula, la misma estética, incluso -incapaz de avanzar- correrá el riesgo de volverse meramente decorativa.
En el universo todo avanza continuamente, y así debería ser la obra de los artistas. Este sería el lugar esencial de la técnica, ya que no existen límites para la investigación sobre la imagen; Sea en la esfera formal o conceptual. Además, hablando de la técnica, parece interesante citar que existe una velada interrelación alquímica entre la vida personal del artista y el avance técnico de la obra que produce.



COMPOSICIÓN CON AGAVE ATTENUATA
Óleo sobre tela, 116 x 89 cm., 2008

J.R.A. ¿No sería igualmente peligroso el otro extremo: reducir la obra a un expediente técnico?

S.E. Es un riesgo real, pero la técnica es un instrumento, está sujeta a la expresión. Si se antepone a la expresión no se podrá acceder a ningún espesor del significado, que constituye el fin del arte.



COMPOSICIÓN CON ORQUIDEA CIMBYDIUM
Óleo sobre tela, 89 x 116 cm., 2008

J.R.A. Considerando el "estado de cosas" actual, tanto en lo que se refiere a una tradición referencial-mimética, extensamente explorada (la representación pictórica realista); así como el extenso empleo y/o disponibilidad de medios mecánicos para consumar dichos fines "referenciales" ¿Qué cabria agregar a lo ya dicho desde un planteo pictórico como el tuyo?

S.E. Desde 1996 al 2006 viví en Paris, y pude comprobar que en el realismo existen verdaderos maestros contemporáneos, cuya obra tiene la capacidad de expresar la compleja realidad del ser humano actual. Artistas aquí poco conocidos (como Old Nerdrum, Sandorfi, entre otros, sin contar a los de la tradición figurativa anterior, como Lucien Freud, Balthus, Bacon o Antonio Lopez) con propuestas que distan mucho del agotamiento. Por el contrario, esta práctica está viva y con propuestas muy claras; Una pintura que, apoyada en la tradición, al mismo tiempo va mas allá de esa tradición de la historia del arte.
En cuanto a lo que yo mismo podría aportar, no propondría ningún "programa" especifico. En este momento pretendo profundizar con sinceridad el desarrollo de mi trabajo, que a su vez es un compromiso con el sentido de mi vida, ya que para mí la pintura es un llamado interno.
Pero quiero agregar que la pintura es una actividad solitaria, al margen del sistema, de todos los sistemas y que toma su fuente de lo absoluto y no de la cultura o de las exigencias sociales. La pintura propone un contacto con el no tiempo y con la valoración de las potencias encontradas, y es allí donde reside el verdadero poder del artista.



LOS TRES SILAS
Óleo sobre tela, 110 x 135 cm.

J.R.A. ¿Propondrías una pintura exterior al tiempo, aun que ésta remita siempre a la historia?...

S.E. Sin duda, la impronta temporal está marcada, pero la trasciende. Para entender este concepto, hay que remitirse a la psiconeurología, que explica la funcionalidad del cerebro humano con sus dos hemisferios: el derecho y el izquierdo. En el hemisferio izquierdo del cerebro están las funciones del lenguaje, del poder, de lo mesurable, del tiempo; y en el hemisferio derecho las funciones del inconsciente, de la creatividad, de la intuición, de lo trascendente (del "no tiempo"). Y es del cerebro derecho que vienen la mayoría de los elementos de la pintura. De ahí que cuando una obra tiene un desarrollo técnico que viene del "no tiempo", tiene la potencia de lo universal.
Por eso cuando estamos frente a un Rembrandt, pintado con imágenes del siglo XVII, tiene la capacidad de impactar-nos y conmocionarnos en pleno siglo XXI, porque está cargada de una potencia técnica centrada en la intemporalidad. El "no tiempo" trasciende al tiempo.



COMPOSICIÓN CON ORQUIDEA VANDA
Óleo sobre tela, 73 x 100 cm., 2008

J.R.A. ¿Cuáles fueron tus inquietudes e intenciones, tanto técnicas como en lo que refiere a los contenidos que desearías transmitir desde las obras?

S.E. Quizás proponga una estrategia de contraste o de complementación entre los componentes de los cuadros; relacionada con la problemática tiempo/espacio que antes mencionara. En esta exposición, los elementos que aparecen en los primeros planos tienen definido el tiempo y el espacio, son objetos concretos y "realistas". No así el fondo -soporte de esas figuras, que generalmente es abstracto-; Este fondo estaría fuera del tiempo y espacio. Deseé desarrollar esta relación (y lo que podría significar): La interacción entre tiempo/espacio (conjeturables) con otro no-tiempo y no-espacio. Obviamente, no se puede escapar de la intencionalidad; en este caso ligada a la relación mencionada y a otras que existen entre la representación y la significación en la pintura.
No entiendo a la pintura como descriptiva y de allí me interesa la reflexión de la doble lectura de la misma. Una doble lectura que debe ser inducida por la sensación. Se puede leer una pintura desde un punto de vista -digamos-teórico, pero hay otras lecturas. Y las figuras que aparecen en un cuadro remiten a la emoción pictórica subyacente, que va más allá de los elementos formales del cuadro, que resultan un vehículo o pretexto. El cuadro es un universo cerrado, donde cada elemento es puesto al servicio de una significación, a su vez derivada de la atmósfera pictórica de la obra.


COMPOSICIÓN CON CALAVERA
Óleo sobre tela, 130 x 89 cm., 2008


COMPOSICIÓN CON FRUTAS
Óleo sobre tela, 63 x 92 cm., 2007


COMPOSICIÓN CON FRUTAS
Óleo sobre tela, 61 x 115 cm., 2008


COMPOSICIÓN CON FRUTAS
Óleo sobre tela, 63 x 92 cm., 2007




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