ADRIANA ALMADA(Enlace a datos biográficos y obras
En la GALERÍA DE ARTES del
www.portalguarani.com )
OLGA BLINDER / lo mismo, pero diferente
CON MUCHOS años en el oficio de crear y enseñar arte, Olga Blinder recapitula sus experiencias en una muestra que no responde a los cánones habituales de una retrospectiva. Pinturas, dibujos, grabados, collages, técnicas mixtas, bocetos... todo ha sido reunido al compás de la memoria. Una memoria que registra momentos dulces y amargos, grandes logros y hasta algunos intentos fallidos. En estas páginas Blinder reflexiona sobre su obra, sobre los rasgos fundamentales del arte y sobre las manifestaciones de los últimos tiempos. Aunque reúne más de cincuenta años de trabajo, la última muestra de Olga Blinder, montada en la Manzana de la Rivera, no es una retrospectiva. Según ella misma lo reconoce, es una exhumación valiente y atrevida de sus búsquedas, sus primeros en-sayos, sus hallazgos, sus logros y sus yerros. Como ella misma dice, un strip-tease pasados los 70. Es una muestra amplia, que bajo el título Lo mismo, pero diferente, condensa una vida entera. Frente a cada obra, los recuerdos afloran: momentos felices y otros amargos, experiencias duras y placenteras. Aquí Blinder optó por emular a la memoria, que se precipita frente a cada obra, sin orden ni disciplina. Imágenes de diferentes épocas se superponen y el tiempo -al que a veces percibimos fracturado- va y viene, como un solo y único movimiento.
** Pero no sólo de la exposición conversamos con Olga. Su trabajo como pedagoga -que la obliga a una actualización permanente- y su visión del arte contemporáneo fueron temas ineludibles. Como fundadora del TEI, del IDEA y más recientemente del ISA (instituciones educativas que cubren el espectro de tres generaciones) ha visto cómo el arte hace aflorar lo mejor de los seres humanos. Sin embargo -y a pesar de su dilatada experiencia- se resiste a llamarse a sí misma "artista", prefiriendo presentarse simplemente como pintora.
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** Pero no sólo de la exposición conversamos con Olga. Su trabajo como pedagoga -que la obliga a una actualización permanente- y su visión del arte contemporáneo fueron temas ineludibles. Como fundadora del TEI, del IDEA y más recientemente del ISA (instituciones educativas que cubren el espectro de tres generaciones) ha visto cómo el arte hace aflorar lo mejor de los seres humanos. Sin embargo -y a pesar de su dilatada experiencia- se resiste a llamarse a sí misma "artista", prefiriendo presentarse simplemente como pintora.
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¿CÓMO SURGIÓ LA EXPOSICIÓN?
** Tengo varios cuadros que reflexionan sobre mi propia pintura. De pronto pensé que durante toda mi vida siempre estuve haciendo lo mismo, pero en forma diferente. Hay una temática y un contenido. Voy trabajando con diferentes técnicas, con diferentes enfoques...
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¿TAMBIÉN CON DIFERENTE LENGUAJE FORMAL?
** Sí, en lo formal también. Uno cambia, desde los veintitantos hasta los setentaitantos, uno cambia bastante y también la obra. Eso se materializa en lo temático y en el contenido. La maternidad, por ejemplo. Cuando pinté ese cuadro, la maternidad tenía un significado muy profundo y muy amplio, porque era toda mi vida, mi responsabilidad. Con el paso del tiempo, no es ese sentido de la maternidad el que me mueve. Mis hijos y mis nietos están lejos, están realizados como profesionales, como personas, y yo tengo otro enfoque de las cosas. Sin embargo, la maternidad siempre me preocupa. Me preocupan los niños, me preocupa el futuro de la humanidad. Y a esto se suma lo que yo necesito: trato de abrirme a lo que técnicamente me ofrece el mundo hoy día. En ese cuadro yo uso una técnica que hace diez años no podía usar, la impresión láser sobre tela. Antes hacía collages con fotografías de mis cuadros. Ahora hago esto [...] Esta exposición, al llamarse "lo mismo pero diferente", me hizo correr hacia atrás, juntar recuerdos sueltos de aquí y de allá, todas las cosas que fui haciendo durante todos estos años. Recurrí a mi mueble, donde tengo las cosas, y fui sacando lo que me parecía que tenía algún significado para la historia de mis cincuenta y pico de años de trabajo... En realidad, son bastante más de cincuenta...
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USTED DIJO QUE EN ESTA MUESTRA SE DESNUDA.
** Es justamente lo que uno no suele querer hacer. Generalmente uno no quiere mostrar sus errores, sus fracasos, sus cosas no ter-minadas; pero yo pensé que, a esta altura, lo podía hacer...
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USTED PROBÓ DIFERENTES TÉCNICAS Y TAMBIÉN DIFERENTES CAMINOS EXPRESIVOS. ¿CON CUÁL DE ESTOS LENGUAJES SE SINTIÓ MÁS CÓMODA?
** Dependía del momento. Cuando trabajaba cono Ofelia (Echagüe) viví el despertar de poder hacer las cosas que quería. Era figurativa, muy realista, no académica -porque jamás lo fui-, pero no iba más allá. Cuando empecé con Rossi (João) y descubrí el cubismo, me sentí muy cómoda con él. No sé si usted sabe que estudié Ingeniería, y que todo lo que sea geométrico y matemático me gusta mucho. Entonces, el cubismo era para mí algo muy interesante. Pero yo no hacía cubismo, yo pintaba "cubistoide". No tenía la rigidez del cubismo. Después de eso, de pronto, descubrí la mancha. Fue no empezar más de cero, sino trabajar sobre algo que ya estaba. De allí salió mucho trabajo. Sobre la mancha trabajé dibujo, trabajé pintura, hice grabado. Ahora, por ejemplo, todo lo hago sobre manchas. Manchas que no hago yo, manchas que hago hacer. Esa mancha que veo en el papel o en la tela despierta en mí algo que ya tengo adentro. De acuerdo a mi preocupación del momento surgen las cosas.
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CON TANTOS AÑOS DE TRABAJO, BÚSQUEDAS, HALLAZGOS, ¿CÓMO SE SIENTE -COMO ARTISTA Y PEDAGOGA-FRENTE A LOS JÓVENES CUYA INCLINACIÓN, TAN LEJOS DE LA PINTURA O EL GRABADO, SE ORIENTA A LA INSTALACIÓN, LA PERFORMANCE O LA MULTIMEDIA?
** Hay una ambivalencia, porque por un lado estoy totalmente de acuerdo con que los jóvenes busquen. Yo también busqué. No nos olvidemos de la lucha que tuvo el grupo Arte Nuevo en relación a los pintores consagrados de la época. No es extraño para mí. Además, yo siempre busco. Eso es lo positivo de mi posición ambivalente. Lo negativo es que le tengo miedo al facilismo. Es decir, poner tres cosas y considerar eso una instalación no me convence. Pero tengo mucho respeto por las instalaciones. Y cuando algo está tratado en profundidad, cuando hay pensamiento (no quiero decir la palabra mensaje), una propuesta... eso me convence. Estuve en San Francisco hace poco y vi por segunda vez -porque ya la había visto en Nueva York- una retrospectiva de quien hoy está considerado el más importante video-instalador: Bill Viola. Y realmente es importante. Siempre digo que esa exposición me convenció totalmente del valor de las instalaciones. Es realmente asombroso. En San Francisco, además, se exponían los bocetos del artista. Y eso me pareció importantísimo. Lo que me asusta de los jóvenes es que muchas veces no profundizan en la propuesta ni en el trabajo. No es hacer nomás, como decían con el arte abstracto: tirar pintura nomás. Es algo muy serio.
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¿NUNCA LA TENTÓ LA IDEA DE HACER INSTALACIONES?
** Yo diría que ya hice una instalación, hace muchos años, no recuerdo cuándo. Ticio (Escobar) organizó una exposición que se llamó arte catastrófico. Era una performance, si se quiere... un happening. Yo hice -y siempre me acuerdo de eso porque me divertí mucho-una muñeca de trapo de tamaño natural, con un vestido mío, de mangas largas, guantes blancos, un collar. Estaba sentada sobre una silla. No tenía piernas, pero estaban los zapatos abajo. No tenía cabeza, pero había un sombrero colgado en la silla. Se llamaba SEÑORITA SIN PIES NI CABEZA. Esa fue mi experiencia de instalación. (Genaro) Pindú puso un chancho sobre una mesa, como si se sirviera un banquete... Hace poco, en Madrid, se hizo una exposición en la Casa de América, y había también algo similar, pero era un cuerpo humano. Era comestible, se cortaba y se podía comer. A mí me pareció terrible.
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¿QUÉ OPINA DE LA PRESENCIA CONCRETA, REAL, DE LO ORGÁNICO EN MUCHAS OBRAS? ¿CÓMO ASIMILA ESTAS NUEVAS EXPERIENCIAS?
** Yo creo que en toda la historia de la humanidad siempre ha habido búsquedas constantes. Y lo que queda es lo que vale. A veces rápidamente se detecta lo que tiene valor y a veces se necesitan muchos años. El ser humano tiene que buscar, experimentar. Pera yo repito constantemente la famosa frase: "el arte es transpiración, trabajo, trabajo, trabajo". No hay un soplo divino. La experimentación es trabajo, la búsqueda es trabajo. Y sin eso no se llega a realizar algo. Hablemos de Di Lascio. Él trabajaba mucho. Miremos a Don Ignacio (Núñez Soler), también trabajaba mucho.
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¿CÓMO VE ESTE NUEVO TIEMPO, EN QUE SE MINIMIZA EL “OFICIO" PARA CENTRARLA ATENCIÓN EN EL CONCEPTO?
** Fijémonos en Rauschenberg. Él era un buscador y se enfrentaba constantemente a la crítica, pero seguía buscando e incorporó a su obra un montón de técnicas que nadie se atrevía a mezclar. Tenernos que analizar, cuando se dice "oficio", si se habla de habilidad o de qué. Porque para hacer instalaciones como las de Bill Viola ¡se imagina el oficio que hay que tener! Primero, la concepción de la obra y, después, la realización. Yo no sé si él sabe dibujar o pintar. Tiene una obra que consiste en dos pantallas de vídeo enfrentadas, a muy poca distancia una de otra. La pantalla de abajo muestra a la madre del artista, muriendo, y la de arriba a su hijo, que está naciendo. Al mirar se ve que una refleja la otra. Vida y muerte. Y cómo golpea.
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CON EL TIEMPO, Y A PARTIR DE LAS GRANDES TRANSFORMACIONES DE LAS ÚLTIMAS DÉCADAS, ¿HA CAMBIADO SU ACTITUD FRENTE A UNA OBRA DE ARTE?
** Cuando uno está con los alumnos y ve las obras que ellos desarrollan, llega un momento en que uno quiere olvidar quién la hizo y ver solamente la obra, porque es lo que queda. No es la historia y el autor, es la obra. Y cuando ella vale, adquiere vida propia. Ahora, no se puede hallar vida en una obra que no vale, que es lo que muchas veces se quiere hacer.
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A SU CRITERIO ¿QUIÉN PUEDE DETERMINAR EL VALOR DE UNA OBRA EN UNA ÉPOCA DE TANTAS PROPUESTAS Y OPINIONES DIFERENTES?
** La historia, la historia. Por eso a mí no me gusta cuando la gente dice: "yo soy artista". ¿Qué significa eso? Yo digo: "soy pintora".
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¿LA PALABRA ARTISTA ES DEMASIADO GRANDE?
** Claro, la historia dirá... a menos que haya otra acepción de la palabra. Para mí el arte es la excelencia en cualquier cosa que se haga. Lo excelente se convierte en arte. Y uno no puede saber si es artista antes de tener una obra consistente, excelente. Y si es excelente, lo saben los que saben de arte.
Diario La Nación, Suplemento Cultural, Asunción, 22/08/99, pp. 3-5. (Versión abreviada).
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Fuente: COLECCIÓN PRIVADA, escritos sobre artes visuales (en Paraguay). Por ADRIANA ALMADA. © ADRIANA ALMADA. Editado con el apoyo del FONDEC, Asunción-Paraguay 2005. (325 páginas).
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** Tengo varios cuadros que reflexionan sobre mi propia pintura. De pronto pensé que durante toda mi vida siempre estuve haciendo lo mismo, pero en forma diferente. Hay una temática y un contenido. Voy trabajando con diferentes técnicas, con diferentes enfoques...
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¿TAMBIÉN CON DIFERENTE LENGUAJE FORMAL?
** Sí, en lo formal también. Uno cambia, desde los veintitantos hasta los setentaitantos, uno cambia bastante y también la obra. Eso se materializa en lo temático y en el contenido. La maternidad, por ejemplo. Cuando pinté ese cuadro, la maternidad tenía un significado muy profundo y muy amplio, porque era toda mi vida, mi responsabilidad. Con el paso del tiempo, no es ese sentido de la maternidad el que me mueve. Mis hijos y mis nietos están lejos, están realizados como profesionales, como personas, y yo tengo otro enfoque de las cosas. Sin embargo, la maternidad siempre me preocupa. Me preocupan los niños, me preocupa el futuro de la humanidad. Y a esto se suma lo que yo necesito: trato de abrirme a lo que técnicamente me ofrece el mundo hoy día. En ese cuadro yo uso una técnica que hace diez años no podía usar, la impresión láser sobre tela. Antes hacía collages con fotografías de mis cuadros. Ahora hago esto [...] Esta exposición, al llamarse "lo mismo pero diferente", me hizo correr hacia atrás, juntar recuerdos sueltos de aquí y de allá, todas las cosas que fui haciendo durante todos estos años. Recurrí a mi mueble, donde tengo las cosas, y fui sacando lo que me parecía que tenía algún significado para la historia de mis cincuenta y pico de años de trabajo... En realidad, son bastante más de cincuenta...
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USTED DIJO QUE EN ESTA MUESTRA SE DESNUDA.
** Es justamente lo que uno no suele querer hacer. Generalmente uno no quiere mostrar sus errores, sus fracasos, sus cosas no ter-minadas; pero yo pensé que, a esta altura, lo podía hacer...
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USTED PROBÓ DIFERENTES TÉCNICAS Y TAMBIÉN DIFERENTES CAMINOS EXPRESIVOS. ¿CON CUÁL DE ESTOS LENGUAJES SE SINTIÓ MÁS CÓMODA?
** Dependía del momento. Cuando trabajaba cono Ofelia (Echagüe) viví el despertar de poder hacer las cosas que quería. Era figurativa, muy realista, no académica -porque jamás lo fui-, pero no iba más allá. Cuando empecé con Rossi (João) y descubrí el cubismo, me sentí muy cómoda con él. No sé si usted sabe que estudié Ingeniería, y que todo lo que sea geométrico y matemático me gusta mucho. Entonces, el cubismo era para mí algo muy interesante. Pero yo no hacía cubismo, yo pintaba "cubistoide". No tenía la rigidez del cubismo. Después de eso, de pronto, descubrí la mancha. Fue no empezar más de cero, sino trabajar sobre algo que ya estaba. De allí salió mucho trabajo. Sobre la mancha trabajé dibujo, trabajé pintura, hice grabado. Ahora, por ejemplo, todo lo hago sobre manchas. Manchas que no hago yo, manchas que hago hacer. Esa mancha que veo en el papel o en la tela despierta en mí algo que ya tengo adentro. De acuerdo a mi preocupación del momento surgen las cosas.
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CON TANTOS AÑOS DE TRABAJO, BÚSQUEDAS, HALLAZGOS, ¿CÓMO SE SIENTE -COMO ARTISTA Y PEDAGOGA-FRENTE A LOS JÓVENES CUYA INCLINACIÓN, TAN LEJOS DE LA PINTURA O EL GRABADO, SE ORIENTA A LA INSTALACIÓN, LA PERFORMANCE O LA MULTIMEDIA?
** Hay una ambivalencia, porque por un lado estoy totalmente de acuerdo con que los jóvenes busquen. Yo también busqué. No nos olvidemos de la lucha que tuvo el grupo Arte Nuevo en relación a los pintores consagrados de la época. No es extraño para mí. Además, yo siempre busco. Eso es lo positivo de mi posición ambivalente. Lo negativo es que le tengo miedo al facilismo. Es decir, poner tres cosas y considerar eso una instalación no me convence. Pero tengo mucho respeto por las instalaciones. Y cuando algo está tratado en profundidad, cuando hay pensamiento (no quiero decir la palabra mensaje), una propuesta... eso me convence. Estuve en San Francisco hace poco y vi por segunda vez -porque ya la había visto en Nueva York- una retrospectiva de quien hoy está considerado el más importante video-instalador: Bill Viola. Y realmente es importante. Siempre digo que esa exposición me convenció totalmente del valor de las instalaciones. Es realmente asombroso. En San Francisco, además, se exponían los bocetos del artista. Y eso me pareció importantísimo. Lo que me asusta de los jóvenes es que muchas veces no profundizan en la propuesta ni en el trabajo. No es hacer nomás, como decían con el arte abstracto: tirar pintura nomás. Es algo muy serio.
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¿NUNCA LA TENTÓ LA IDEA DE HACER INSTALACIONES?
** Yo diría que ya hice una instalación, hace muchos años, no recuerdo cuándo. Ticio (Escobar) organizó una exposición que se llamó arte catastrófico. Era una performance, si se quiere... un happening. Yo hice -y siempre me acuerdo de eso porque me divertí mucho-una muñeca de trapo de tamaño natural, con un vestido mío, de mangas largas, guantes blancos, un collar. Estaba sentada sobre una silla. No tenía piernas, pero estaban los zapatos abajo. No tenía cabeza, pero había un sombrero colgado en la silla. Se llamaba SEÑORITA SIN PIES NI CABEZA. Esa fue mi experiencia de instalación. (Genaro) Pindú puso un chancho sobre una mesa, como si se sirviera un banquete... Hace poco, en Madrid, se hizo una exposición en la Casa de América, y había también algo similar, pero era un cuerpo humano. Era comestible, se cortaba y se podía comer. A mí me pareció terrible.
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¿QUÉ OPINA DE LA PRESENCIA CONCRETA, REAL, DE LO ORGÁNICO EN MUCHAS OBRAS? ¿CÓMO ASIMILA ESTAS NUEVAS EXPERIENCIAS?
** Yo creo que en toda la historia de la humanidad siempre ha habido búsquedas constantes. Y lo que queda es lo que vale. A veces rápidamente se detecta lo que tiene valor y a veces se necesitan muchos años. El ser humano tiene que buscar, experimentar. Pera yo repito constantemente la famosa frase: "el arte es transpiración, trabajo, trabajo, trabajo". No hay un soplo divino. La experimentación es trabajo, la búsqueda es trabajo. Y sin eso no se llega a realizar algo. Hablemos de Di Lascio. Él trabajaba mucho. Miremos a Don Ignacio (Núñez Soler), también trabajaba mucho.
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¿CÓMO VE ESTE NUEVO TIEMPO, EN QUE SE MINIMIZA EL “OFICIO" PARA CENTRARLA ATENCIÓN EN EL CONCEPTO?
** Fijémonos en Rauschenberg. Él era un buscador y se enfrentaba constantemente a la crítica, pero seguía buscando e incorporó a su obra un montón de técnicas que nadie se atrevía a mezclar. Tenernos que analizar, cuando se dice "oficio", si se habla de habilidad o de qué. Porque para hacer instalaciones como las de Bill Viola ¡se imagina el oficio que hay que tener! Primero, la concepción de la obra y, después, la realización. Yo no sé si él sabe dibujar o pintar. Tiene una obra que consiste en dos pantallas de vídeo enfrentadas, a muy poca distancia una de otra. La pantalla de abajo muestra a la madre del artista, muriendo, y la de arriba a su hijo, que está naciendo. Al mirar se ve que una refleja la otra. Vida y muerte. Y cómo golpea.
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CON EL TIEMPO, Y A PARTIR DE LAS GRANDES TRANSFORMACIONES DE LAS ÚLTIMAS DÉCADAS, ¿HA CAMBIADO SU ACTITUD FRENTE A UNA OBRA DE ARTE?
** Cuando uno está con los alumnos y ve las obras que ellos desarrollan, llega un momento en que uno quiere olvidar quién la hizo y ver solamente la obra, porque es lo que queda. No es la historia y el autor, es la obra. Y cuando ella vale, adquiere vida propia. Ahora, no se puede hallar vida en una obra que no vale, que es lo que muchas veces se quiere hacer.
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A SU CRITERIO ¿QUIÉN PUEDE DETERMINAR EL VALOR DE UNA OBRA EN UNA ÉPOCA DE TANTAS PROPUESTAS Y OPINIONES DIFERENTES?
** La historia, la historia. Por eso a mí no me gusta cuando la gente dice: "yo soy artista". ¿Qué significa eso? Yo digo: "soy pintora".
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¿LA PALABRA ARTISTA ES DEMASIADO GRANDE?
** Claro, la historia dirá... a menos que haya otra acepción de la palabra. Para mí el arte es la excelencia en cualquier cosa que se haga. Lo excelente se convierte en arte. Y uno no puede saber si es artista antes de tener una obra consistente, excelente. Y si es excelente, lo saben los que saben de arte.
Diario La Nación, Suplemento Cultural, Asunción, 22/08/99, pp. 3-5. (Versión abreviada).
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Fuente: COLECCIÓN PRIVADA, escritos sobre artes visuales (en Paraguay). Por ADRIANA ALMADA. © ADRIANA ALMADA. Editado con el apoyo del FONDEC, Asunción-Paraguay 2005. (325 páginas).
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